永恒的音乐-欧美世纪经典
May 9th, 2005 at 8:51 am (暗流调子)
1.The Beatles-Yesterday
一切从披头士开始。
The Beatles是无疑世纪的最有影响的乐队。在8年的时间中,他们不但改变了摇滚乐和流行乐 ,而且,永远的改变了所有音乐的面貌。
50年代末,在节奏与布鲁斯的影响下,一种新的音乐风格–摇滚乐诞生了。1956年,罗尼·多内甘(Lonnie Donegan)和克理斯·巴博爵士乐队(the Chris Barber Jazz Band)以一首胡迪·莱德巴特的《Rock Island Line》打入了排行榜的前十名。(克理斯·巴博乐队1967年录制了一首名为《Catc--all》的歌,这是保罗·麦卡特尼在1957-1960年间写的) 罗尼·多内甘随后的一系列成功的歌曲(如《CumberlandGap》、《Gambling Man》)开始了席卷英伦三岛的“Skiffle”音乐狂潮。由于它简单的乐器(有时只是日常的家庭用具,象搓衣板),和一种“谁都可以做”的态度, 全国十几岁的孩子都开始组建属于自己的”Skiffle”乐队。
在这些突然出现的“Skiffle Bug”中有一个16岁的利物浦男孩,名叫John Lennon。虽然他是听了一首猫王1956年录制的《伤心旅舍》,才对流行音乐产生兴趣的,但“Skiffle”音乐的兴起促使他在1957年3月组建他的第一个乐队,这个乐队叫“Black Jacks”,John弹一把央求他姨妈花17镑买的吉它,而另一位成员Pete Shotton的乐器是搓衣板。这个组合很快(一周后)改名为“Quarry Men”,这是他们两个的学校校歌中的一句,QuarryMen的人员总是不断的变化经常会有他们的朋友加入进来。他们开始在一些聚会和利物浦附近举行的“Skiffle”竞赛上演出。他们曾经参加过演出由卡洛尔·勒维斯举办的天才竞赛,但连预赛也没有通过。那次比赛失败一个月以后,Pete Shotton安排“QuarryMen”在一次沃尔顿圣彼德帕里什教堂的夏季节演出。 举行的时间是1957年7月6日。
1957年7月6日,在利物浦的另一个地方,“Quarry Men”的一位成员伊万·沃汉(Ivan Vaughan)正在劝说他的朋友Paul McCartney,和他一起去看“Quarry Men”的演出,并宣称那儿是遇到女孩的好地方。总的不管怎么说,Paul还是和Ivan一起去看了演出。
Paul 对当时 John的评价:“我记得去了那个地方,看了所有的节目,也听了所有的音乐,那是John和他的乐队。我记得我很惊奇,因为我确实被那音乐吸引了。我记得John在唱一首叫《Come On With Me》的歌。他在收音机里听过那歌,不过他不知道歌词,只知道曲不知道的词他就自己编,他看起来不错,他唱得也很好,他对我应该是个很好的领唱。当然,他没戴眼镜,所以看起来确实很温和,我记得John确实不错,他是惟一一个出众的,其他人没有什么印象。”
“Quarry Men”下午的演出结束后,Ivan把Paul介绍给了John。“那时我是个胖胖的上中学的男孩,他(John)把一个胳膊搭在我肩膀上,我那时觉得他准是喝酒了”。Paul抓过一把吉它,开始向乐队展示他的天才。他唱了《Tw–enty FlightRock》和《Be-Bop-A-Lula》,两首歌都是John最喜欢的(后来Paul抄了歌词给他)。Paul能记住所有的歌词,使John非常惊讶,而这个15岁男孩在吉它上表现出的技巧是所有“Quarry men” 成员都还没有掌握的。
1957年7月6日,是甲壳虫历史上最重要的一天。
两周以后, Pete Shotton骑自行车穿过沃尔顿代表John和乐队邀请Paul加入。在Paul McCartney加入“Qua–rry Men”,“Quarry Men”并没有立即接受George,嫌他年纪太小。而George却一心要加入乐队,于是很是崇拜John,亦步亦趋地模仿John, 他家也成了“Quarry Men”排练的好去处。后来当他终于加入乐队时,乐队已更名为“Jonny and the Moondogs”。在那年秋天(1958年),他们用“Jonny and the Moondogs”这个名字进行演出。是在利物浦演出,人们开始喜欢上这支乐队了… 1959年,他们把乐队的名字改为“Silver Beatles”这时他们遇到了一大问题—-乐队没有鼓手。乔治·哈里森说他认识一个从俱乐部出来的家伙。他就是Pete Best于是他也加入了乐队。
到了1960年8月份,他们把乐队名字简化成了“甲壳虫”( The Beatles)。这时他们来到了德国的汉堡,因为在那里比较容易找到演出的机会。但是当他们第一次到的时候,却被告知他们乐队必须要有5个人。于是他们又返回利物浦,问一位朋友是否愿意加入乐队担任贝司手。这个人就是Stuart Sutcliffe,他说可以。那时已经是1961年了。他们就经常在汉堡演出。8月17日到10月3日,他们在Intra Club演出,每晚四个半小时,周末六个小时。这以后由于警方关闭了Intra Club,甲壳虫转到Kaiserkellar继续演出,在这里,他们遇到了一位来自当时利物浦最出名的乐队RoryStorm and the Hurricanes的鼓手Ringo Starr,Ringo很快和他们成了好朋友。10月15日,John、Paul、Geo–rge、Ringo和the Hurricanes的另一成员Lou Walters,一起在一间录音室录了George Gershwin的《Summ– ertime》。 也是在Kaiserkellar,Stu遇到了Astrid,一个学摄影的女孩。两人很快坠入了情网,两个月后就订了婚。Beatles早期的马桶盖头发型,后来被一些歌星抄袭的造型,就是Stuart的女友Astrid设计的。在一次旅途中,他们遇到了歌手托尼·谢里丹。谢里丹想录制新专辑《我的邦妮》,但没有找到乐队。他们说可以为他伴奏,双方一拍即合。谢里丹的制作人给乐队起了个新名字“节奏兄弟”,但这个名字只是用于这次伴奏。
11月,甲壳虫转到了The Top Ten Club。11月21日,倒霉的George因为被发现不满18岁而在俱乐部演出,而被德国警方驱逐出境;只过了几天,Paul和Pete又被指控在他们所住的电影院后面的小屋里放火,也被警方驱逐出境;自然,John也只得收拾收拾,回国了。只有Stu留了下来,为了他所爱的女孩和绘画。
分别回国以后,George、Paul、John并没有联系,直到第二年的2月,他们才重新聚在一起,这时George甚至不知道其他甲壳虫也回国了。
Stu的离开使得甲壳虫不得不重新去找一个贝司手。起初,他们找到了Pete过去乐队Blackjacks的Chas Newby。但不久,Chas就因为要继续学业而离开了甲壳虫。 1961年,没有了贝司手的甲壳虫又一次踏上了去汉堡的旅程。在此期间,为了有一名长期的贝司手,甲壳虫们决定从内部解决这个问题。John、Paul、George三个人开始推来推去:John想要George去当,而其他人想要John去。最后的结果是Paul接过了这个任务。当时他恰好没有吉它(刚到汉堡就摔碎了),一直在弹钢琴, 只能偷着弹别人的吉它,而且因为他是左撇子,只能反着弹。另有传闻说,他当上贝司手后,他的第一把贝司是一把七弦贝司,上面的弦是从汉堡一家俱乐部的钢琴上“借”下来的。后来的某一天,Paul外出寻找他的第一把象样的贝司,他到了汉堡市中心的一家小商店,在橱窗里看见了一把小提琴形状的贝司,那是一把Hafner500/1,他花了大约$45买了下来。再后来,他有过许多不同型号的afner500/1。
1960年,在德国的Top Ten俱乐部演出并帮助Tony Sheridan出了单曲My Bonnie。观众里包括North End音乐商店经理Brian Epstein,他开有一间录音室。“甲壳虫”的演出给他留下了很深的印象。于是他就告诉“甲壳虫”他想作乐队经纪人。对于这个主动找上门的提议,“甲壳虫”们怎么能不动心呢?经过毛遂自荐便成为了他们的经纪人,这时大约是61
年的11月。随后,Epstein就开始和英国几乎所有的唱片公司联系。
在他的安排下,甲壳虫在1962年新年的第一天来到Decca唱片公司试音。他们演唱的是经Epstein精心挑选的15首歌曲,其中包括三首他们自己写的歌:《Hello Little Girl》、《Like Dreamers Do》和《Love Of The Loved》。然而Decca公司并不认为他们的歌会走红,没有和他们签约。
不久,Epstein会见了经营着一家属于EMI的小公司Parlaphone的George Martin。Epstein当时已经被多家公司拒绝,有些心灰意冷,和George Martin的会面实际上多半是开玩笑,因为George Martin的公司主要制作喜剧录音,Epstein给George Martin听了甲壳虫的试音带,试音带的效果并不好,但为了了解甲壳虫究竟如何, George Martin叫Epstein把他们带来,让 他亲自看看。几个月以后,1962年6月6日,甲壳虫们第一次来到Abbey Road录音室试音。George Martin花了两个晚上和一个下午来听甲壳虫的演唱,他很快被甲壳虫的非凡魅力所吸引。 甲壳虫们写的《LoveMe Do》是其中他最喜欢的一首,《P.S.I Love You》是另一首,只有一点,George Martin稍稍有些不满意, 他把这点告诉了Epstein, George Martin不知道这个问题也正是Epstein和其他甲壳虫在考虑的。生性文静的Pete Best一直与其他甲壳虫有些格格不入,他的击鼓也很难为甲壳虫这样一支摇滚乐队提供有力的支持,而最重要的一点是甲壳虫们也的确知道有另一位更加出色的鼓手。
10月5日,甲壳虫的第一张英国单曲唱片《Love Me Do/P.S.I Love You》正式发行。据说Epstein为了确保这张唱片能打入排行榜的前二十名,Epstein本人掏钱买了一万张。 对于他们来说,这或多或少也算是一个成绩。从这以后,他们开始在全国巡回演出。他们的新歌《Please Please Me》登上了热门歌曲排行榜的首位。他们其它的一些早期登上排行榜首位的歌曲有《She Loves You》和《From Me To You》。这时真正的“甲壳虫”狂热开始了。同年,他们第一次到瑞典进行了演出,而此刻美国也急切地希望他们能去演出。布赖安·爱泼斯坦和他们的制作人乔治·马丁希望们能够去美国演出。但“甲壳虫”们却说:“只有我们的歌曲在美国拿到第一,我们才会去”。因此他们没有去美国,而是去了法国。在法国的一次演出之后,他们收到了一封发到旅馆的电报:“国会录音公司(Capitol Records)向你们表示祝贺!你们的歌曲获得了美国排行榜第一名”。于是结束了法国之行后,他们开始赴美国演出。在那里,他们取得了极大的成功。结束了在美国的伟大之旅后,他们回到了英国,开始拍摄他们的第一部电影《A Hard Days Night》。
1962年的第三次汉堡之行却是痛苦而令他们永生难忘的。1962年4月10日,在甲壳虫到汉堡的前一天, Astrid接到她妈妈的电话说,Stu头疼得想从二楼窗户跳出去。 她赶回家, 想把Stu送到医院去,但是在去医院的路上,Stu死在了她的怀中。据说是死于脑出血。Astrid到机场去接John、Paul和Pete时,他们的眼睛都红红的。John Lennon在《In My Life》这首歌所写的”With lovers and friends I still can recall, Some are dead and Some are living “,指的就是他死去的好友Stuart Sutcliffe,一个早夭的天才。
Beatles的成功引起Decca Records的无限悔恨,也间接促成Decca Records 与Rolling Stone签约,就从这儿开始, 同类型团体大量冒出,摇滚乐又随着Beatles改变了!
1964年,Beatles到美国Grace Land拜访他们的少年偶像Elvis Presley,Elvis对于这四个小鬼能够独步武林,表示非常不屑,他一直躺在沙发上看电视,不想跟这些毛头答腔,Beatles不以为意,只觉得这是一次奇怪的会面。1965年8月Beatles在Shea Stadium创下演出收入的纪录,又借机拜访了他们年少时的偶像Elvis Presley 。没想到Elvis当面斥责这四个小鬼,批评Beatles的音乐是制造社会问题的噪音。 1965年10月26日,英国国教决议颁给他们荣誉奖章,在白金汉宫,Elizabeth女王亲自颁授MBE(Member of the British Empire)勋章给每一位团员。新专辑和第二部电影的名字是《求救》(HELP!),卖出了上百万张。
到了1966年底,他们在美国旧金山的烛台公园进行了演出,这是他们最后的一次正式演出。之后他们有更多的时间来录制歌曲了。1967年,beatles 推出《Sgt.Pepper’s Lonely Hearts Club Band》这张概念专辑,正式让摇滚乐成为严肃的艺术,创作题材不再仅限于男欢女爱。1967年六月,Beatles在全球第一次的卫星转播节目中,应邀作现场表演,他们特地为此写了一首歌 《All you need is Love》,透过三颗卫星,24个国家可以同步看到Beatles的这场演出。1968年,他们录制了《The white album》。 1969年,他们制作了《Let It Be》这时他们非常疲惫,觉得这些专辑应该是他们最后的作品。不过他们觉得《Let It Be》有点过于悲伤,因此他们又制作了专辑《Abbey Road》。他们在他们开在伦敦的苹果公司的房顶上进行了最后一次演出。
1970年4月,“甲壳虫”宣布解散,不过其成员还在继续着各自的音乐事业,他们的专辑也仍然在出售,其中新的一张精选集卖得非常好。“甲壳虫”过去是,现在是,或许将来也会是有史以来最受欢迎和最成功的音乐组合。
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2.R.E.M.-The One I Love
[乐队成员]
该乐队的4名成员是:
词曲作者兼主音迈克尔·斯泰普 1960年出生于佐治亚州一个毫无音乐细胞的军人家庭,从小随父母一起到处奔波,在得克萨斯州、德国和伊利诺斯州等地住过。他性格内向,言谈不多,酷爱艺术,爱好广泛。
鼓手比尔·巴利和低音吉它手麦克·米尔斯 在佐治亚州梅肯城读高中时是好朋友,他俩性格各异,比尔是个粗野的坏小子,嗜酒、逃学、打群架;而麦克从不沾染恶习,关心他人,作风正派。
吉它手彼得·巴克生于洛杉矶,童年是在旧金山度过的,还在印第安纳州生活过一段时间。后随家人定居佐治亚州。1977年未能实现上大学的愿望,出于浪漫冲动,便去亚特兰大一家唱片商店工作。后来他又在阿森斯开办了唱片分店,从此,有机会接触到不少摇滚乐迷,包括迈克尔·斯泰普。
[乐队简介]
乐队于1980年诞生于美国佐治亚州阿森斯镇的一座遗弃的基督教堂里。后来他们的总部设在波士顿。
摇滚乐总是在追求新鲜感,新的声音、新的形象、新的态度。但是到了80年代初,似乎这一切都荡然无存了。朋克以及新浪潮已经开始衰退。重金属开始成为另一个被过量模仿的对象。后朋克还并未大量地孳生便开始向另类摇滚转变。那个无所适从时代需要新鲜的一切,而R.E.M.正是在此时走上了历史舞台。
80年代初,美国拥有数量惊人的朋克、硬核乐队,千篇一律,毫无创新。R.E.M.巧妙地通过吉他流行乐、含蓄的呓语吟唱、后朋克的D.I.Y.精神在现代和古典之间找到了共鸣。1981年,他们的第一支单曲“Radio Free Europe”揭开了当时“回归车库摇滚”运动 ,美国的地下摇滚世界得以改观。其实,在80年代想要创造一种全新的声音几乎是不可能的,于是新旧摇滚乐的融合成为了当时最为紧要的任务。问题是,如何融合。
R.E.M.缓慢平稳的音乐其实并无太大的革新,乐队汲取了后朋克独特的音乐气质,高雅但不做作,唯美但又不过份脱俗、古怪但不荒诞,而且还有着60年代摇滚乐的稳重质朴和80年代髦的流行感。可以说,这样的融合较完美地体现了当时的“新鲜声音”。在今天的另类流行摇滚乐队身上,人们很容易发现R.E.M.的痕迹,换句话就是,这些日后的乐队一直没有跳出R.E.M.的风格。R.E.M.在摇滚上一直是非常个性的,他们没有重摇滚的噱头,也不像主流摇滚明星那样浮华,他们展现在乐迷面前的是一种摇滚乐内在的力量,源于一种不同的境界。
R.E.M.在80年代稳步扩大自己的影响,而实际上,乐队自己恐怕都没有想到会拥有数量惊人的乐迷。1987年,专辑《Document》和单曲“The One I Love”开始了乐队的真正事业巅峰期,而事实上,他们的音乐早在几年前已经影响了许多人。虽然乐队在80年代末、90年代初被乐迷认定为当时为数不多的名副其实的超级乐队,但直到90年代中期,主流评论界才最终承认乐队作为另类摇滚教父的崇高地位,颇有点相见恨晚的嫌疑。
1980年,乐队成立于乔治亚州。Mike Mills和Bill Berry是童年的玩伴,很早便一起涉足音乐。Michael Stipe(主唱)从小流浪在外,崇武好斗,最初通过Patti Smith、Television、Wire等接触摇滚乐,18岁时就读乔治亚大学艺术系。Peter Buck(吉他)当时为Wuxtry唱片店的职员,一个愿意为唱片工业花掉最后一分钱的音乐疯子,从古典音乐、爵士乐到朋克都有很高的造诣,那时他还刚刚开始学习弹吉他。1980年命运让4个人走到了一起,,不过乐队当时叫作wisted Kites。同年夏天,乐队随极翻阅字典后,按照上帝的意思改名为R.E.M.。不久后,Jefferson Holt成为乐队的经理。
1年半后,乐队到南方演出,当时主要演奏一些garage和民谣摇滚。1981年夏天,乐队录制了第一首单曲“Radio Free Europe”,当地一个叫作Hib-Tone独立小公司发行了它,数量只有1000张,幸运地是,这张唱片大多到了有影响力的人手里。此后这首歌曲被传来传去,竟然成为校园电台的热门歌曲,并且被Village Voice民意测验评选为年度最佳独立摇滚单曲。更大的一些独立唱片开始注意这支乐队,1982年,乐队签约I.R.S.公司,推出乐队的首张作品,小唱片《Chronic Town》。《Chronic Town》得到了积极地肯定,为首张全长度专辑打下了坚实的基础。
1983年《Murmur》上市。它难忘的飘渺音乐氛围和清新的制作方法立刻得到了如潮的好评。它击败了Michael Jackson的《Thriller》和the Police的《Synchronicity》,成为了滚石杂志当年的最佳专辑。1984年,乐队推出《Reckoning》,单曲“So. Central Rain”再次火爆校园电台,此时的R.E.M.已经成为了著名的地下摇滚乐队。1985年,美国地下乐坛的最佳乐队为R.E.M和其追随着囊括,获奖的还有Game Theory和Rain Parade。
《Fables of the Reconstruction》是一张非常生涩灰暗的作品,精通此道的Joe Boyd担任了制作人。不过这张专辑并不是非常成功,人们显然无法一下接受如此巨大的情绪变化。此时的乐队也处于最怪异的阶段,Stipe甚至染了金发、涂上眼影、不厌其烦地穿着好几层衣服。《Fables of the Reconstruction》最终只卖出了30万张,成绩平平,乐队决定着手下一张专辑的创作。《Lifes Rich Pageant》在新制作人Don Gehman的提议下,回到先前干净的音色,重新找回了乐队的亲和力。
R.E.M.一直在为获得主流摇滚的成功而积攒着力量,他们的歌迷也一直在不断增长,这只是时间上的问题。乐队的第5张专辑《Document》进入了美国Top10排行榜,并在Top10单曲“The One I Love”的带动下最终成为白金唱片,专辑也成为了当时乐队在英国的最佳唱片。1年后,乐队以600万美元的身价转签Warner Bros公司。《Green》一上来就为Warner Bros公司赢了满堂彩,销量达到了200万张,R.E.M.再添一首Top10单曲“Stand”。
《Green》的巡演后,乐队休息了将近1年。1991年,乐队第7张专辑《Out of Time》上市,这张醇美的流行民谣专辑在英美两国先后成为冠军专辑,销量高达400万张。单曲“Losing My Religion”取得了乐队有史以来最好的名次,排行榜第4。1992年乐队完成专辑《Automatic for the People》,这张专辑较阴霾沉重,完全不是乐队早先承诺的“摇滚”一些的样子。在Led Zeppelin贝司手John Paul Jones帮助下,它更加缓慢安静。尽管如此,专辑还是顺利地成为4白金唱片,单曲“Drive”、“Man on the Moon”、“Everybody Hurts”相继打进Top 40。
《Monster》没有丝毫悬念地继续高奏凯歌,1994年它成为了英美的排行榜冠军,人们对此已经习以为常,只是偶尔会有人试图猜测一下它的销量。1995年,R.E.M.重新踏上巡演的旅程,在此期间Bill Berry因脑动脉瘤接受了手术治疗,演出被耽搁了一个月。此后Mills和Stipe相继生病,给巡演带来了很大的麻烦。巡演最终还是圆满成功了,而且乐队还在演出途中完成了下张专辑的大部分准备工作。1996年《New Adventures in Hi-Fi》如期而至,此前不久乐队刚刚以800万美元的身价和Warner Bros.公司续约。但Warner Bros.公司这次就没有那么走运了,《New Adventures in Hi-Fi》虽然占据在排行榜上驰骋风云,但第一次没有诞生热门单曲。它仅仅勉强售出100张,而前三张专辑此时都已超过了4白金的销量。此时,乐队成员已经把主要精力放在私人事物上,Stipe忙于自己的Single Cell电影公司,而Buck干脆改玩自由爵士乐去了。
1997年10月Bill Berry推出乐队颐养天年的消息传出后,乐队的支持者陷入一片恐慌,谁的离去都会让他们感到不安,总之,这不是什么好兆头。乐队剩下的成员用鼓机取代了Bill Berry,并在夏维夷开始创作新专辑,1998年,这张R.E.M.最富实验色彩的专辑《Up》公开发售。
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3.AC DC-You Shook Me All Night Long
苏格兰的格拉斯哥,60年代时是一个凌乱拥挤的工业城镇,经济的不发达使得工人阶级家庭生活困难。这时的许多英国人也处在经济困难时期。而澳大利亚在战后仍很繁荣,这块人口稀少的大陆,有着丰富的自然资源却缺少足够的人力去开发,很明显他们需要鼓励正在为生活奋斗的英国人移民到此。因此,澳大利亚政府制定了一个庞大的移民计划,他们允许外来人口每人只交10磅便可以到南部去定居。
这样,在1963年,William和Margaret Young带着他们九个孩子当中的八个移民来到澳大利亚。他们定居在新南威尔士的悉尼。搬到悉尼后,George Young和Johannes Jacob, Hendrickus Vandenberg及Harry Vanda组建了THE EASYBEATS。他们很快在悉尼树立了形象,后来又成为60年代中期澳大利亚最流行的乐队。1966年乐队挺进英国并很快在英国确立了地位。不管怎样,他们还是在1970年解散了。Vanda和Young回到了悉尼,加入到Ted Albert新组的乐队Albert Productions。The Easybeats的成功这时已深深地影响了George Young的兄弟Malcolm和Angus。 先是Malcolm拿起了吉他,很快从木琴转弹电琴。在George的帮助下,他进步神速。而Angus先总是围着他哥哥的吉他转,直到他妈给他买了属于自己的琴。Malcolm在15岁时离开了学校,在一家乳罩公司当机器维护技师。1971年他加入了一个叫Velvet Underground的乐队(与Lou Reed的乐队没有关系),凑巧的是,他们最初的主唱也叫Brian Johnson。1972年,George邀请Malcolm和Angus加入他的新乐队-the Marcus Hook Roll Band来录制他的新专辑Tales Of Old Granddady。事实上,George和Harry并不重视这张专辑,不过他们认为录制时听听George兄弟的意见是个好主意。这是Malcolm和Angus在AC/DC成立之前做的第一件事。
在14岁零9个月时(离校的法定年龄),Angus离开了学校,在一个软性色情杂志当印刷工。此时的Angus已经有了自己的乐队-Tantrum,他跟着他能找到的所有唱片练琴,技术精通得象一个专业的音乐家了。当the Velvet Underground在1973年解散后,Malcolm决定组一个只有一把吉他和一个键盘的新乐队。但后来Malcolm改变了主意,为增强音效他决定要第二把吉他,于是他向Angus寻求帮助。 Malcolm对新乐队的设想是hard-edged boogie风格加长发高梆靴的时尚打扮。Malcolm又叫来了鼓手Colin Burgess–他曾经在几个乐队干过,贝司手Larry Van Knedt和主唱Dave Evans。他们的名字–AC/DC,来自一个真空吸尘器的背面。Malcolm的姐姐Margaret说:“AC/DC,应该跟电有关系。”
这个缩写在电学中是Alternating Current/Direct Current (交流电/直流电)的意思,天真的Young兄弟是不懂它的另一个意思–两性人的;由于这个原因,乐队在接下来的几年中不断地强调他们是异性恋者。他们的第一场演出是在1973年的新年夜在悉尼的一个叫Chequers小俱乐部举行的。他们翻唱了一些Rolling Stones, Chuck Berry和Beatles的歌。AC/DC诞生了! 在第一次演唱会后的6个月里,AC/DC的阵容更换了很多次。鼓手Colin Burgess的鼓手位置先后由Ron Carpenter,Russel Coleman和Peter Clack担任;同时,贝司手LarryVan Knedt被Rob Bailey取代。
1974年6月,AC/DC的第一张单曲在悉尼的Albert录音室录制。当时的阵容是Malcolm Young, Angus Young, Dave Evans, Rob Bailey和Peter Clack。他们录了两首歌,Can I Sit Next To You Girl和Rockin’ In The Parlour,是由Harry Vanda和George Young制作的。这张单曲由澳大利亚的Albert公司和新西兰的Polydor公司在6月发行。它成了本地区的上榜歌曲。随后他们横穿澳大利亚,举行了一次大的俱乐部巡演。在墨尔本的Hard Rock Café 演出后,俱乐部老板Michael Browning成了AC/DC的经纪人。Browing被证明是乐队的精明选择,在以后的几年中,他为乐队作出了不少重要的决策。他的第一个也是最重要的决策是雇用了一个司机来载着乐队到处跑;这个司机叫Ronald Belford Scott,熟悉的人都叫他Bon,也就是Bon Scott。他劝说Young兄弟给他一个机会来当乐队的鼓手,后来又要求当主唱。在他们试用他以后,Bon取代了Dave Evans,成为乐队的新主唱。1975年1月,AC/DC录制了他们的第一张专辑High Voltage(高压),这时的阵容是Malcolm Young,Angus Young,Bon Scott,George Young(贝司)和Tony Kerrante(鼓手)。专辑经过10天混音后,于1975年2月发行。High Voltage马上在澳大利亚取得了成功。专辑及它的第一首单曲Baby Please Don’t Go在3月都打入了澳大利亚排行榜。 1975年6月,乐队发行了一张独立单曲High Voltage(最初是为High Voltage专辑写的,但未及时完成)。单曲发行的同时,AC/DC在墨尔本的节日大厅举行了一场演出。他们的现场被四台摄影机从不同的角度拍下,目的是为了制作一部高水准的影带,他们在努力尝试引起国外大唱片公司的注意。
最终,以Phil Rudd作为鼓手和Mark Evans作为贝司手,AC/DC稳定下自己的阵容。他们的第二张专辑T.N.T.于1975年末发行。专辑取得了巨大的成功,卖出了10万多张,AC/DC也成为澳大利亚最大的摇滚乐队。但以世界水平来衡量,这又算得了什么呢! 当乐队的名声(在澳大利亚)以比他们预想的还要快的速度增长时,AC/DC却始终没有引起国际上的重视。若他们想在海外市场留下印象,便需要一个有市场经验的强大的唱片公司来支持他们。Michael Browning找到了美国Atlantic(大西洋)唱片公司住伦敦办事处的支持。终于,1976年的春天,AC/DC与大西洋公司签约。他们决定登陆英国进一步发展他们的事业。4月1日,他们来到了英国。
此时,AC/DC已在澳大利亚于1月间录制了他们的第3张专辑。首先作为单曲发行的有两首歌:A面的Jailbreak和B面的Fling Thing--这是一首由Young兄弟改编的传统的苏格兰民歌。这张专辑在澳大利亚于9月以Dirty Deeds Done Dirt Cheap为名字发行。当他们到达英国时,朋克正风行这个国家。AC/DC在英国的第一场演出于1976年4月在伦敦西部的Hammersmith的Red Cow酒吧举行,接下来又在英国其他地方的一些小俱乐部举行了几场演出。在举行第一次大的巡演之前,AC/DC作为Back Street Crawlers的暖场嘉宾首次露了相。这次巡演他们取得了巨大成功。 巡演快结束时,在5月14号,Atlantic公司的英国分部在英国发表专辑High Voltage。英国版的High Voltage是由他们的头两张澳大利亚专辑编辑而成。第一面的歌都选自专辑T.N.T.;第二面从T.N.T.中选了T.N.T.、Can I Sit Next To You Girl 和High Voltage三首歌,加上High Voltage中的Little Lover和She’s Got Balls。
随着他们的首张专辑在英国的正式上市,遍布英伦二十个地方的巡演开始了,取名为Lock Up Your Daughters。AC/DC的五十分钟的现场成了DJ和电影节目的重要素材,他们告诉其他乐队,这便是“现场”。巡演取得了成功,虽然有些地方去观看的人很少。
1976年7月,AC/DC每周一都在Marquee俱乐部演出。到最后,每次来看演出的人都超过了一千,而该俱乐部按规定最多只能容纳700人。在Marquee的演出证明,在76年的伦敦,AC/DC是仅有的一支做任何事都让人兴奋的非朋克乐队。 Marquee的演出也给他们带来了一个机会,那便是在8月里为Ritchie Blackmore的Rainbow乐队为期19天的欧洲巡演作暖场。在这之前,他们已在德国进行了3场大的专场;在德国,High Voltage在它发行的第一周就卖了1万6千张。
8月29日,AC/DC在英国的Reading摇滚音乐节上举行了他们的最大一次演出,那天挤在他们面前的歌迷足有5万多。不幸的是,AC/DC的演出并不火爆,这显然主要是因为观众不够热情。
1976年12月,Dirty Deeds Done Dirt Cheap在英国发行;英国版中并没有Jailbreak和R.I.P.(Rock In Peace),它们被Rocker(选自T.N.T.)和以前未发表的Love At First Feel所取代,其中Love At First Feel将在1977年的1月在澳大利亚以单曲发行。 12月,AC/DC飞回了澳大利亚。澳大利亚的巡演,标志着8个月的外出后AC/DC终于回家了,他们受到了征战英雄般的欢迎。巡演结束后,他们在圣诞节作了短暂的休息。1977年的头两个月,他们都呆在悉尼,在Albert录音室里录制他们的第四张专辑Let There Be Rock(来点摇滚吧)。
在悉尼、墨尔本和阿德来德又举行了几场演出后,AC/DC于2月回到了英国,开始了他们从18日到3月1日的包括26场演出的巡演。马上,他们又投入到了为Black Sabbath暖场的第二次欧洲巡演。据说AC/DC每晚将Sabbath的风头抢尽。因此不幸地,Malcolm Young与Sabbath的贝司手Geezer Butler发生了口角。于是,AC/DC被赶出了巡演,他们只好回到伦敦。
6月末,Mark Evans离开了AC/DC。就在Evans说要离开后的24小时内,Cliff Williams来到了他们面前。Michael Browing曾经从熟人那听说过这个人,于是他马上与他取得了联系。Cliff Williams过来试了一下音后,便加入了AC/DC。 四 美国 AC/DC征战世界的下一个目标是美国。那时,英国版的High Voltage已于1976年的10月在美国发行;Let There Be Rock(来点摇滚吧)也将于77年6月在美国发行,这比欧洲早4个月但比澳大利亚晚3个月。
AC/DC的首次美国巡演在这个国家的南部开始,从夏天一直持续到冬天,从德克萨斯一直演到佛罗里达。在佛罗里达,他们在好莱坞的Spartatorium于1万3千人前举行了第一次大型演出。美国巡演在纽约的Palladium俱乐部和CBGB’s俱乐部达到高潮。在Palladium里,Angus第一次用了无线吉他。
1977年10月14日,早在1、2月就录好了的Let There Be Rock,经过了如此漫长的延期后终于见到天日。11月,专辑登上了英国排行榜的第17位。美国巡演在秋天结束,他们要在英国及欧洲为他们的新专辑促销而进行第三次巡演。如人所料,这次欧洲巡演他们是主角。11、12月间,AC/DC回到美国为Rush和Kiss暖场。12月7日,在位于纽约白老汇的Atlantic公司的录音室里,他们为广播电台进行了一次演出。这次的录音以“仅作为赠品”的名义送给了各电台的DJ,这张LP取名Live From The Atlantic Studios。今天,这张限额发行的唱片很少有保存下来的,但从那时起便有不少私下发行的。
在悉尼经过传统的新年休息后,AC/DC与Harry Vanda和George Young一起来到Albert录音室,于1978年的2、3月录制他们的新专辑。Powerage于4月28日在英国发行;一个月后,登上英国排行榜的第26位。
Powerage世界巡演于4月26日开始,其中在英国包括28个主要的演出地点。英国巡演于5月29日结束;接着AC/DC又一次飞到美国,为Rainbow,Savoy Brown, Alice Cooper, Aerosmith,Scorpions和UFO的演出作暖场。
在美国期间,AC/DC举行了将近100场演出,包括在俱乐部的小型演出及8月在旧金山的Day On The Gree室外音乐节上的大型演出。于是,AC/DC在美国的名声逐渐响亮。美国巡演结束时,Powerage在美国已卖出25万多张。
Powerage巡演中的一个小册子上的图案成了乐队长久期盼的一张现场专辑的封面。这张If You Want Blood You’ve Got It(如果你需要血腥你已经得到了)于1978年的头几个月录制,在10月份美国巡演结束时发行,距Powerage仅6个月的时间。此专辑登上了英国排行榜的第13位,也头一次打入美国排行榜的前50名。Atlantic公司马上发行了一张宽7英寸长12英寸的“大型”单曲,里面包括两首现场歌曲Whole LottaRosie和Hell Ain’t A Bad Place To Be。 为促销这张现场专辑,AC/DC在11月份勇往直前地在短短18天内举行了16场演出。在这些特别的夜晚,不管他们走到哪都有一大群跟随者,他们几乎已家喻户晓了! If You Want Blood You’ve Got It是AC/DC事业成功的第一步。而此时Atlantic公司决定给他们换一个制作人。Eddie Kramer--他曾经与Jimi Hendrix,Kiss及Led Zeppelin合作过,成了AC/DC下一张专辑的第一制作候选人,但这终究没有实现。最终的制作人是Robert John ‘Mutt’ Lange。换制作人的同时,AC/DC也更换了录音室;他们搬到了位于伦敦Chalk农场的Roundhouse录音室。紧跟着,经济人也换了,从纽约Leber and Krebs机构来的Peter Mensch取代了Michael Browing.
AC/DC以前并没有在澳大利亚以外的地方录过音,也从没有在一张专辑上花过超过3个星期的时间,然而这一次他们却与’Mutt’ Lange一起花了6个月在Roundhouse录音室录制新专辑。Lange的工作是令人钦佩的,他使AC/DC的音乐更尖锐精炼,但又保存了他们最初的迷人的自然原始风格。
Highway To Hell(地狱公路),于1979年7月27日发行,马上就成为乐队首张进入英国排行榜头10名的专辑,排位第8;在美国它也打入前29名,排在第17。它甚至排在了澳大利亚排行榜的第24位,这是他们近3年来在澳大利亚的第一张上榜专辑。Highway To Hell被认为绝对是乐队事业又向前迈出的一大步。
1979年剩下的时间里,乐队都在美国与英国巡演,但仍然没去澳大利亚(专辑10月份才在那发行)。在美国他们只举行了几次专场,一般都是为Cheap Trick, UFO和Ted Nugent的演唱会开场。但并不是所有的演唱会主角都愿意与AC/DC分享歌迷的热情,Foreigner,Van Halen和Sammy Harga就拒绝AC/DC为他们暖场。Highway To Hell巡演的英伦之旅包括了纽卡斯尔、格拉斯哥、利物浦、斯塔富德和伦敦的Hammersmith Odeon,Def Leppard为他们作了暖场,它于10月26日在纽卡斯尔的Mayfair开始,11月9日在莱斯特羊的De Monfort Hall结束。 在8月18日那天,AC/DC举行了他们迄今为止在英国的最大一次演出,那是在伦敦的温布利大球场为The Who暖场。尽管音响出了问题,他们还是受到了足够的关注,这无疑扩大了他们的歌迷群。温布利的演出提高了AC/DC的能力与信心,他们跟着The Who在欧洲其他地方举行了更多的户外演出。
在圣诞节回澳大利亚休息之前,他们又在欧洲举行了一次大范围的巡演。在巴黎的演出结束了他们的1979年,这一次的实况被拍成了一部长影带,并于1980年以Let There Be Rock为标题发行。
1980年1月,AC/DC飞到法国出席了一年一度的Midem音乐颁奖,他们以在法国和加拿大的销量分别获得了一张金唱片和一张银唱片。由于在上一次的英国巡演取消了几场演出,他们又在纽卡斯尔和南安浦顿举行了几场演出。为促进当前在英国发行的单曲Touch Too Much,他们还在英国电视台的Top Of The Pops板块目中录了一次节目。
1980年1月27日,Bon Scott最后一次在演出中露了相。
“在伦敦南部的Dulwich,有人发现33岁的Bon Scott已于昨晚死在车上。”(伦敦BBC广播电台,1980年1月21日)
1月19日,星期二,Bon Scott到巡演经纪人Ian Jeffrey家去吃饭,大约在下去6:30离开后去了Music Machine俱乐部。当俱乐部在3点打烊后,Bon Scott与他的一个叫Kinnear的老朋友一起离开。他开车把Bon送回公寓,但是到家后,却发现抱不动Bon,他只好将Bon带回自己的家。到了后,他仍然叫不醒Bon。他试图把Bon抱出车,但没有成功。最终,他只好决定把Bon留在车上过夜,自己进屋上了床。
Kinnear在20号晚上醒了,于是他去看看Bon,却发现他仍然不醒人世。他匆匆地把他送到医院,但这已经太晚了。很明显,Bon在来医院以前已经死了。
2月22日,星期五,进行了验尸。最后结论是“急性酒精中毒”。验尸官的报告说Bon在死亡的时候胃里还有半瓶的威士忌。那晚Bon躺在那儿,他的脖子扭曲着,后来由于呕吐,导致他窒息而死。验尸后,Bon的尸体被他家人空运回澳大利亚去火化。Bon于2月29日(又是一个星期五)被火化。他的骨灰于第二天葬在Memorial Garden公墓。
在Bon死后的两个星期里,AC/DC的成员完全不知道该怎么做:是在缺少Bon的情况下继续干下去还是解散。当然,没有Bon的AC/DC绝不是以前的那个AC/DC;他死后,AC/DC的一些东西也随他而去。但Malcolm和Angus觉得Bon一定不愿意看到AC/DC就这么完了,于是他们决定--继续前进。他们又集中起来,开始了寻找新主唱的工作。
3月初,媒体就已经排出了一系列候选人:Easybeats的前任主唱Stevie Wright,一个叫Alan Fryer的澳大利亚人(他非常象Bon),还有伦敦人Gary Holton。最终定下了两个人:Terry Schlesher和Brian Johnson。
那时,Brian Johnson正忙于**,但他挤出时间去参加了试唱。他仅仅唱了两首歌,Whole Lotta Rosie和Nutbush City Limits(这是Ike和Tina Turner的歌)。接下来的这个星期六,Malcolm打电话给他:他被录用了。
AC/DC的第8张专辑的录音工作在Bahamas的Compass Point录音室开始,制作人是John ‘Mutt’ Lange。从4月到5月,他们录了6个星期,于5月底完成。7月1日在比利时的Namur,Brian Johnson第一次在AC/DC的演唱会上露相。 Back In Black(回到黑暗)于7月31日发行。出乎意料之外,这张专辑并没有因为Bon Scott的离去而丧失水准,实际上,这张专辑甚至可以说是乐队有史以来最好的专辑了,以后的事实证明,它将成为整个摇滚历史上最重要的唱片之一。接下来的几个星期内,它便登上了英国排行榜的第一,并在第1名停留了两个星期。11月,专辑登上了美国排行榜的第4名,并在头十名逗留了五个多月。在澳大利亚,专辑也爬上了第2名。到现在为止,Back In Black共卖出了一千多万张,成了卖得最多的重金属专辑。
8月,AC/DC第一次以Brian Johnson作为主唱上路开始巡演了。他们先在美国演了两个月,接着在英国呆到了11月,最后于12月回到澳大利亚。这是他们自从Dirty Deeds Done Dirty Cheap巡演后第一次在本土的巡演。他们以在日本和澳大利亚的另一些演出开始了1981年。由于AC/DC成为了一个如此令美国歌迷关注的焦点,Atlantic公司于5月在美国发行他们的初期专辑Dirty Deeds Done Dirt Cheap。此专辑登上了美国排行榜的第3位并停留了4个星期,它几乎达到了Back In Black的高度。
在1981年6月先期发行的Kerrang!杂志上,当Whole Lotta Rosie在投票中或得最佳重金属歌曲时,他们正式宣称AC/DC录制了有史以来最伟大的重金属歌曲。
1981年8月22日,AC/DC被证明是当时世界上最伟大的摇滚乐队之一,他们被邀请作为主角参加一年一度的Castle Donington的Monsters Of Rock音乐节。
AC/DC来到了巴黎,与’Mutt’Lange一起录制他们的新专辑。这次的工作进展并不顺利,主要原因是Lange发现给这张专辑选取合适的音效非常困难。为解决这一问题,Lange专门从伦敦运来了一套录音设备。
这张标题为For Those About To Rock (We Salute You)(那些摇滚的人,我们向你致敬)的专辑于1981年11月发行,马上就取得了全世界范围的商业成功。它爬上了英国排行榜的第3名。就在新专辑发行之前,AC/DC至少有7张专辑出现在Kerrang!评选的有史以来的100张最佳重金属专辑当中。1982年2月,Let’s Get It Up成为乐队到那时为止的最佳打榜单曲,取得第13位。7月末,专辑主打歌曲自己爬上了英国排行榜的第15位。
在美国,AC/DC的名声还在上涨。For Those About To Rock (We Salute ou)成为他们的第一张取得美国排行榜冠军的专辑。在美国一次巨型巡演,证明他们比以前吸引了更多的听众。
Cannon and Bell巡演于9月底延伸到英国。这次他们出入各大剧院舞台,也在伯明翰的NEC和伦敦温布利大球场举行了演出。
1982年底,Kerrang!杂志公布的读者投票结果更巩固了AC/DC的最佳摇滚乐队的地位。AC/DC被投票选举为“顶尖乐队”,Angus为“顶尖吉他手”,Cliff为“顶尖贝司手”,他们还录制了“最佳现场”,For Those About To Rock也被评为“最佳单曲”。Brian位于男歌手的第3位,Phil是第2最佳鼓手,Let’s Get It Up在最佳单曲上排在第6名。 1982年的大部分时间都在巡演,之后他们进行了一次长时间的休假。7个月后,他们开始了又一张专辑的录制。录音工作是在Nassau的Compass Point录音室进行的。
录音进行到一半的时候,Phil Rudd被开除了。那时,对这次突发事件并没有给出任何理由。几年以后,由于Phil吸毒已不是什么秘密,真相便大白了。在Cannon and Bell巡演时,他曾经产生幻觉,发现有陌生人在他房里。更糟的是,Phil和Malcolm之间存在个人矛盾。他们的关系日益恶化,最后发展到打起架来;冲突后两小时,Phil便飞回了家,他被开除了。 新专辑是由Tony Platt录音混音、乐队自己制作的。1983年8月发行后,Flick Of The Switch(扳动开关)最终爬上了英国排行榜的第4位。但Flick Of The Switch太商业化,在美国排行榜上只排在第15位;在1984年Kerrang!杂志的读者投票中,AC/DC排在“最佳乐队”的倒数第5位,在那年度的“最令人失望的乐队”中排在第8位。 回到英国后,乐队开始拼命寻找Phil Rudd的替代者。最终一个匿名广告出现在音乐出版物上:“现聘重摇滚鼓手。如果你打得不够重,别来应聘。”经过一些选拔后,20岁的Simon Wright获得了这个工作。1983年10月,Simon在加拿大的Vancouver进行了第一次演出。 那个冬天,AC/DC在美国和加拿大进行了巡演。在1984年8月19日那天,AC/DC作为主角在Castle Donington的第4届Monsters Of Rock音乐节上第一个亮相。在Donington的演出后,AC/DC又在欧洲举行了一系列的演出,与他们一起的还有另一些“摇滚怪物”。最大的音乐节却是1月份在巴西举行的第一届Rock In Rio,AC/DC举行了两个晚上的演出。Rio的演出结束后,乐队又进行了一次长时间的休整……
一直到85年的春天,AC/DC才集中到瑞士的Mountain录音室开始他们新专辑的工作。由于对Flick f The Switch的自然声音感到满意,Malcolm和Angus再一次决定由他们自己制作。
Fly On The Wall(墙上的苍蝇)于6月28日发行。尽管大多的评论对此张专辑持否定态度,它还是登上了美国排行榜的第7名。从专辑选出的第1支单曲Danger,仅爬上了排行榜第48位。随同这张专辑发行的还有一部28分钟长的影带,也叫作Fly On The Wall,里面包含了专辑中的6首代表性歌曲。
Fly On The Wall世界巡演从美国开始;1986年1月,AC/DC在英国举行了6场演出,在欧洲其他地方举行了18场,一直到2月中旬。
2月16日,乐队回到伦敦开始为他们的下一支单曲录象。1月时,Shake Your Foundations成为他们自For Those About To Rock后最成功的单曲,它登上了英国排行榜的第24位。 美国巡演期间,恐怖小说家Stephen King–一个AC/DC的狂热歌迷,与AC/DC进行了接触,他问他是否可以用他们的一些老歌作为他下一部电影Maximun Overdrive(极度超速)的原声。他还建议他们专门为这部电影写一些新歌。美国巡演结束后,AC/DC开始在Compass Point录音室录音。从If You Want Blood You’ve Got It以来的第一次–Harry Vanda和George Young制作了这些新歌。在2个星期内他们就录了3首歌:Who Made Who, D.T.和Chase The Ace。MTV于2月底在伦敦南部的Brixton Academy拍摄。
5月3日,Who Made Who(谁造了谁)发行,成了乐队这几年的打榜最好成绩,登上了英国排行榜第16位。一个月后,专辑又爬上了不列颠排行榜的第11位。在美国,这张专辑仅达到第33位。电影在美国放映后,AC/DC又于7月开始了美国巡演。最初他们打算在9月结束,但额外的加演使得这次巡演一直持续到11月。这次巡演结束后,乐队休息了2个月,然后又开始了新专辑的录音工作。
经过广泛地寻找后,最合适的录音地点选在法国南部的Miraval录音室。录音工作于8月正式开始。Harry Vanda和George Young回来作为整张专辑的制作人,这是自1978年来的第一次。他们为新专辑至少录制了19首歌,但当录音带送到纽约去混音时,只有最好的10首留了下来。 此专辑的第一支单曲,Heatseeker,于1月4日发行,马上登上了英国排行榜的第12位。Blow Up Your Video(摧毁你的电视)专辑本身在1月底发行,登上了英国排行榜的亚军位置,这是自Back In Black以来的最好成绩。同时在美国,它也爬上了第12位。
在澳大利亚Perth的娱乐中心经过3天的排练后,巡演于2月1日开始。这是AC/DC一年多以来的首次演出,也是自1981年以来的首次澳大利亚演出。为了使气氛更特别,Isa和Chick Scott--Bon的父母,出现在观众中。这次演出中Bon Scott的歌占多数,因为在澳大利亚,Bon Scott就是AC/DC。
在澳大利亚取得成功后,乐队回到了英国。但他们只在不列颠的两个城市举行了演出,伯明翰和伦敦。在伦敦温布利大球场的演出结束后,他们开始了欧洲巡演,直到4月13日又回到温布利球场才结束。
但Malcolm Young将不参加即将到来的美国巡演。他急切的希望从巡演中解脱出来得到休息,主要是想戒掉在漫长的巡演中养成的酗酒恶习。那时他缺席的官方理由是他已“筋疲力竭”。
AC/DC从Young家叫来了另一位成员,他们的侄子Stevie Young。他们出发了,就好象什么也没发生。Stevie不光对AC/DC的歌烂熟于心,他的精力也是Malcolm的两倍。Stevie与乐队的第一场演出于5月3日在波特兰举行。
这次美国巡演被证明是AC/DC的一次巨大成功。在他们演出的各地,都或多或少地卖出了专辑,几个星期后,Blow Up Your Video就成了继For Those About To Rock后卖得最好的专辑。巡演在年底结束。
其间,Malcolm在回到悉尼后,问题已解决得差不多了。在1989年头几个月里,他和Angus花时间在伦敦(Malcolm家里)和荷兰(Angus家里)开始为下一张专辑写基本riff及编曲。
当创作素材开始时,关于Brian Johnson离队的谣言传开了。实际上Brian并没有离开,他只是在美国解决他的离婚问题,还要办理各种各样的法律手续。这便是他不能为新专辑写歌词的原因。于是,Malcolm和Angus第一次在歌手不在的情况下写完了歌词。
此时AC/DC的阵容又起了变化。当Malcolm和Angus正为新专辑忙碌时,Simon却与Ronnie James Dio有了接触,Dio邀请他为他的新专辑Lock Up The Wolves打鼓。本来对于Simon来说,这只是暂时的,当AC/DC进入录音室时,他便会回来;然而事情起了变化,几个月后,Simon成了Dio的正式成员。 现在AC/DC没有了鼓手,但他们还是开始在Brighton附近的一个谷仓为新专辑排练了。11月,在他们经纪人的建议下,Chris Slade充当了AC/DC的临时鼓手;随着工作的进展,Chris被邀请正式加入AC/DC。 排练后,乐队一头扎进了爱尔兰的Windmill Road录音室。这次他们选择了加拿大人Bruce Fairbairn作他们的制作人。新专辑最终在加拿大Vancouver的Little Mountain录音室于6个星期内完成。
最先发行的是从专辑中选出的单曲Thunderstruck,它登上了英国排行榜第13位。The Razors Edge(刀锋)于9月发行。这张专辑销量巨大,它登上了英国排行榜的第4位、美国排行榜第2位。The Razors Edge使得AC/DC的全球唱片销量总数达到6千万张。同时,Moneytalks和Are You Ready打入英国单曲排行榜前40位。
两部长录相精选集也同时发行,取名Who Made Who,收录了1980–1990年的经典歌曲,包括Blow Up Your Video和The Razors Edge中的所有歌曲。
全新的The Razors Edge世界巡演在美国开始;3月20日在赫尔辛基开始了欧洲巡演;而英国巡演于4月15日在温布利竞技场开始。欧洲站结束后,他们于5月又回到美国,开始了新的一轮。8月,乐队回到欧洲出席Donington及其他18个城市的共20场Monsters Of Rock音乐节。其中还包括一场在莫斯科的**演出,估计共吸引来了约50万歌迷!莫斯科音乐会的名义是“民主和自由庆典”,是送给俄国青年最近反抗军事政变取得胜利的礼物。这场演出向全俄进行了广播;音乐电影导演Wayne Isham还录制了一部记录片,准备作为一个现场发行。莫斯科演出具有独特而重要的意义,事实上西方摇滚乐在苏联是非法的,虽然AC/DC在苏联青年中一直很流行,但他们的磁带只有在黑市上才搞得到。
在The Razors Edge世界巡演中,乐队录下了几场演出,其中包括具有纪念意义的莫斯科现场。Donington的演出也被导演David Mallet用不下22台摄影机录下。 这是第一次有Brian Johnson的现场专辑,定于1992年10月29日发行,标题仅一个词—-Live。制作人是Bruce Fairbairn。这张现场发行的版本有几种,包括一种有14首歌的单CD,一种特殊包装的有23首歌的双CD,还有一种有23首歌的磁带。
在这张现场发行之前的10月5日,发行了单曲Highway To Hell(Live)。而且在年底时,还发行了标题为AC/DC Live At Donington的现场影带。这部影带是用高质量的35毫米胶片拍摄的,把AC/DC的现场气氛表现得淋漓尽致,比以前的Let There Be Rock有十足的进步。
1993年夏天,AC/DC为Arnold Schwarzenegger(阿诺德-斯瓦辛格)的电影Last Action Hero(幻影英雄)写了一首新歌,Big Gun。这部耗资昂贵的影片遭到了惨痛的失败,但它的电影原声专辑(包括了Alice In Chains,Queensryche,Anthrax,Def Leppard,Megadeth,Tesla,Fishbone和Cypress Hill)却相当成功。Big Gun是由Rick Rubin制作的,由亚特兰大公司于6月28日作为单曲发行。Big Gun的MTV中,Schwarzenegger穿了一身学生制服,那是仿照Angus穿旧的制服做的。
另外,一部长时的影带For Those About To Rock We Salute You推出。这部84分钟长的影片记录了著名的莫斯科演唱会,那次出席的所有乐队都包括在内:AC/DC,Metallica, the Black Crowes, Pantera和E.S.T.。
1995年初,有传闻说Phil Rudd要回来。事实上在上一次巡演结束时,Malcolm和Angus在新西兰碰到了Phil,他问还有没有机会与他们一起合作。所以当乐队年初在英国排练时,他们叫他过来打鼓。
AC/DC在纽约开始录制新专辑,但对音效的不满使他们决定搬到洛杉机的Ocean Way录音室去,在那儿他们找到了满意的声音效果。由于有Big Gun的成功,乐队选择了Rick Rubin作制作人。
在95年9月的头几天,从新专辑中选出的第一支单曲Hard As A Rock发行了。专辑本身,Ballbreaker(碎球者),在9月22日发行。伴随Ballbreaker的第一支单曲,乐队还录制了一部影带,这是乐队与导演David Mallet的第七次合作。为排这部录象,伦敦地区的400名歌迷被带到了位于Windsor的Bray摄影棚的音响舞台。Angus占了影片的
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4.VAN HALEN-Jump
范海伦”是世界著名重金属乐队。1973年,埃迪·范·海伦(Eddie Van Halen,吉他手、键盘手,1957年1月26日出生于荷兰奈梅亨)、埃迪的哥哥亚历克斯(Alex,鼓手,1955年5月8日生于荷兰奈梅亨)和迈克尔·安东尼(Michael Anothone,贝司手,1955年6月20日生于芝加哥)及主唱戴维·李·罗思(David Lee Roth,1955年10月生于美国印第安那)在加利福尼亚组建了“猛犸”(Mammoth)乐队。
1978年推出了首张同名专辑《范海伦》(Van Halen),埃迪·范海伦精彩绝伦的吉他演奏震惊了世界,几个月内专辑销量达200万,唱片受到了一致好评。埃迪·范海伦也被《吉他演奏家》(Guitar Player)杂志评为“1978年最佳吉他新秀”。1979年第2张专辑《范·海伦II》(Van Helen II)同样取得了成功。1980年专辑《妇幼优先》(Women and Children First)中,乐队实验性地运用了合
成器。1981年推出了专辑《公正的警告》(Fair Waming)。1982年专辑《下潜》(Diver Down)出版。1984年新年时发行了专辑《1984》,其中单曲《跳跃》(Jump)成为排行榜冠军。该专辑在美国排行榜上停留了1年之久。同年,埃迪·范·海伦应邀在迈克尔·杰克逊(MICHAEL JACKSON)的专辑《颤栗者》(Thriller)的歌曲《住手》中演奏。1985年主唱罗思离队进行个人发展。
萨米·黑格(Sammy Hagar,1947年10月13日生于美国加利福尼亚的蒙特雷)填补了主唱空缺。1984年6月,发行了专辑《5150》,专辑的名称取自精神病犯罪科警察的代码,同时这也是埃迪·范海伦录音室的号码。单曲《这为什么不能是爱》(Why Can’t This Be Love)在排行榜上名列第3,《5150》专辑使乐队第一次名列榜首,并成为他们销量最大的一张唱片。1988年的《OU812》同样名列榜首。1991年专辑《非法的性知识》(For Unlawful Carmal Knowledge)因其首位字母拼合为FUCK而引起争论。
1995年的专辑《平衡》(Balance)成为乐队第10张录音室唱片。乐队原主唱罗思在乐队的合辑《最好的范海伦,第1集》(Best of Van Halen Vol.1)演唱了两首新歌。
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5.Carpenter-Yesterday Once More
上帝总是嫉妒赋有才华的人,当我们想起卡朋特的时候,这样想是最好的安慰。这对兄妹组合无疑是七十年代最成功的流行音乐组合之一,他们在八十年代初结束演艺生涯前创作了无数好歌。虽然最先显现音乐天才的是哥哥Richard,可是妹妹Karen那近乎完美和极富感情的嗓音却更深地印刻在我们的心里。
卡朋特最初的道路并不顺畅,他们和好友Webs Jacobs的第一盒样带以失败告终,但这并未在他们日后的演艺生涯中带来丝毫阴影。1968年,兄妹俩的首张专辑《offering》借助beatles的《Ticket To Ride》得到注意,于是和当时许多成名歌手一样,他们开始走上流行摇滚之路。可是时代为卡朋特创造了机会,就象十九世纪的美国需要秀兰.邓波尔一样,六十年代的美国将卡朋特捧为了英雄。就在人们面对校园里和街道上的毫不间歇的骚乱暴动,经历着史上最大一次代沟问题,而陷入无助和绝望的时候,这对来自Downey小镇的,歌声醇美,轮廓鲜明,总爱唱着爱情歌曲的兄妹便成了救世主,一时间,所有的父母和孩子都开始聆听同一首歌“why do birds,suddenly appear,everytime you are near….”
卡朋特用《close to you》搭起了两代人之间的桥梁,歌声里跃动着他们热爱生命的心。整个七十年代早期,卡朋特一直在不停的成长,慢慢成为了全世界最负盛名的流行音乐组合,录制了无数排行榜金曲,“Rainy Days and Mondays”,“Goodbye to Love”,“We’ve Only Just begun”和“Top of the World”都是当时耳熟能详的歌曲,Grammy奖也毫不迟疑的降临在他们的额上。可生活总不会是一帆风顺的,到了1975年,卡朋特一贯坚持的Pop-Rock路线逐渐变得不时髦了,Richard和Karen也被各自的个人问题所困扰,卡朋特有了解散的迹象,Karen和Phil Ramone 一起录制了一张个人专辑。但几个月后,兄妹二人又在一起演出了,1981年的《Made in America》是他们最出色的一张专辑。
就在人们以为卡朋特就要恢复昔日雄风时,悲剧发生了。—-不幸地,她患了厌食症。在karen的墓碑上刻着这样简单的文字:a star on earth,a star in heaven.“A sang for you”,十七年后的今天,Karen还在深情地唱着:“and when my life is over, remember when we were together,we were alone and I was singing this song for you!” 仍旧是邻家那个嗓音恬美的女孩,和她的名字卡朋特一样纯朴。
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6.Nirvana-Breed
1975年,年仅8岁的 Kurt Cobain 面对父母离异的压力,选择了音乐作为逃避和武器。Cobain 的父亲阴差阳错的加入了一家唱片俱乐部,每月收到的唱片成了 Cobain 的礼物,他从中听到了 Aerosmith 、Led Zeppelin 、Black Sabbath 、Kiss ……1981年2月20日,Cobain 选择了一把吉它作为了他的生日礼物,那时起他就开始写自己的歌了,当一次偶尔的机会 Cobain 看到了关于 Sex Pistols 的报道,朋克摇滚成为了他新的信念。
1985年 Cobain 从高中退学,并结识了 The Melvins 的 Matt Lukin 和 Buzz Osborne(The Melvins 是 grunge 音乐创始人之一)。从 The Melvins 那 Cobain 又听到了 Black Flag 、Flipper 和 MDC,这使得他更加坚信自己的朋克摇滚信念。1985年底,Cobain 同后来成为 The Melvins 鼓手的 Dale Crover 和 Greg Hokanson 成立了 Fecal Matter 乐队,并录制了一盘7首歌的小样。
Chris Novoselic ,Cobain 的校友,在 The Melvins 的排练场和 Cobain 相识。1987年 Aaron Burckhard 成为他们的鼓手,并最终组成了Nirvana 的雏形。1988年1月23日 Nirvana 录制了一张10首歌的小样,录音师 Jack Endinno 事后将小样寄给了刚刚成立的Sub Pop 唱片公司。几个月后,Nirvana 签约Sub Pop,由于 Burckhard 经常不参加乐队的排练,被Chad Channing 替代。11月 Nirvana 第一张单曲“Love Buzz/Big Cheese”。 1989年2月乐队在美国西海岸作短期巡演后于6月发行第一张专集《Bleach》。Nirvana 的第一张专辑,Dale Crover 负责 Floyd the Barder, Paper Cuts, Downer 的鼓,其余由 Chad Channing 负责。首张专辑的成功使乐队开始了第一次的全美巡演,但由于在音乐精神上的巨大差异巡演结束后Channing离开了 Nirvana,Dave Grohl 加入。
1991年四月,Nirvana 正式和 Geffen 唱片公司签约。同年九月,专集《Nevermind》发行,刚推出5周销量就已达到50万张,并且在排行榜上势如破竹,节节上升,1992年1月11日成为美国销量第一的唱片,全球的销量超过一千万大关。在商业上取得了巨大的成功。Dave Grohl 也巩固了自己鼓手的位置。单曲“Smells Like Teen Spirit”在美国 BILLBROAD 公告排行榜上迅速攀升。(Nevermind)使 Nirvana 步向成功,同时也开始了一个神话和一场心灵的悲剧。
在(Nevermind)取得了巨大的成功之后,Nirvana 把以前一些还没发行过的歌收集在一起,于1992年12月15日,推出专集《Incesticide》。这是一张典型的地下音乐专辑,他们表示推出这张唱片的目的是为了试试听众和电台 DJ 接受地下摇滚的极限。
1993年九月,请来了著名的反商业的制作人 Steve Albini 为他们作监制,发行了《InUtero》。Steve Albini 试图录制一张原汁原味的朋克专辑,他运用了比以前更为丰富的音乐素材。
1993年11月18日,Nirvana 应邀为 MTV 制作不插电演唱会,之后发行了这场不插电的部分歌曲《UNPLUGGED IN NEW YORK》。1994年3月1日,Nirvana 在德国慕尼黑的演出成为乐队最后的一次公开表演。
1994年4月8日,一个电工在 Cobain 的住所发现了他的尸体,尸体身边带有一封遗书。西雅图警方证明 Kurt Cobain 于三天前自杀身亡。Nirvana 解散。1996年为了纪念 Cobain 而发行了专辑《FROM THE MUDDY BLANKS OF THE WISHKAH》收录了 Nirvana 现场17首歌曲。
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7.Matthew Lien-BRESSANONE
加拿大环保音乐家马修连恩(Matthew Lien)在成名之前,有一段很少提及的惨绿少年时代,马修高中时代在美国圣地牙哥念书时,班上有一群死党,被大家视为异类,其中一个叫做Ron的女生是行为举止最奇怪的,甚至Ron的爸妈一度要把她送进精神病院。大家劝她说:你就尽量表现得正常一点吗,免得被送进医院。Ron回答:我并不是不正常,那就是我,我只是一只独角兽。因此,马修写了“独角兽”这首歌送给她,献上他的支持与祝福,因为马修了解Ron的处境,其实和他自己相去不远。
马修五岁时,父母亲离婚,马修的父亲是加拿大原住民,离婚后从美国圣地牙哥搬回育空库鲁阿尼国家公园居住,过著简单的隐居生活;母亲一肩担起马修和姊姊的教育和生活重任,在圣地牙哥工作,赚取基本薪资养育两个小孩。而马修从他的童年时代开始,就因为父母亲分隔两地,而开始他如侯鸟般的迁徙,在城市与旷野、现代与原始的两种生活间流动。
马修的母亲是他音乐事业的最大支撑,马修受到老师的鼓励,开始音乐创作,母亲因为马修想走音乐的路,将家中仅有的积蓄买了一台钢琴,从此马修和钢琴结下了不解之缘。就在马修即将完成中学的学业,大家本以为他会进入音乐学院,继续念大学的当口。马修却宣告他要去当录音师、不去念大学了。这个决定当然引起关心他的人一阵错愕,但或许是知子若母、也或许是马修金牛座固执的个性使然,马修的妈妈支持他走自己的路,因此马修顺利辍学,开始他的唱片生涯。
收录在马修.连恩独角兽专辑中的12首歌,就是马修在他19岁到22岁时期的作品,那正是他刚离开学校,进入社会的阶段,充满对音乐的热情和对世界的憧憬。其中许多作品都是马修个人的生活经验,包括他的初恋“Very Much To Me”、第一次接触育空旷野的感动“Kluane”和他七岁时第一次航向北极海“In Search Of Home”等。当时的眼光来看这些作品,并不具有商业价值,因此马修是靠打工和借贷的方式,先筹到了一笔钱再去录几首歌,所以这张专辑前前后后花了三年的时间才完成,这位刚进入唱片圈的热血青年马修.连恩,事实上他的正职是一名铺瓷砖的工人。
马修表示:其实当他22岁那一年完成这张专辑时,他以为他的音乐生命就此结束。因为中间有太多瑕疵,不过他还是选择继续在唱片界发展,七年后他因为《狼Bleeding Wolves》在全世界热卖,带动环保音乐的风潮,而成为国际知名的音乐家。如今他回头看这个热情和青涩的少年马修,他已经可以接纳和审视自己作品的不完美,马修常说:这张专辑就像是他的大学毕业论文。这所有的错误和尝试都将他推往音乐的高峰。
16年后风潮唱片首度在亚洲地区发行马修.连恩的第一张专辑,并特别全新录制了“独角兽”这首单曲,恰如其分地诠释了马修地这段人生历程,《独角兽》专辑的总监彭季康表示:16年前这张不完美的专辑,变成16年后最珍贵的一张专辑,因为马修当初若是没有这一种对音乐的坚持,后来也就不可能有像《狼》、《海角一乐园》、《提卡尔》等伟大的音乐作品出现。面对自己的不完美是需要极大的勇气的,却也是向前迈进的动力,马修之所以要将自己不完美的第一次展现在所有乐迷的面前,就是要鼓励大家:每一个人都有不完美的一面,只要坚持自己的梦想,不断努力,终究会有实现的一天。
成立之后的Eagles有几项特色,每位团员都擅长写曲,又都能胜任主唱一职,这自然在声效及合声方面技高一筹,这就是为什么Eagles能在一开始就受到许多歌迷的爱戴而一飞冲天了.Eagles的团员实力都不错,但要他们发挥的淋漓尽致,还需要一位有经验的制作人.他们找来了Glyn Johns,他是一位名唱片制作人,曾为Rolling Stone,The Who,Faces,Eric Clapton制作过唱片.1972年他把Eagles带到London,在闻名的Olympic Studio完成了第一张专辑,这是一首典型乡村风格的作品,推出发行的第一支代表作<>便是一个例子.该曲是Jackson Brownnie与Frey和写的,Brownnie还为Eagles写了< >,那也是一首相当好听的歌.< >是Glyn Johns在伦敦为Eagles录制的第二张专辑,虽然它的销售状况最不理想,可是它在概念上所表现出的整体性,使一帮老乐迷无不承认这张唱片的价值.仅从”Desperado”字面上看,可知整张专辑所叙述的大意:一位年仅21岁的亡命之徒误入歧途而触犯法律的故事.Dooling Dalton是剧中人物,故事发生在1880年的美国西部.
不可否认的是Eagles早期的作品稍微带了点灰色,他们常靠着各种刺激来寻求内心的平静,最常看到他们在歌曲中所引用的方式,便是在异性中寻找自我.
1974年对Eagles来说是变化最大的一年.这一年他们会到洛杉机录制唱片.Don Felder的加入使得Eagles阵容更为强大,该团成了名副其实的”五重奏”.同年四月当<>推出之后,Eagles更往前迈进了一步,进入了超级乐队的行列:这张专辑为他们在格莱美奖中获得两项提名. Donn Felder与Bernie Leadon过去是佛罗里达州的同学,因为这层关系,他加入了Eagles的行列,何况Felder本身在吉他上的造诣也非比寻常,他的加入可祢补Eagles在乐器伴奏上的不足,同时也可提升Eagles创作上的素质,从此Bernie Leadon就专注于他拿手的班诺琴及节奏吉他,而主奏吉他的角色就系于Felder一个人身上了.
为了促销<>,Eagles参加了一系列的演唱活动,其中一场是在1974年的4月6日.与几个著名乐团共同参加的.除了Eagles是大家集中的焦点外,其他象Deep Purple,Black Sabbath,..也是备受瞩目的乐团.
Don Felder在录制<>的时候,仅在几首歌里担任重要的角色,但是在下一张专辑< >有精湛的表现.从这张专辑可以看出,Eagles正在向摇滚化方向发展,但也不可否认这是Eagles后期作品中,最后一张乡村气息较浓的专辑.那首非常轻快好听的中板歌曲< >就是例子.这首歌得到了格莱美最佳流行歌曲奖.
正值Eagles顶峰时期,Bernie Leadon突然下堂求去.Ealges组团之初,Bernie Leadon,Randy Meisner一直是被看好的两为台柱,<>以后,Glen Frey和Don Henley表现的愈来愈称职,逐渐成为乐团的发言人.后来Leadon因为与其他团员不睦,甚至于有被忽视的感觉,所以才会造成这种局面.
1976年,Eagles写下一个历史记录,他们的集锦专辑<>,成了唱片史上第三张未发行就有100万张订单的专辑. 接替Leadon位置的是James Gang的吉他手Joe Walsh,由于他的加入,Eagles的乐风更加摇滚化了.< >可说是Eagles在最佳状态,最佳组合之下所完成的一张旷世之作,它的销售量在80年代初就已突破1500万张! 70年代中期,Eagles发行的三张专辑都荣登排行的榜首.分别是1975年7月26日得到5周冠军的< >,1976年3月31日也得到5周冠军的< >,及1977年1月15日得到8周冠军的< >.
这里不得不提一下Eagles获得评价与呼声最高的那首”Hotel California”了.它的特殊之处在于Don Felder与Joe Walsh所搭配出的双吉他效果,另外,歌曲故事本身也很玄,字里行间洋溢着神秘的气氛,歌中唱到:任何人来到加州旅馆没有不受欢迎的,但是这里却有个规矩,只收旅客,不放走客人,任何时间你都可以结帐,只是你出不了大门.主唱Don Henley在这张唱片中的表现让人不得不刮目相看,8首歌Don Henley就主唱了5首,他在乐团中的份量可想而知了.
Don Henley与Glen Frey愈是抢眼,Randy Meisner这位创团元老就愈显得黯然失色,1977年Meisner也决意离去.1978年12月23日,Eagles在第20届格莱美奖中获两项奖,但是Eagles却没有参加这个盛会,原因是他们认为此奖不够真实而有虚伪之感,他们的才华不需要格莱美奖来认定,唱片销路好,演唱会卖座就已经得到大家的肯定了. 花了18个月的时间才完成了专辑<>的工作.Eagles真可说是跑了很长一段时间才有新作推出,但谁又知道录制的工作是在团员争论不休的情形下进行的,所以从这张专辑的气势看,的确比以往几张逊色了许多,喜欢他们的歌迷依然主动去接受这张新作,因此受欢迎程度亦不比以往差.< >于1979年11月3日蝉联专辑榜达8周之久,节奏感非常强烈的单曲< >也非常流行.于1977年9月才加入的新手Tebothy B. Schmit,以前曾在Poco呆了7年之久,这次与Eagles合作唱了一首慢板抒情佳作< >,果然给歌迷另一种清新的感受.
<>推出后,Eagles因为Don Henley与Glen Frey的不合而名存实亡了.他们的制作人Bill Szymcz于1980年7月在长堤体育场为他们举办了一场演唱会,没想到这真的成了Eagles散席前的最后一次聚合,Bill很感慨地对那个夜晚说了一句”Long Night at Wrong Beach”!
合久必分,分久必合.94年Don Henley,Glen Frey,Don Felder,Joe Walsh,Tebothy B. Schmit又走到了一起,全球的鹰迷兴奋不已,终于等到了期待已久的声音. 看过他们Hell Freeze Over演唱会的朋友,一定领略到了这只超级乐队的风采.除了几首新歌,他们的一些经典之作,如 “Hotel California”,”Desperado”…也都经过重新编曲,旋律更加优美动听.给人印象最深的便是5位团员轮流作主唱,每个嗓音都独具魅力.
不发了…累
我这是网通和电信双网实时切换的,总是登陆不进blog,烦死我了.
今天本来就是想发一首Matthew Lien的Bressanone,没想到这到这些资料,还有好多,好象是26个,现在只发了8个,有机会再补上吧.
http://mp3.baidu.com/m?f=ms&tn=baidump3&ct=134217728&rn=&word=bressanone&lm=-1
!WONDERFUL!
很多东西,好好消化!
辛苦你了!
呵呵,那首曲子那天想贴,
忙忘了, 很不错的,
100个人听100种各自美丽的FEELING.
[img]http://pzlife.com/pic/u2.jpg[/img]
9.U2-With or Without You
U2于1977年在都柏林开始了他们的音乐生涯。乐队成员是主唱博诺·沃克斯[Bono Vox,原名保罗·休森(Paul Hewson),1960年5月10日生于都柏林]、吉他手“刀刃”[The Edge,原名戴维·埃文斯(David Evans),生于1961年8月8日]、贝斯手亚当·克莱顿(Adam Clayton, 1960年3月13日生于英格兰牛津)及鼓手拉里·马伦(Larry Mullen, 1960年10月1日生于都柏林)。1977年正式改称U2。在爱尔兰的首张EP专辑《U2:3》及单曲《失去控制》(Out of Control, 1979)使乐队位居爱尔兰排行榜第1名。他们1980年的单曲《另一天》(Another Day)再创佳绩,后来的《一天没有我》(A Day without Me)和《我将跟随》(I Will Follow)两首单曲也广为流传。
《男孩》(Boy,1980)是一张纪实性专辑,这张专辑的风格介于当代流行音乐同粗糙、强硬的朋克音乐之间。此后乐队到美国巡回演出,回到英国后,他们推出的单曲《火》(Fire)打入排行榜前30名。专辑《十月》(October)在1981年推出后,U2受到了世界的关注。单曲《荣耀》(Gloria)在1983年2月发行。U2乐队的《新年》(New Year’s Day)是他们第1首英国榜前10名单曲,其内容涉及到了波兰团结工会运动。同年3月,《战争》(War)专辑出版,该专辑涉及了政治和宗教主题,其中著名的曲目有《血腥的星期天》(Sunday Bloody Sunday)等。《战争》是U2的第1张英国排行榜冠军专辑。1984年,《血色天空下》(Under a Blood Red Sky)推出后,列英国排行榜第2名。
到了1984年夏,U2已步入摇滚精英的前列。博诺在萨兰城堡举行的演唱会上与鲍勃·迪伦(BOB DYLAN)合唱了歌曲。而后U2建立了自己的公司———Mother唱片公司,意在爱尔兰地区发掘新人。同在1984年推出的专辑《难忘的火》(The Unforgettable Fire)由著名的电子乐大师布赖恩·伊诺(BRIAN ENO)、丹尼尔·拉诺斯(Daniel Lanois)制作,他们的介入使U2焕然一新。其后推出的单曲《自尊(以爱的名义)》[Pride (In the Name of Love)]是乐队的又一首杰作。随后U2在全球巡回演出。专辑《耶和华树》(The Joshua Tree)于1987年推出,这张优秀的作品集使他们步入了世界最优秀乐队的行列。该专辑在英美同时排名榜首,其中出色的歌曲有《有或没有你》(With Or Without You)、《我仍未获所寻》(I Still Haven’t Found What I’m Looking For)等。
1988年博诺与“刀刃”演出了罗伊·奥比森(ROY ORBISON)的歌曲《神秘女郎》(Mystery Girl),并推出现场演出双唱片《嘎嘎嗡嗡》(Rattle and Hum)和同名纪实电影。此后他们凭一首《欲望》(Desire)首次荣登英国单曲榜冠军。U2还在科尔·波特(Cole Porter)的纪念专辑《红热+蓝》(Red Hot + Blue)中露面并演唱了一首《昼与夜》(Day and Night)。1991年末,单曲《苍绳》(The Fly)又荣登英国榜单曲榜首。
《阿克堂,宝贝》(Achtung Baby)1991年推出,,U2在这张专辑中探索了电子乐和舞曲音乐。专辑中的单曲《神秘方式》(Mysterious Ways)和《一个》(One)在世界许多国家荣登排行榜冠军。1992年,乐队进行了全球巡演。专辑《欧共体运物园》(Zooropa)于1993夏天出版,同时U2也进行了巡演。1995年,U2为电影《永远的蝙蝠侠》录制了一首插曲《拥抱我,震撼我,亲吻我,杀死我》(Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me)。同年,乐队与布赖恩·伊诺合作并以“旅客”(Passengers)的名字录制了专辑《原声音乐,第1集》(Original Soundtracks,Vol.1)。1997年,专辑《流行》(Pop)推出。
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10.Bon Jovi-Hey God
提到 Bon Jovi,所有喜欢 Pop Rock 的人一定对他们爱不释手,虽然玩的是另人感到“恐怖”的重金属,但音乐却流行的很,而且还与 Def Leppard 一起被称为是 “Family Rock” 的摇滚乐队,所谓 “Family Rock” :即是一家人,不管男女老少都可欣赏的摇滚。当然,这“一家人”是指在欧美地区,在我们这儿,一家人一起看看 Hanson 都不大可能。
既能知道了 Bon Jovi 是一支怎样的摇滚乐队,我们就不要把他们与 Nirvana, Metallica 之类的经典乐队相提并论。我在这里说了一大通,并非是想说 Bon Jovi 是一只怎样怎样的烂仔乐队,其实与同类的 Ratt, White Lion 等乐队相比,Bon Jovi 不知比他们强多少,先不提那张经典的《New Jersey》,单单乐队成员都有各自的天空:乐队的主唱、吉他手、键盘手都出过个人专辑;鼓手也举办过个人画展,在他们的那一类的乐队中,他们绝对是姣姣者。对于我们国内而言,Bon Jovi 的最大贡献恐怕就是将更多的人带进了摇滚的大门。想想吧,如果那个昨天还对郭富城念念不忘的傢伙今天竟声称他被 Nirvana 感染了,你相信吗?
1983年, Bon Jovi 原本的团员包括有 Jon Bon Jovi[主唱],Richie Sambora[吉他手],David Bryan[键盘手],Tico Torres[鼓手]和 Alec John Such[贝斯手]。主唱 Jon Bon Jovi 在 Sayreville 高校的时候遇上了 David Bryan(他当时还用原名 David Rashbaum),他们不久便加入了一个以 R&B 为主的乐团 Atlantic City Expressway。当 David Rashbaum 转到纽约去攻读一所音乐学校时, Jon Bon Jovi 也跟去,他便在一个和他有亲戚关系所开的 Power Station 录音室里做了一些打杂的工作二年,周薪仅五十美元,当时工作得相当辛苦,有一次他在拖地时,还累得趴在地上,但 Jon Bon Jovi 并不以打杂为苦,因为他每天在录音室里,可以见到许多知名的摇滚乐团进进出出,看到许多心中仰慕的乐手丰采,狂爱音乐的他并且暗自发誓,有朝一日,他一定要在摇滚乐界出人头地。于是 Jon Bon Jovi 在工作空档中,绝对不轻言打盹休息,他都会等到乐团的人走光后,偷偷留在录音室中练习自己创作歌曲,有时遇到还未下班的乐师,会调教他一些创作的要诀,让他受用无穷,一直到 Billy Squier 同意他去录制 Demo 的录音带,在完成创作之后, Jon Bon Jovi 便一家一家唱片公司亲自递送。很快的 “Runway” 这一首歌被纽约长岛电台 DJ Chip Hobart 相中,主动和他联系,便在当地的电台播放而且把他的 “Runway” 收录到一张合辑中,虽然 Jon Bon Jovi 的终极梦想是要出一张专辑,但他还是勉强同意成为合辑中的一员。合辑一推出 “Runway” 立刻受到各电台疯狂点播,长岛电台进一步想邀请他做现场演出,但问题来了,他没有自己的乐团!於是 Jon Bon Jovi 号召了茱莉亚音乐学院毕业的友人 David Rashbaum(后改名为 David Bryan),Franke & The Knockouts 的鼓手 Tico Torres 及 Jercy 合唱团的贝斯手 Alec John Such ,吉他手则央请邻人客串,后来有一次表演结束,在其中一场表演结束时的后台,Richie Sambora 主动找上 Jon Bon Jovi ,并宣称自己是最佳吉他手人选;虽然刚开始有点心存怀疑,但 Jon Bon Jovi 还是被 Richie Sambora 的自信和才华所感动。
当 Jon Bon Jovi 与 Mercury 唱片公司签约时,乐团成员也自此维持10余年不变,同一时间 Jon Bon Jovi 的好朋友键盘手 David Rashbaum 也改名为 David Bryan 组成了 Bon Jovi 。1984年,乐队和 Mercury 唱片公司签约后,Doc McGhee 成为他们的经纪人。虽然首张同名专辑直到 1984年1月才推出,但之前曾为知名摇滚乐团 ZZ Top 在麦迪逊花园广场的演唱会暖场,获得不少露脸机会。”Runaway” 是首支强打,”She Don’t Know Me” 则是第二波单曲(是Mercury 唱片公司要求 Jon Bon Jovi 强制并收录于此张专辑中,时至今日它仍是 Bon Jovi 专辑中 Jon Bon Jovi 唯一没有着作权的歌曲)。单曲 “Runaway” 闯进 Top 40,MTV 台也强力配合播送,Bon Jovi 俨然成为美国乐界的新传奇。他们时髦的外型和音乐一样合乎大众胃口:紧身皮裤加绚丽的头巾、撕裂的恤衫、超大的饰品、吹膨的长发、画眼线都是他们的标志,但超水准的现场演出功力才是他们构声望的不二法门。1985年,乐队推出了第二张专辑《7800°Faherenheit》,在美国的销量超过了50万张,经过的一系列成功的演出,他们的积极向上、性感、健康的气质和乐风开始深入人心。
到了1986年,Bon Jovi 第三张专辑《Slippery When Wet》推出,上面的一切都算不了什么了,《Slippery Whenwet》全球销量达到了1300多万张,其中的单曲 “Living On A Prayer” 和 “You Give Love A Bad Name” 双双升到了Billboard单曲榜首。1986年末,开始展开长达6个月之久的全美巡回演出(包括在家乡新泽西 Brendan Byrne 会场销售一空的新年演唱会)。不分白领、蓝领都陷入 Bon Jovi 的摇滚狂潮中。不过 Jon Bon Jovi 对这张专辑却并不满意,甚至认为它”毫无想象力”,但80年代中后期的重金属热潮还是造就了这张热门专辑。随着专辑《Slippery When Wet》获得空前的成功(停留 Billboard 排行榜40周之久、蝉连冠军达8周),Bon Jovi 已经晋身摇滚巨星行列。虽然坚持成功来自于音乐的优异本质,但他们的出色外型,尤其是 Jon Bon Jovi 天生的封面模特儿面孔,仍是MTV的播放主力和青少年贴在卧室墙上的最爱。当他们严正谴责以任何非摇滚乐的标签贴在身上的同时,Bon Jovi 的流行硬式摇滚风格可说为80年代末期开拓出新的女性听众版图,更启发了硬式摇滚与流行音乐两者间的大融合(有鉴于 Bon Jovi 的走红程度,许多新进团体争相学习他们的风格)。但论起奠定 Bon Jovi 雄霸摇滚乐界的决定性表演是–Jon Bon Jovi 和 Richie Sambora在1986年的 MTV 音乐奖上的现场演出。单靠吉他伴奏,他们演唱单曲 Wanted Dead Or Alive’和’Livin’ On A Prayer’,任何目睹这场表演的观众都给予最热烈的回应(连 MTV 台的工作人员也不例外)。Bon Jovi 自此一飞冲天。Jon Bon Jovi 登上滚石杂志的封面,演唱会一票难求(因为票房销售一空),所到之处媒体争相报导、歌迷疯狂追逐,Bon Jovi 已经成为家喻户晓的超级团体。
1988年,历经无数精疲力竭的巡回演唱,他们受如潮的佳评鼓舞而立即回到温哥华录音室与 Bruce Fairbairn 及 Bob Rock 合作下一张专辑。为了证明《Slippery When Wet》成功绝非侥幸,他们在1988年10月推出一张真正的叫好又叫座的专辑《New Jersey》,《New Jersey》既是 Bon Jovi 对家乡的礼赞又是乐队实力的最佳体现。乐队最出色的抒情歌曲 “I’ll Be There For You” 便出自这张专辑,《New Jersey》是当年的最热门的重金属专辑,在世界各地卖掉了超过800万张。此后乐队展开了长达14个月的巡回演出。1989年8月 Bon Jovi 参加莫斯科和平音乐节,在奥林匹克体育馆展开历时两天的摇滚乐圣宴,揭示拒绝毒品、酒精的主题,并将美式摇滚引进苏联。他们堪称第一个受苏联官方邀请表演的西洋摇滚乐团,而《New Jersey》也正式在这个共产国家所属的 Melodiya 唱片公司发行,这家公司从未出版过任何西洋摇滚乐团的专辑。
然后乐队进入了休整期。不过 Jon Bon Jovi 也没闲着,在1990年,他为朋友所托替电影谱写主题曲推出了名为《Blaze Of Glory/ Yong Guns II》的电影原声大碟,里边 Jon Bon Jovi 一人包办了全部歌曲的创作、演绎,专辑口碑也很不错。这是一张根源味极浓的硬摇滚专辑,足足销了300多万张。乐队另一灵魂人物 Richie Sambora 也在1991年推出了专辑《Stranger In This Town》,《Stranger In This Town》是一张重金属味并不怎么浓的摇滚专辑,销量有80多万张。,虽然不是卖得很好,但他可是和吉他之神 Eric Clapton 一起合作的。这支摇滚劲旅的未来似乎难以预期。
就在人们为此对乐队前途议论纷纷的时候,1992年,Bon Jovi 推出了第五专辑《Keep The Faith》,卖的依然是有血有肉的重金属,专辑中有着鲜明的90年代色彩,不论在歌曲内涵或音乐性上的进步,《Keep The Faith》都获得乐评与乐迷的一致肯定,该 CD 在美国卖出了超过200万张。尽管自80年代晚期流行摇滚的曲风逐渐式微,乐迷们醉心于 Grunge 摇滚,但是Bon Jovi 证明他们在快速变迁的流行音乐市场依然能够屹立不摇。1994年 Bon Jovi 出版了乐队的第一张精选专辑《Crossroad/The Best Of Bon Jovi》,算是对乐队过去十年的回顾,并在 Grurge 大行其道的1994年”杀”出了一条血路,销出了1000多万张,Bon Jovi音乐的巨大魅力并未因岁月的流逝和潮流的变幻而减损分毫。
1995年,当 Bon Jovi 推出第6张专辑《These Days》时,贝斯手 Alec John Such 已经离队,Bon Jovi 因而找来 Hugh McDonald 挑下贝斯手一职。《These Days》专辑中Bon Jovi 的音乐并没太大的变化,只是专辑中的慢歌比重较以前大大增加,音乐的重心已摆在感性的情歌上。但专辑的影响力和销售量已与当年鼎盛时期不可同日而语,不过话又说回来,Bon Jovi 仍是他们那一类、那一批乐队中在90年代最受欢迎的一支。同年,乐队的键盘手 David Bryan 推出了个人专辑《On A Full Moon》。Tico Torres 堤可更将事业拓展至另一领域,成为备受尊敬的画家与雕刻家。
1997年,主唱 Jon Bon Jovi 推出了第二张个人专辑《Destination Anywhere》,与他以前的作品相比,这张专辑显得色调灰暗,只见封套中 Jon Bon Jovi 穿着西装、开着老式汽车,一副满足的样子,连他的声音也是懒洋洋的,里面贯始贯终的 Hip-Hop 鼓点在绝大多数的时候都显得十分沉闷,显而易见,Bon Jovi 的新老歌迷对此都不会感到满意。次年,吉他手 Richie Sambora 也推出了第二张个人专辑《Undiscovered Soul》,走的还是当年摇滚风格的路线,虽说少了些重金属成份。只是时代变了,这两张专辑都没有获得应有的成功。不过在英国,《Destination Anywhere》使 Jon Bon Jovi 获得了当年英国音乐奖的最佳男歌手的荣誉。
以后的时间由于 Jon Bon Jovi 一直沉醉于电影表演艺术和家庭生活,对于乐队的事物不再像以往般的关心,Bon Jovi 的新专辑一直迟迟未能推出。2000年,好消息终于传来,Bon Jovi 在6月推出最新专辑《Crush》,新专辑是对80年代音乐风格的一次回归,保持了 Bon Jovi 一贯坚持的健康、流行的曲风,歌曲的可听性很强,新专辑在商业上的成绩不错,刚一推出就打上 Billboard 专辑榜的 Top 9,在欧洲则很快的卖出了白金销量。凭借着出色的《Crush》,Bon Jovi 将自己的演艺带入了新的世纪。同年,键盘手 David Bryan 再次推出个人专辑《Lunar Eclipse》。
2001年5月22日,Bon Jovi 推出他们成军近20年来,第一张场演唱会专辑 – 《One Wild Night Live》!其中记录了乐队自1985年至2001年历年现场演唱会的精华部分。预计到2001年6月份时,他们2000年发行、并已在美国获得白金唱片肯定的最新专辑《Crush》,其全球销售量也会跟着突破700万张。
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11.Michael Jackson-Beat It
很难评价这个人,说实话,我有点怀疑他的人品,但是他的音乐确实不容置疑。懒的找他的详细介绍,只找到一个编年史一样的东西,只谈音乐不看人吧。
1958
八月二十九日出生,在家中的九个小孩中排名第七。
1963
五岁时,于幼稚园中首次演唱Climb Every Mountain在父母有心的促成下与四位兄长Jackie,Tito,Jermaine及Marlon共组了乐
团,并在接下来的几年,随着年龄的增长,益发不断地展现出表演的技巧,褪去组团初期的稚嫩,无形中脱颖成为团中的灵魂人物。
1964
组成「Ripples And Weaves Plus michael」(Jackson Five的前身)并首次在盖瑞市作有酬劳的演出。
1969
经由市长的赏识,引荐给Diana Ross,得以结识Motown的老板Berry Gordy,并且签约,随即全家迁居洛杉矶,同年年底首支单曲「I Want You Back 」登上排行榜榜首,接连发行了「ABC」,「The Love You Save」,「I\’ll be there」等热门单曲;michael也在此年初次与Quincy Jones相遇。
1971
Motown于年底为Michael发行个人首支单曲 「Got to be there」,成绩为第四名。
1972
「Ben」专辑发行,「Ben」单曲成为他第一支冠军单曲。
1975
随着Jackson Five投至「Epic」唱片公司,改名为「The Jacksons」,然而未能延续佳绩。
1978
Michael参加「The WIZ」(新绿野仙踪)演出,演唱了插曲「Ease on down theroad」,「You can’t in」,并演出了稻草人一角,与Diana Ross、Richard Pryor并列为三大主角,且由于担负此片的主题曲演唱重资大任,而与专辑制作人Quincy Jones 结识。
1979
1979年后是Michael Jackson的年代,专辑「Off The Wall」在Epic旗下发行,首支冠军单曲「Don\’t stop \’til you get enough」,并为他得到葛莱美奖的「最佳蓝调男歌手奖」(Best R&B Vocal Performance,Male);此专辑全球销售七百万张,在Billboard榜上待到1984年才下榜。
1980
The Jacksons发行「Triumph」专辑,于1981年间展开全美演唱,所的收入美金五百五十万,被列为该年度高所得艺人之一。
1982
michael着手于「Thriller」的准备工作,并和 「Paul McCartney」演唱「The girl is mine」。「Thriller」是Michael音乐生涯最具代表性的专辑,亦是他的巅峰之作,此专辑稍后不仅在美国专辑榜上蝉连了37周冠军、在世界各国皆成为冠军专辑、拥有七首TOP10单曲、获得12项葛莱美奖提名及七项奖座外,其全球销售到1995年更已超过四千四百三十万张(美国二千一百万张),且仍在陆续地增加中。
1983
由Michael所谱写的「Billie Jean」登上了美国榜第一的宝座,并蝉连七周之久,其中一周同时在英国登上了第一,成为英美单曲排行榜的双料冠军,并成为他个人第三支白金单曲。此外,专辑亦同时登上了榜首,使他成为 Billboard 榜上有史以来第一位同时在流行及黑人榜的专辑与单曲榜上获得冠军,另外他也是舞曲榜冠军。5月16日与兄弟们一起参加《Motown唱片公司成立25周年纪念》电视节目演出,在其个人演出部份演唱了获艾美奖提名的「Billie Jean」,并首次展现出他〈月球漫步〉的特殊舞步。12月26日在这成功丰收一年的即将终了之际百事可乐宣布,以五百万美元的天价与他签下了广告约,且保证他无需拿或喝一瓶可乐做为宣传。
1984
百事可乐广告在MTV台首映。5月14日Beat It」用在不酗酒驾车的宣导影片上,美国总统雷根为酬谢他在此次活动成效卓著,特邀他至白宫并颁赠一座人道主义总统奖给他。11月在好莱坞的星光大道上留下他的手印。第二十六届葛来美奖在洛杉矶举行,专辑Thriller获12项提名,八项大奖,打破 Roger Miller在1965年的六项记录。
1985
为了呼应英国艺人为大团结所演唱的“Band Aid”的成功,Michael亦与Lionel Rich合作,仅用了两小时的时间便完成了声援非洲饥民的伟大曲子「We are the world」,该单曲在四天内卖出五十万张,电台播放率超过90%其后michael开始经营音乐事业,买进四千首歌曲版权,包括251首披头士(The Beatles)的歌曲。
1986
「We are the world」得到葛莱美「年度最佳歌曲奖」。
1987
推出专辑「Bad」,两个月销售三百万张,至今达两千五百万张,专辑中有五首冠军单曲。七月,第一次世界巡回演唱,九月十二日第一站东京。
1988
michael自资拍摄电影「Moonwalker」(外星战将),但是并没有得到预期的佳评片中表演了惊人的顷斜45度舞蹈。洛杉矶市长Tom Bradley宣布11月为「Michael Jackson Month」(迈克尔杰克逊月)。
1990
Michael与Sony Music签立了一纸六张专辑及超过十亿美元的合约,且光是「Dangerous」专辑的预付版税就高达一千八百万美元现金,并准备在哥伦比亚制片厂中,专为Michael成立一个〈杰克逊娱乐中心〉,做为统合他一切音乐、电影、电视的指挥总部。消息揭露、举世哗然,瞬时使他再度成为全球娱乐版新闻的头条。4月5日受布希总统的邀约前往白宫受颁〈十年最佳艺人奖〉。11月14日「Black Or White」其长达11分钟、耗资四百万美金所制作完成的录影带,于当晚8点25分在美国福斯电视(Fox Television)、MTV及Entertainment Television等电视频道做全国首映,此外,全球共27个国家亦同步推出,本地的三家电视台也皆于当天新闻中播放了部份片段。此支录影带乃是由John Landis担任导演, 他曾于1983年为Michael执导「Thriller」这首歌的录影带;并且邀来了电影《小鬼当家》的男主角迈考利克金参与演出,此外,美国当红卡通剧《辛普逊家庭》里的主人翁之一,Bart Simpson亦在此录影带中出现。
1992
6月23日起举办「Dangerous」世界巡回演唱会,部份收入捐给「Heal The World Foundation」。Michael并在此年与摩洛哥公主Stephanie公开合唱「In the closet」。
1993
5月19日获金氏世界纪录所颁发的〈终生成就奖〉。
1994
5月26日Michael与摇滚巨星猫王 Elvis Presley之女Lisa Mary秘密飞赴多明尼加私定终身,由于证婚法官于七月初时走露消息,引发一场媒体追逐战。
1995
6月17日与妹妹Janet合唱的单曲「Scream」,破天荒地在进入Billboard杂志流行单曲榜后,首周即获第五名佳绩这是到那时为止,该杂志自创刊以来,首周进榜单曲所获之最高名次。6月20日两张一套的「History Past,Present and Future Book I」专辑终于在一连串的造势活动后(包括一支在电视上密集曝光,由 Michael与红军一起演出的震撼画面预告片)问市,这套专辑包括两大部份,第一部份“History Begins”含括了15首Michael歌坛最具代表性的作品,像「Beat it」、「Billie jean」、「Thriller」、「Heal the world」、「Bad」、「Black or white」等等。另一部份为“History Continues”,收录的都是Michael新创作作品,包括先前推出的「Scream」以及为电影《威鲸闯天关2》所演唱的主题曲「Childhood」。
9月2日单曲「You are not alone」再创历史新纪录,首周进入流行单曲榜即获冠军这是Billboard杂志创刊四十多年来,从来都没有人能够达到的成绩。
1996
3月michael宣布将与阿拉伯亲王合资组成一个多媒体娱乐集团〈王国娱乐公司〉。Michael表示,这个公司将横跨旅馆、游乐场、电影、卡通、 唱片、出版、旅游以及各种家庭娱乐产品。他们不断强调这个合资计划的家庭价值层面,绝不会鼓吹堕落和不道德。该集团将在美洲、亚洲和欧洲成立分公司。捷克总统哈维尔提前在六日会晤MICHAEL,而Michael的塑像并已提前在几天前,便已被竖立在布拉格的一座小山上,该处原竖立的是史达林的雕像。
1997
2月12日Michael的新婚妻子黛比在他的全程陪伴下,为他产下一个重约3005公克,身高52公分的儿子,Michael除了亲自为儿子剪断脐带外,稍后并为他取名为“王子”。3月Michael的最新单曲「Blood on the dance floor」首度曝光,为michael预计于5月14日做全球发行的最新专辑「Blood on the dance floor:History in the mix」做暖身。5月最新专辑「Blood on the dance floor:History in the mix( 赤色风暴:历史混音辑)」正式问市,Michael首次打破相隔四年发片的惯例。这张专辑是一张节拍强烈明显、最适合随乐起舞且可望成为有史以来最棒的动感舞曲专辑。辑中收录了13首别出心裁的音乐佳作,包括5首全新巨作,分别是「Blood on the dance floor」,「Morphine」,「Superfly sister」,「Is it scary」以及m.j.亲自演出的惊悚短片《ghosts》 的同名主题曲。此外,本辑还将「History:Past,Present andFuture,bookI」专辑中“历史再续”部份的8首新作,予以最炫最新潮的方式重新混音.
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12.Ella Fitzgerald-Fever
毫无疑问,艾拉 费兹杰罗是爵士乐史上最伟大的歌手之一,不过她踏入这一行的第一步有点奇怪。
1918年出生于弗吉尼亚、在纽约成长的艾拉自幼丧父,生活并不宽裕,小时候就显露了歌唱的天赋,但是艾拉本人当时比较希望成為一个舞蹈家。1943年,十五岁的她参加在哈斯门歌剧院所举办的一场业余歌舞比赛,报考舞蹈一项,却因太紧张,两腿一直无法站稳,只得转报歌唱项目。她唱的是Connee Boswill的歌“The Object Of My Affection”。并得到首奖。当晚Chick Webb大乐团的主要成员Bardu Ai也听了她的歌声,激动不已,一直在Webb面前推荐这位女孩,Webb终于同意让她于次年的耶鲁舞会中与乐团同台演出,并协议:如果学生喜欢她,她便可以留下来。毫无疑问她被留下来了。
艾拉职业演唱生涯刚开始的时候是和著名的”小鸡”韦白爵士大乐队一起演出,30年代末,韦白去世之后,她继续领导乐队到1940年代初期,接著以个人身份单飞,和当时许多不同的乐团合作录音。1950年代是她事业的高峰,艾拉加入名製作人诺曼葛兰兹的VERVE唱片公司,在葛兰兹的规划安排下,以一系列”歌曲辑”作品,詮释多位美国作曲家包括乔治盖西文、科波特等人的作品,逐渐建立她爵士乐天后的地位,媒体和听眾习惯称她為爵士乐的”第一夫人”,可以印证她多麼受到尊崇与喜爱。
1955年起,Granz以兼具音乐性与商业性的作法,有计划的经营Ella的歌唱事业,并让她为他自己的Verve唱片公司录音,塑造她成为国际乐坛的头条人物。他深知Ella拥有不凡的爵士天份,但必须更进一步拓展演唱的曲目,才能将这股天份发挥的更完美。于是他让Ella从比较世俗的Tin Pan Alley曲调中走出来,开始演唱更具格调的音乐剧歌曲,第一部灌录的便是Cole Porter的歌曲集,后来Ella说:“这是我演唱生命中的一个转折点。”之后,她又陆续录了格什温,罗杰斯与哈特,艾林顿公爵等人的音乐剧作品。她后来吐露说:“演唱这些曲子,帮助我注入以前我所达不到的境界,而更好的是我能为那些从未听过这些曲子的人演唱。”而她自己最喜欢的又是什么?她说:“我喜欢美丽的事物,喜欢演唱那种能让人全然放松,像说故事一样的歌曲,我喜欢听别的歌手演唱,并去体会这些人唱歌时内心的感受。”是啊,Ella演唱时最注重的是与听众之间的心灵交流。
艾拉的嗓音一直保持一种年轻清亮的韵味,即使到老年也没有改变,她的演唱技巧非常高超,对节奏的掌握在所有歌手之中无人能及,演唱时往往能够变化节奏强弱,有时拖曳,有时突袭,就是不会死死板板一成不变,特别有一种”摇摆”的味道,原本简单平凡的歌曲,在她的演唱下彷彿一下子”活”了过来,爆发出无穷的深度与生命力。另外值得一提的,就是她著名的SCAT(吟唱)唱法,把歌词拋在一旁,完全不以歌词的文意来传达情绪,直接以人声当主奏,有时也和乐器即兴应答。
做为一位伟大的爵士女歌手,Ella Fitzgerald似乎永远不确知自己到底有多好,当她步下舞台,喝彩声从四面八方传来,全场观众起立给予她最高的敬意与欢呼时,她总会转向她的朋友,好像在请求宽恕似的问道:“我表现的还可以吗?”Ella Fitzgerald的音色充满了女性的特质与魅力,当她用绵密,轻柔的声音浅吟低唱时,没有人能将目光移开,如果我们以忧郁来形容Billie Holiday,那么Ella代表的便是一抹阳光。
男歌手Mel Torme曾说:“我常想,如果有爵士灵药这类东西的话,Ella Fitzgerald在一出生时便吞下了它。”她为DECCA唱片录音,在爵士俱乐部演唱,并在著名的经纪人与唱片制作人Norman Granz的安排下巡回演出。
艾拉的演唱影响了后世无数的爵士歌手,她所詮释的许多歌谣都已是爱乐者心中的经典,艾拉在爵士歌坛的声望地位到现在仍然没有衰退的跡象,今年葛莱美奖提名的年度爵士乐唱片,由迪迪布里姬沃特所演唱的”亲亲艾拉”,正是向爵士乐”第一夫人”致敬的作品。
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13.Pink Floyd-Wish You Were Here
Pink Floyd是60年代幻觉派音乐的副产品。1965年,Syd Barret加入Rick Wright、Nick Mason和Roger Waters的三人乐队。Syd说服他们放弃正在尝试的节奏与布鲁斯风格。
Syd将新成立的4人乐队命名为Pink Floyd——据说是取自于两位布鲁斯乐手Pink Anderson和Floyd Council。
他们初期阶段开设的音乐会较早的运用旋转的灯光系统和产生恍惚效应的实验性手段,这在60年代后期是一种时髦,他们的音乐会革新之举吸引了不少英国艺术学校的学生。不久,英国最大的唱片公司之一的EMI与他们签了合同。1966年底,他们在UFO俱乐部演出,试用了音响与灯光的同步效果,十分成功。从此人们称他们是一支不折不扣的“幻觉派摇滚乐队”。 Pink怪诞风格的真正体现,是他们在英国所出的第一张单曲唱片《Arnold Layne》(1967)。这首由Barrte创作的歌曲是写有关一位变性人的,结果遭到BBC乃至私营电台的播放禁令。其结果便是帮助这首歌进入英国十佳行列。同年8月,他们的第一张专辑《破晓的笛手》问世。
此时的Barrte已经过度地沉湎于毒品,不能自拔。他的意识也渐渐地进入混乱状态。在“Pink Floyd”举办第一次巡美演唱会时,他已经是竭尽全力硬挺着。在他们的第二张专辑问世前,他只得请他的老同学David Gilmur出来接替他的位置。
一挨到着位神志不清的领队离开,Pink便重新调整了一番,使其走上正规的道路。尽管他们仍采用“太空式”摇滚风格,《一碟秘密》表明他们还是属于可接受的音乐范畴之内。乐队重整旗鼓后,David任吉他手,Leak任键盘手,Roger弹电贝司,Nick敲鼓。他们为艺术片配音并出版了几张唱片。然而,乐队那种超现实主义的风格并没有赢得大批的追随者。
1971年的专辑《Meddle》(干预)开始显示出变化:器乐部分不那么零乱,旋律也好听起来。虽然歌词依然那么复杂,声乐部分已显示出威力。乐队在富有传奇色彩的“寺院路”录音棚内灌制了下一张专辑,用九个月的时间录制幻想中的外层空间旅行——《The Dark Side Of The Moon》(月亮的黑暗面)。
这部1973年出品的巨作为Pink在摇滚乐史上找到“艺术摇滚乐队”的地位。这一专辑编排尤为紧凑,是关于偏执狂和精神分裂的呐喊声集大成碟但专辑具有独特而完整的构思,使的声嘶力竭的喊声颇具音乐美感,是有内涵的艺术品。这张专辑一进入排行榜就留在那里不走了,他在那里至少停留了15年,至尽仍不时看到他的踪影。毫无疑问,该专辑是有史以来上榜时间最久的。
至此,Pink已经顺利通过了Syd缺席、Davie替补的过渡时期。Davie已经成为主唱,Roger担负起创作的重任。自然而然,Roger的人生观——厌世、宿命等观念融进了他的创作之中,成为“Pink Floyd”向更高的山峰攀登的潜能。
他们夺取的另一高峰便是1979年出品的《The Wall》(墙)。这是Roger创作的杰出产品,是他耗费大半年时间的结晶。他不幸的童年生活和后来对整个社会的批判成为了该专辑的创作主线。在其中,强制教育的坏处、摇滚乐明星制的危险性以及官僚主义的非人性一概批露无疑,专辑一问世,其中的单曲《Another Brick In The wall》(墙上的另一块砖)连续夺得四周的冠军。Roger那种反传统、反束缚的观念在广大青少年听众中找到了知音。
以《The Wall》为主题的音乐会经乐队的精心准备变成了一台庞大的布景装置。其规模及其复杂的技术使得乐队最后决定在伦敦、曼哈顿和洛杉矶三个地方举办演唱会。舞台上最大的道具是一堵巨大的白墙。随着音乐的展开和深入,大墙慢慢升起,犹如由一块块砖堆砌而成,直到乐队被全部挡住。到最后演唱会进入高潮时,大墙徒然崩塌,乐手们踩着砖砾出现在台前。
这一张专辑也引起了美国电影名导演Alan Parker的兴趣。1982年,他将此专辑搬上银幕,用画面阐述了Roger的创作观念。影片主角由鲍勃.盖尔多夫扮演。这部影片被称为音乐电影的典范之作。这也使“Pink Floyd”的声誉更隆。他们成为当时最热门的现场音乐会乐队,他们巡回演出的行李中包括11吨重的声光系统。他们始终要向人们表明,他们是一支不懈地追求新意、追求特技效果的乐队。1977年的“Animals(动物)”巡回音乐会,他们向观众头上放出一只巨大的、两眼发光的充气猪。“Pink Floyd”不愧为是实验性音乐与商业性完美结合的成功产物,他们在录音中运用的回声、反馈、变声以及震荡等效果为今后的录音制作开辟了新的途径。
80年代初,Roger和Davie之间出现了裂痕,Roger终于1985年离开乐队,Leak在次之前已离队,“Pink Floyd”名存实亡。然而,Davie仍不死心,于1987年招回Leak,录制了专辑《A Momentery Lapse Of Thunder》(瞬间失误的原因),反响极好。之后举行的两次巡回演出成为当时收效最高的音乐会。
1990年7月21日,“Pink Floyd”的在野成员Roger在德国柏林墙旧址波茨坦地段举行了一次规模空前的音乐会。演唱会上,乐队的另外三位成员没有出席。他们正打算举办复出的演唱会,他们自信没有Roger,人们照样能象过去那样欢迎这支三人“Pink Floyd”。
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14.Ace of Base-All That She Wants
乐队成员:
Jenny Berggren
全名:Jonas Petter Bergren
生于1967年3月21日
Malin Berggren
全名:Main Sofia Katarina
生于1970年10月30日
Jonas Berggren
全名:Jenny Cecilia
生于1972年5月19日
Ulf Ekberg
全名:UifGunnat Ekberg
生于1970年12月6日
他们都来自瑞典的Gothenberg。Jonas Berggren 和Ulf Ekberg在Gothenburg相遇准备一起在音乐上有所建树。很快他们发现自己需要歌手于是找到Jenny ,Malin姐妹成为一个四人组合。Ace of Base成立时叫Tech Noir,这是个节奏明快充满活力和富有技巧的组合,这一点在《Just Chaos》《Hear Me Calling》中有所体现。但是他们很快改变了风格成为Ace of Base并有了自己的商标 Pop & Reggae grooves。
在为Mega Records Scamdanavia制做了样带《Wheel Of Fortune》之后,公司和Ace of Base 签定了唱片合约,发布了他们的第一张单曲《Wheel of Fortune》及专辑《Happy Nation》。这张专辑再版了三次直到它上榜,它最高名次是第二。接着就是他们的第二支欧洲单曲《All That She Wants》。这支曲子升到了第一。然后他们发行了两张单曲《Happy Nation》和《Waiting For Magic》。接下来就是和USA签定唱片合同!US唱片公司不认为Ace of Base适于歌曲演奏。Clive David,Arista 唱片公司的总裁,在欧洲时所有这些都改变了。
《All That She Wants》在欧洲MTV和各大电台不断播出。他然后和美卡音像联系准备让在美国的Ace of Base和他的公司,Arista 唱片公司签约。新专辑录制时决定采用一些将在美国发行的歌曲。专辑名字为《The Sign》,在欧洲发行了另外一张专辑《Happy Nation》(美国版)有人称之为《The Sign》的姐妹片。 除了两首新曲和一首重新混音的曲子以外这这张专辑和《The Sign》的风格一致。发行这张专辑是为了减慢美国对欧洲的文化出口。
Ace of Base 在美国发行了第一张单曲《All That She Wants》,这张单曲获得很大的成功登上第一。第二张单曲《The Sign》也获得巨大的成功并登上第一。 这可能是Ace of Base在美国最出名的歌。接下来在美国发行《Don’t Turn Around》和《Ace of Base: The Home Video》。两张专辑都卖的很好。《Don’t Turn Around》取得了第二名而且不断播放。最近,Ace of Base 出版了《Living In Danger》。这首歌做的很好但是只取得了二十名。现在正在制做下一张专辑。他们的这张专辑《The Bridge》发行于1995年11月受到广泛好评。 第一张单曲《Beautiful Life》在美国只取得15名,接下来的《Lucky Love》在Dance 排行榜上获得第一。但是最后一张单曲《Never Gonna Say I’m Sorry》只取得了106名。
但是在欧洲完全不同!第一张单曲《Lucky Love》就在一些国家取得第一。接下来的《Beautiful Life》《Never Gonna Say I’m Sorry》在排行榜上成绩很好。1996年下半年,Ace of Base开始准备下一张专辑。一年后,我们知道了第一支单曲的发行日期是1998年2月。《Life is a Flower》取得了令人吃惊的成绩,在希腊,瑞典和其它一些国家取得了第一,在欧洲绝大多数国家都进了前十名。
同时,Ace of Base准备发行第三张美语专辑《Cruel Summer》。这张专辑包括一首新歌《Everytime It Rains》和翻唱《Life is a Flower》的《Whenever You’re Near Me》以及一些欧洲歌曲的改版如:《He Decides》,《Donnie》和《Travel To Romanis》。
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15.The Police-Every Breath You Take
The Police 乐队是”新浪潮”运动中涌现出来的商业上最成功的乐队,从名义上讲,The Police 是一支朋克乐队,但他们只是把雷吉音乐注入到流行摇滚音乐中的轻松感觉的朋克乐队,因而不是真正的朋克。它是由前 Curved Air 乐队的鼓手 Stewart Copeland(1952 年 7 月 16 日出生)和纽卡斯尔爵士乐队 No Exit 的贝司手兼歌手 Sting(原名 Gordon Summer,1951 年 10 月 2 日出生)于 1977 年成立的,他们与吉他手 Andy Summers(1942 年 12 月 31 日出生)和 Henry Padovani 成为一个短期 4 人乐队。不久,Henry 离开了乐队,使之成为 3 人组合。
同一年,他们录制了第 1 首受朋克音乐影响的单曲《Fall Out》,该曲是由 Copeland 的兄弟 Miles Copeland 的 Illegal 唱片公司发行的,Miles 还是该乐队的经理人。 1978 年初,乐队与 A&M 公司签约,并于 4 月份推出了单曲《Roxanne》,这首歌首次展现了他们创新性的雷吉节奏的奇特摇滚。直到 1 年后,该曲进入美国排行榜前 40 名,才使乐队在英国榜上起飞。
1978 年秋,专辑《Outlandos D’Amour》出版,并慢慢地爬上了英国排行榜的前 10 名,美国排行榜的前 30 名。 1979 年,《Reggatta De Blanc》出版,单曲《Message In A Box》成为英国榜的冠军,这首歌确立了乐队在英国、欧洲的明星地位。其销量在世界范围内令人吃惊,并且获得了各个不同层次的听众—- Sting 英俊的容貌和乐队精湛的技艺不但吸引了青少年听众,而且还获得了严肃摇滚唱片的购买者的首肯。之后他们到泰国、印度、墨西哥、希腊和埃及等国家巡回演出,非常受欢迎。
1980 年秋,《Zenyatta Mondatta》出版,这张专辑给他们在北美地区带来了突破,在美国、加拿大都进入了排行榜的前 10 名。在英国,专辑在排行榜冠军位置停留了 4 周。《Don’t Stand So Close To Me》成为英国排行榜第 2 首冠军歌曲,在美国也是第 2 首进入排行榜前 10 名的单曲。随后另一首单曲《De Do Do Do, De Da Da Da》同样也进入前 10 名。在美国麦迪逊广场花园举行了一场成功的音乐会之后,他们回到录音棚录制了一张电影音乐专辑《Ghost In The Machine》,出版后立即成为热门唱片,获英国榜冠军,美国榜亚军。单曲《Every Little Thing She Does Is Magic》在美国称为热门歌曲。
在他们 1980 ~ 1981 年旋风般地获得成功之后,他们获得不列颠音乐大奖中的“最佳英国组合”和 3 项格莱美奖。之后乐队的成员都开始了各自的计划,这导致了乐队的下一张专辑《Synchronicity》直到 1983 年中期才出版。该专辑受到音乐出版界及舆论的蔑视,但却获得了英美两国排行榜的冠军,而且它在世界范围内的销量都异常可观,均获得了多白金的销量。其中还包括两首最好的国际热门单曲《Every Breath You Take》和《Wrapped Around Your Finger》。
此后,乐队处于解体边缘,从他们第 5 张专辑后,这个 3 人乐队没有录制过任何作品,每个人都进行了个人探险。 Copeland 拍了一部电影,录了一个专辑,都命名为《Rhythmist》,Sting 则在更多的电影中出现,录制了深受爵士乐影响的国际热门专辑《Dream Of The Blue Turtles》。另外,乐队原来的作品被收集成一张选集《Every Breath You Take》出版,并成为英国排行榜的冠军。
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16.Pet Shop Boys-Go West
这是我超喜欢的电子乐队,Go West这首单曲我听了8年,天,太喜欢了。
宠物店男孩(PET SHOP BOYS)来自英国,由两名成员组成(NEIL TENNANT主唱、CHRIS LOWE主弹),以创作节奏感极强的电子音乐为主,尤其是DISCO,但是与纯粹的的舞曲又有所不同的是,他们的音乐仍保留有优美的旋律和丰富的内容。
乐队成立于1983年,迄今已有15年,拥有大量的No.1单曲和专辑,如WEST END GIRLS(1985,USA&UK),IT’S A SIN(1987),HEART(1988),ALWAYS ON MY MIND(1987),以及为不少人所熟悉的GO WEST(1993)。
乐队成员:Neil Francis Tennant ,Chris Sean Lowe
英文姓名:Neil Francis Tennant
生 日:1954年7月10日
出生地:诺森伯兰的North Shields
英文姓名:Chris Sean Lowe
生 日:1959年10月4日
出生地:兰开夏的Lackpool
1981年Chris和Neil在Kings Road一家电器行相遇。他们发现彼此对舞曲的共通兴趣,于是开始一起写歌。刚开始时他们取了个「West End」的团名,之后便正式命名为Pet Shop Boys。这个名未的灵感来自一些在Ealing宠物店工作的朋友们。他们说:「我们认为这个名字听起来像个英国饶舌乐团。」
1983年Neil受Smash Hits之命出差到美国访问The Police。
1984年「West End Girl」首支版本发行,并在洛杉矶与旧金山各大舞厅造成轰动。在法国与比利时也引起小小回响。
1985年正式加盟Parlophone Records。
1986年『Opportunities』首支单曲版本(英国排行榜上名第116名),这不算好的成绩让Pet Shop Boys重新省视自己的脚步,决定与制作人Stephen Hague合作重新制作「West End Girls」。【Love Comes Quickly】登上英国排行榜第十九名首张专辑『Please』发行。
1987年获得「BPI Awards的最佳单曲奖及五月嬴得Ivor Novello Awards 的最佳国际流行奖」。推出单曲『It’s a Sin』迅速夺下排行榜冠军。
1987年8月发行与Dusty Springfield合唱的单曲『What Have I Done To Deserve This』。
1987年9月发行专辑『Actually』。单曲『Always On My Mind』
1988年Pet Shop Boys嬴得BPI Awards的最佳团体奖。【It’s A Sin】再度获得Ivor Novello Awards的最佳国际流行歌曲奖。『It Couldn’t Happen Here』发行,Houston film festival中得奖。获得德国Beroline Award的年度最佳团体。专辑『Introspective』发行。
1990年第五张专辑『Behaviour』上市。
1990年11月单曲『Being Boring』。
1991年发行收录了『How Can You Expect To Be Taken Seriously』、『Where The Streets Have No Name】双单曲的迷你专辑。成立他们自己的唱片厂牌「Spaghetti」。发行精选『Discogrphy』。
1993年单曲『Can You Forgive Her』发行。 九月发行单曲『Go West』。专辑『Very』发行,这张极Pet Shop Boys的专辑,极快、极高能量、极浪漫、极悲伤、极流行。
1993年11月『I Wouldn’t Normally Do This Kind of Thing』发行。
1994年单曲『Liberation』发行,这首歌表达的是在爱中解脱的感觉。
1994年6月Pet Shop Boys与Blur共同混音的单曲『Girls And Boys』发行。
1995年单曲『Paninaro 95”』。
1995年8月迅速发行了B-Side精选集『Alternative』。
1996年4月Tina Turner新专辑『Wildest Dreams』发行。单曲『Se A Vide E (That’s The Way Life Is)』发行。
1996年9月发行专辑『Bilingual』,这张在两年前就已写好并录好了的专辑,听起来拉丁味很重。
1996年11月单曲『Single-Bilingual』发行。
1997年3月单曲『A Red Letter Day』发行,这首是尝试改编古典乐曲的歌曲。
1997年6月发行『West Side Story』单曲。
1997年7月参加丹麦的Roskilde Festival的音乐祭。
1999年7月单曲『I Don’t Know What You Want But I Can’t Give It Any More』。
1999年8月参加舞曲音乐祭Creamfields。
1999年10月开始他们的世界巡回演唱会,首站是在美国,接着到访德国、杰克、英国、爱尔兰等等……
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17.All-4-One-I Swear
All-4-One的4个成员,是由加利福尼亚州土生土长的Tony Borowiak,Jamie Jones,Delious Kennedy和Alfred Navarez组成的。
刚开始,他们发现自己该做什么并不困难,因为他们4人的声音配合得很完美。所有高科技声音合成,后期配音,都没法复制出他们那种独特的颤音和声。这使得人们发现还是有东西不能被仿造的。他们组队后不久,就推出了第一张单曲“So Much In Love”,人们开始注意了这4位杰出的男孩。
这个组合就很快走红了。“So Much In Love”自从1994年1月发布后,马上攀上RIAA黄金销量榜,紧接着一曲深情的“I Swear”,直逼RIAA白金销量。这首歌不光成了1994年的年度最畅销单曲,还成了摇滚史上的第三个里程碑。同年4月,他们推出了同名专辑“I Swear”。
接着,他们开始了全球巡回演出。在巴黎,马来西亚,新西兰,日本,韩国,他们突出的表现,使他们成为乐坛瞩目的组合。All-4-one在舞台上展现了他们最优秀的一面,他们以完美的声线和极富感染力的演唱技巧赢得了听众。
Alfred说:“我们喜欢现场演出,喜欢整个乐队在身后的感觉,它能把音乐带到一个绝然不同的境地。”
刚刚结束巡回演出时,他们的专辑也已经卖到500多万张,为他们赢得了许多荣誉。像American Music Award for Favorit New Soul/R&B Artist和Grammy Award for Best Pop Performance By A Duo Or Group等等。在刚出道的短短18个月中,All-4-one一跃成为顶级歌唱组合,但他们并不满足现状,他们给自己定位:要充分发挥潜质,成为多才多艺的实力派组合。
他们的第二张专辑“AND THE MUSIC SPEAKS”同样体现了他们音乐天赋,Jamie说:“我们必须有所提高,我们努力着。我宁愿我们是以一个歌唱组合而知名,而不只是单一的一个 pop,doo-wop或是R&B组合。”
第二张专辑的制作成员仍是由上张专辑的制作全体组成,他们创作了“I Can Love You Like That”,“These Arms”等优秀作品,同时All-4-one也开始尝试参与专辑中另一些歌曲的创作。
回顾这些年历程,All-4-one一致认为现场演唱会最过瘾,他们也迫切希望马上把新专辑推向舞台。Tony说:“我喜欢演出,喜欢慢歌,那就像我们在对每一位听众唱小夜曲,没有什么比这更好的了。”
难以想象的是,All-4-One中所有成员都没有经过正式发音训练,只是他们各自在教堂唱诗班呆过,他们走红歌坛的主要影响也就来自于这些经历。Delious说:“就是在那里我们学会了如何唱,如何混音。”成员之一Tony通常唱高音和假声部分(可以听听他和Alfred在新专辑中的二重唱“Colors Of Love”),在唱四重唱时也打打拍子。而完美的音乐家Jamie,在他学生时代的爵士乐团里就吹萨克斯风,到现在已经有10几年了。
当初,Jamie,Tony和Alfred相逢在录音棚,为当地广播电台唱歌。Alfred和Tony早在中学里时便是好友了,也曾在一起唱过歌,而Jamie的唱歌经历得追溯到他3岁时。于是这3个男孩聚到了一起,唱歌的潜力一下子爆发起来。为了再找一位合作伙伴,他们在当地业余歌手演唱会上发现了Delious。4人凑齐后,他们去洛杉矶的Blitzz唱片公司试音。当时他们即兴表演了15分钟的“So Much In Love”,出色的演唱使Blitzz当场签下了他们。
All-4-One能迅速走红,最关键还是在于他们的独特嗓音。就如Tony所说:“我们的声音自从刚组队时就一直是紧紧关联着的,所以我们可以共用一只麦克风,而不像别的组合那样,各人一个麦克风,唱各个人的音。”
Jamie说:“我们计划合作较长一段时间,制作更优秀的音乐作品。”当然,这也是歌迷们最等待的。
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18.Def Leppard-Long long way to go
DEF LEPPARD是一支典型的流行重金属乐队(乐评语),流畅的旋律和优美的和声是乐队的特征之一。DEF LEPPARD音乐中的优美旋律令乐迷们对重金属音乐有了新的认识,无数热血青年受DEF LEPPARD音乐的引领步入重金属的殿堂,而这一点也成了一些评论家和重金属狂热者攻击的目标。我是这样的观点:音乐发展到今天,已经渐渐偏离了本性,流派类别之争非常激烈,摇滚看不起流行,流行当朋克是垃圾,其实大可不必如此。音乐原本就只是一段供给人欣赏的旋律加节奏的合成体,因此只应该有好音乐和不好音乐之分,而不应该硬性的归结流派。任何一支乐队或歌者都是有其自身特点的,如何分的那么清楚,有些乐队甚至是无法化入任何流派的,如Cranberries(卡百利)非常的有个性。因此,我认为,一支乐队只要他的音乐动听入心,那他的音乐就绝对有理由得到尊重。让流派见鬼去吧,def leppard就是def leppard 风格。
DEF LEPPARD成立于1977年的冬天,前身ATOMIC MASS(核能圣餐)乐队,1978年7月18日乐队第一次登台演出是在谢菲尔德的中学韦斯特菲尔德,他们的报酬是一位老师自掏腰包的5英镑。1978年DEF LEPPARD在自己创建的公司推出首张同名专辑《DEF LEPPARD》,由于资金原因,这张EP唱片只制作了1000份拷贝,时至今日,这张唱片已成为摇滚迷们渴望已久的藏品。随后DEF LEPPARD开始走向成功,并成功杀入美国,成为当时唯一能与迈克尔·杰克逊争雄的乐队。
然而一系列的灾难降临到乐队身上,吉他手酒精中毒病故,鼓手酗酒被开除,鼓手里克·艾伦发生交通事故,左臂被齐肩切断,但艾伦以惊人的毅力和顽强的意志重返乐队,利用脚和手的合拍性苦练特地为他定做的电子鼓,并成了乐队的灵魂人物,艾伦用这种超强毅力和音乐执著大手笔的书写了真正的摇滚精神。
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19.GOO GOO DULLS-Iris
1985年主唱兼吉他手John Rzeznik与玩重金属乐的表哥Robby Takac找来前鼓手George Tutuska,于美国纽约州水牛城组成了三人摇滚团体Goo Goo Dolls。乐队在发行前五张专辑的过程中,虽然赢得了一些好评和人气,但是乐队并未树立自己的音乐个性,因此也未能从众多的另类摇滚乐队中脱颖而出,大红大紫。
但是老天似乎特别偏爱他们,幸逢电影《City Of Angels》邀请他们为其原声带写作歌曲,John Rzeznik所谱写演唱的《Iris》(希腊文,虹彩)一曲,不仅为他们赢得1999年第41届葛莱美音乐奖年度唱片最佳流行演唱团体年度歌曲等三项大奖提名,将Goo Goo Dolls的乐坛声望与作品销售数字提携至顶端外,《Iris》一曲的制作人Rob Cavallo更以此获得年度最佳制作大奖。Goo Goo Dolls这才开始在乐坛树立了自己的地位,也找到了适合自己的POP ROCK〔流行摇滚〕风格。
《Iris》堪称流行摇滚音乐作品中十年一遇的好音乐,音乐起始清脆急促的吉他SOLO,John Rzeznik饱含沧桑的低沉嗓音对世事对爱情满腹的疑问,而曲至中段突然的高昂爆发似乎疑问已经转为了真挚的誓言,“即便万物毁灭,我也只要你知道我是谁!”旋律的优美和主唱声线的粗犷形成了鲜明对比,而正因如此,此首音乐脱离了甜腻情歌的范畴,成了百听不厌的超级经典。由于这首音乐的动听,各大城市音像店〔city of angels〕原声CD俱已脱销,连它的打口CD都已卖到了破记录的30元。
这首歌的广泛受欢迎度,更加应了我的那个观点,玩过多年重金属,重摇滚的老将一旦演绎起配乐纯净旋律完美的柔情作品来,那才是欧美音乐中的极品,堪称天籁之音!!!
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20.Cocteau Twins-A Kissed Out Red Float
可能Cocteau Twins 82年发布的第一张EP的封面是他们音乐最好的注释,上面的图案是Cocteau Twins永恒的图腾——那是一种绚烂狂野的美、一种特立独行的魄力,是力与美的精巧平衡,是游移于黑暗与光明之间、远离尘世的一个音乐乌托邦。
毫无疑问,Cocteau Twins是现代音乐中的一个奇迹——即使没有万人馆的现场演出和几百万的唱片销量;几乎没有任何商业宣传,并始终对媒体保持着低调的态度,但他们的音乐却进行了一场悄无声息的变革——深刻的改变了人们对音乐的认知观念,重新定义了80年代的后朋克音乐和所谓‘4AD之声’,影响了90年代以及之后的几代音乐家:无数乐队曾公开表示CT的音乐对他们产生了巨大影响,甚至包括Prince、Madonna、Annie Lennox 和 A Perfect Circle这些风格迥异的艺人;而被看作是独立音乐界的传奇乐队如Slowdive、My Bloody Valentine、Lush、Curve等都曾受益于CT的音乐启示并在他
们所拓展的疆土中创作。
Cocteau Twins也是罕见的多产乐队之一:在他们长达15年的音乐生涯中,共创作了10张LP,近20张单曲,共计约140首歌曲。十五年中三人几乎是朝夕相处,往返于家门和录音室之间:他们的音乐和生活
已经密不可分,即使Liz婚后产下和Robin的爱女Belle不久,他们仍然录制了被无数乐迷认为是最完美的《Heaven or Las Vegas》——一张温暖的足以融化坚冰的专辑,Liz的声音充满了母性的温柔与慈
爱。可以说CT的每张专辑不仅记录了他们音乐上的发展进化,也记录了他们生活和人生意义上的每一次成熟与兑变。
Cocteau Twins标志性不可模仿的声音,为他们赢得了世界范围内的无数乐迷的由衷喝彩与爱戴,即使在乐队解体数年之后,热情不减的乐迷们仍期津津乐道liz那些不为人知的谜样的隐语,搜集乐队一切
未曾发表的哪怕最微不足道的音乐片段,试图揭开始终围绕他们的神秘面纱,并最终期待他们的重组,虽然这在乐队成员来看是不可能发生发生的事情。
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21.QUEEN-Bohemian rhapsody
很少有乐队能象QUEEN那样彻底地体现70年代世界摇滚舞台的丰富多彩。QUEEN就象一个综艺大厅一样,完美将华丽摇滚,前卫摇滚,古典音乐及重金属熔为一炉。这个来自英国由迷幻硬摇滚乐队SMILE演变而来的四人乐队致力于发掘华丽和夸张(并带有同性恋倾向)的艺术风格,创造出一种带有浓厚歌剧色彩的摇滚乐形式,主唱Freddie Mercury性感而如同唱诗班的嗓音,四人完美的假声合音,层层铺垫的键盘和绚烂花哨的吉他solo是他们的标志。
A Night At The Opera(歌剧院之夜)是QUEEN乐队最为经典的专辑,乐队为这张专辑的制作耗费了巨大的精力,有报道称这是摇滚乐史上制作费用最高的一张专辑。其中著名的单曲也就是我今天推荐的这首Bohemian Rhapsody(波西米亚狂想曲)成了QUEEN的招牌曲目,在酷似歌剧唱诗般的华丽配乐中不断加入大段的重金属吉他riff和solo,这正是QUEEN的典型风格。这首单曲在英国排行榜上迅速升到冠军的位置,并且在这个位置上停留了足有9个星期,并最终打破了英国单曲排行榜上冠军停留时间最长的记录。在美国,这首歌和整张专辑也获得了巨大的成功,进入了排行榜前10位并同时成为白金单曲和白金专辑。甚至在十多年后的1992年,这首Bohemian Rhapsody还在美国单曲排行榜上获得过数周的亚军成绩。
值得一提的是,由于主唱Freddie Mercury是一个彻底的同性恋者,1991年,关于Freddie Mercury身体状况的谣言也是漫天乱飞,在11月22日,他终于向外界证实,他染上了爱滋病。两天后,Freddie去世了。Freddie死后,乐队成员保持了一段时间的沉寂,三名成员在1994年还是重新聚到一起共同录制合成Freddie的遗作,这些歌的主唱部分都是Freddie在病床上录制完成的。1995年,这张名为Made In Heaven(天堂制造)的专辑得以发行,由于它特殊的纪念意义,这张专辑在全球范围尤其是欧洲引起了抢购狂潮,毋庸质疑,这已经是QUEEN的最后一张录音室作品了。Freddie Mercury虽然是个同性恋者,但这并不妨碍由于对华丽摇滚做出的伟大创新和贡献而受到世界无数摇滚迷的尊敬。
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22.Nat King Cole-When Sunny Gets Blue
纳特.金.科尔的一生中有两段相互重叠的经历。他是为数不多的真正的摇摆乐钢琴家之一;一方面,他的演奏深受Earl Hines的激励;另一方面.他又影响了另外一位大师奥斯卡·彼得森。他是一位超级的流行民谣歌手,在这个领域取得的巨大的商业上的成功.给他的钢琴演奏产生丁不良的影响.以致于在1949年之后,几乎没有什么人知道他的钢琴演奏的成就。或许如果将他的才华分到两个不同人的身上结果会更好。
纳特·金.科尔在芝加哥长大,在他只有十二岁时他在教堂里演奏管风琴,同时演唱。他的三个兄弟埃迪,弗雷德和伊萨克后来也都成为了爵士乐音乐家;在1935年时,他离开了他兄弟埃迪领导的埃迪·科尔“纯粹摇摆者”乐队.在这支乐队中他录制了自己的首张唱片。同时他也离开了芝加哥.领导了一支为时事讽刺剧《曳步前行》配乐的乐队。演出结束之后.他便在洛杉矶定居下来经过了一段时间的奋斗。科尔组织了一个三重奏。其中包括了吉他手奥斯卡·摩尔和贝司手维斯里.普林斯。同时他也长期地在好莱坞安了家。在乐队早期的岁月里,他们基本上以乐器演奏为主,这在保留下来的录音节目中能够很容易地发现:纳特·金.科尔作为一位歌手成为超级明星之前.他一直是一位深受人们喜爱的钢琴家,他的演唱作为一种新颖的尝试使乐队得到广大乐迷的认可。
纳特·金.科尔曾经向记者讲述了他如何开始演唱的经历:
“大致是在1937年左右的时候,科尔组建了自己的三重奏组。在当时这支三重奏组属于严格意义上的器乐三重奏:为了活跃单纯器乐演奏造成的单调气氛。科尔于是在器乐演奏的间隙不时唱上一曲。他演唱的都是一些传统的老歌,当时他也没有在这方面花太多的气力。结果他演唱的效果非常好,超出了他最初的设想。观众需要他演唱更多的歌曲,于是他开始重视演唱。”
纳持的妻子玛丽亚讲述了在一次醉酒之后,他如何传奇般地开始自己的演唱的故事:在纳特·金·科尔演唱的酒吧中,有一个常客,几乎每天晚上都要来这间“斯万恩酒吧”喝上几杯。有一次这位顾客坚持要点一首歌,当时正在演出的科尔直言相告,他只会唱一首《甜蜜的洛莱思》。不过他的演唱很特别,三重奏演唱此曲得到了一角五分钱的小费。那个客人坚持要再听上一曲,这一次,纳待不知道他所点的那首歌,于是问他是否还喜欢其它的曲子.那个家伙更是直率,“是的,我只是想把我的钱要回来,”纳特·金.科尔的演唱为乐队赢得了荣誉和观众,然而他们的三重奏直到1940年才获得机会为德猕唱片公司录音。从演唱中纳持·金·科尔增加了自信心。《甜蜜的洛莱思》就是那次演奏会的结果,三重奏很快变得非常地流行。在后来的年月里,阿特.塔图姆,奥斯卡·彼得森和阿哈迈德·贾玛尔都受了科尔的影响建立起自己的有钢琴、贝司和吉他三种乐器组成的乐队。
在四十年代,纳特·科尔录制了数量巨大的精彩的爵士音乐,包括了在1944年由莱斯特.扬,伊利诺伊.雅克和第一爵士管弦乐团担任特色乐师的音乐会,以及为数众多的他的三重奏为国会大厦唱片公司录制的唱片的选曲。这些著名的选曲收入了马赛克唱片公司限量发行的科尔精选合集当中。尽管在四十年代中期,科尔的演唱已经相当的流行,特别是在他的两支歌曲《自然的男孩》和《圣诞之歌》推出之后,他仍然把主要的精力花在了和他的乐队的演奏之中。约翰尼·米勒接替了贝司手的位置,在1947年,欧文·阿什比成为了新的吉他手。
从1949年开始.科尔对波普爵士乐产生了巨大的影响,他开始任用杰克·康斯泰佐演奏手鼓和康伽鼓,为他的一些歌曲配器。然而一首歌曲永久性地改变了他的生活,使他最终把自己的形象固定在歌手这个行当。这首有着无数不同版本的歌曲就是《蒙娜丽莎》,正是这首歌成为了排行榜第一位的热门歌曲。突然之间对于无数喜欢他的非爵士乐公众来说他成为了一位著名的歌手,许多新的歌迷惊讶地发现原来这位著名歌手钢琴弹得也十分出色!
在五十和六十年代,科尔的大部分录音都是流行民谣,尽管确有例外,如在l956年的唱片《午夜之后》,虽然他在爵士乐方面的才华几乎要被他在演唱方面的成就掩盖,他依然没有丧失他演奏令人振奋的爵士乐的能力。在1956年到1957年科尔有一个定期的电视节目,其中一些也有录像发行。但是由于那个时期,种族歧视问题非常地严重,没有一个人肯为这位天才的艺术家提供赞助。然而他在唱片的流行,以及公众的欢迎程度方面仍然保持了相当高的水平。
1965年初,纳特.金.科尔被肺癌夺去了生命,时年47岁.举世都哀悼这位天才的艺术家。
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23.METALLICA-The Unforgiven
众多的重金属王牌乐队中,究竟谁最能代表重金属音乐的音乐风格与精神内核呢?并不是公认的重金属鼻祖Led Zeppelin〔齐柏林飞船〕,毕竟他们还处于不可逾越的重金属发展初级阶段。也不是斐名世界的GUN & ROSE〔枪花〕,他们的音乐更多偏向浓厚布鲁斯味道的硬摇滚风格,而且他们在内讧与私生活上所耗费的精力似乎远比用在音乐创作上的更多。更不是以开创速度电吉他狂潮的VAN HALEN〔范海伦〕,把持乐队大权的主音吉他手EDDIE VAN HALEN〔艾迪范海伦〕虽才华横溢却心胸狭窄、刚愎自用,令乐队始终难成大器,试想一支出一张专辑就更换一名主唱的乐队如何一以贯之地发展保持它的音乐个性。真正的答案应该是METALLICA,至少我认为是这样。
METALLICA〔金属乐队〕,队如其名,是世界首屈一指的重金属乐队,难能可贵的是,在音乐风潮变幻多番的欧美摇滚乐坛,METALLICA一直不曾随波逐流,始终坚持自己纯正的重金属音乐风格。乐队的成员每人都深怀绝技,这也正是METALLICA仗以辉煌20余年在同时期成名的重金属乐队早已销声匿迹的时候仍然屹立于摇滚乐坛的真正原因。METALLICA是乐坛罕见的几支由贝司主导的重金属乐队,乐队极具天赋的贝司手Cliff Burton技艺非凡,成为乐队的核心人物,Burton的言行影响了乐队的每一个人,他也主导着乐队音乐个性的走向。1986年他在车祸中丧生,几乎宣布了乐队的灭亡。一名打法刚猛凌厉的顶级鼓手重金属乐队占据着非常重要的地位,DEF LEPPARD即是因为其单臂鼓手的原因,在演绎较重的作品时总是缺少一分雄壮的阳刚气息,而METALLICA的鼓手也是乐队的创始人Ulrich完全符合这样的要求。听过METALLICA的歌曲,就会发现他们的主音吉他非常的厉害,几乎每首歌曲中的大段吉他SOLO都具有非常的难度且极为耐听。最为难得的是主唱James Hetfield的超绝嗓音和唱功,James Hetfield的嗓音高亢时如钛金一般铿锵,却也有其柔和的一面。
《The Unforgiven》这首他们的柔情作品正好把James Hetfield刚柔并济的嗓音展露无遗。在一声像极的汽笛中,一连串听似简单却蕴含极高难度的吉他合弦逐步展开了前奏部分,紧随之贝司演绎出了音乐的主线,主唱刚劲沧桑的嗓音在音乐初始充分展现了他声线的粗犷特点,歌声比较“重”噪”,然而随之一转,主唱开始以难得展现的柔缓嗓音演绎音乐的承接部分柔和中蕴含的沧桑悲意简直催人泪下。METALLICA无愧于重金属音乐头牌乐队的荣誉!
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24.Autumn Tears-They Watch With Closed
在那萧瑟的1995年9月,ERIKE(编曲,主音及背景和声)和TED(词曲,钢琴,键盘及主音)这两个孤独的灵魂走到了一起,AUTUMN TEARS这支后来被称之为“氛 围化DOOM”乐风的乐队由此成形。经过了一段时间的烨合与创作,这两个黑暗中 的灵魂在WEST SOUND录音室开始录制了他们的作品。
1996年4月,AUTUMN TEARS在他们自己的厂牌DARK SYMPHONIES(黑暗交响)下推 出了首张专辑“LOVE POERMS FOR DYING CHILDREN:ACT I”(献给垂死孩子们的 爱与诗歌)这张限量发行的专辑中带有浓厚的古典色彩,宗教圣歌、管弦乐章、交响史诗、 天使般的女声独唱等等元素十分突出,但它所散发出的情绪却是如此黑暗和绝望 ,做为歌词的诗歌中表达了一种永世无法解脱的孤独。这与DEAD CAN DANCE以及 THIRD§THE MORTAL等一起构成了当时黑暗乐坛上一道独特的风景。仅仅两千张的 发行量远远不能满足心灵被深深震撼的黑暗乐迷,为了满足大家的请求。AUTUMN TEARS在后来的日子里不得不推出了一个新的再版版本“LOVE POERMS FOR DYIN G CHILDREN:ACT I REPRISE MCMXCVIII”,所有的歌曲被重新录制,重新混音, 做为一个小礼物,在这张新版里,添加了一首新歌“THE INTERMISSION“(这是 由AUTUMN TEARS后来的成员JENNIFER LEE ANNA演唱的)。
97年的5月份,AUTUMN TEAR推出了他们的第二张专辑“THE GARDEN OF CRYSTALL INE DREAMS-LOVE POERMS FOR DYING CHILDREN:ACT II“(水晶梦花园-献给 垂死孩子们的爱与诗歌2)在这张专辑里,TED和EIRDA明显成熟了,驾驭音乐的能力更加细腻,同样在WEST SOUND录音室,同样是他们自己的厂牌DARK SYMPHONIES。在更精致的包装里,充 斥了更宏大的交响乐章。AUTUMN TEARS表达出他们抑郁内敛情感掩盖下的那种对 丑陋现实充分思考后的愤怒。那悲剧英雄的挽歌和易碎的希望。随专辑还附赠了 24页关于秋天的故事集。为了使更多的乐迷欣赏到自己的歌声,这张专辑交由独 立的发行公司来发行。
在ACT II发行后,ERIKA为了创作她的小说离开了AUTUMN TEARS。JENNIFER LEE ANNA凭借她丰富的经验和无比的创作力加入到了组合中。ANNA有六年的唱诗班演 唱的经历,还曾为联合国的音乐教师代表表演过.现在她是一名私人声乐教师和唱 诗班辅导员。
在1999年7月, AUTUMN TEARS发行了一张迷你专辑“ABSOLUTION”(赦免)其中歌 曲“THE ABSOLUTION OF WHAT ONCE WAS”原本是为PALACE OF WORMS的合辑“AR CANA TARST COMPILATION”创作的,但由于合辑发行的推迟,乐队决定将它收录 到这张MINI专辑中来。“THE NEVER”中的咏唱充分体现了ANNA的才华。而法语版 的“THE DANCE”更多的是乐队的一种实验。 “ABSOLUTION”(赦免)发行后,TED认为自己的组合与ARCANA有着相似的音乐理 解和背景及手法。他希望能够与他们更深入的合作。ARCANA的PETER和IDA听后很 感兴趣,因此他们四人(TED,ANNA,PETER,IDA)决定一起制作一个音乐剧“P ANDORA”(潘多拉),不久大家可能就会欣赏到这张有趣的联合专辑了。
1999年12月,ERIKA完成了自己的小说重新回到了AUTUMN TEARS,她希望重新猹始 工作,不过在2000年的秋天,她不得不再次离开乐队去完成她的学业,取得人类学学位。
原定于2000年初出版的AUTUMN TEARS最新专辑“WINTER AND BORKEN ANGEL ACT III”(冬季和死去的天使)是乐队秋天三部曲中的最后一部,但现在看来不得不 推迟发行了。因为TED他们三个认为已经制作好的专辑太短了,不能称作是一张L P专辑,为了对的起买它的乐迷,乐队决定在加入两首新歌,现在的AUTUMN TEAR S就正在录音室中忙碌呢。
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25.MR.BIG-To Be With You
九十年代欧美乐坛正值一个思考期,流行化的商业操作日臻成熟,而音乐人们也开始寻找更新的音乐思路,音乐种类日趋繁杂,各种乐队层出不穷。在很多人对音乐动机苦思迷想的时候,有一支乐队却在传统乐队音乐上取得了巨大的成功,这支乐队就是Mr.Big大先生乐队。
Mr.Big完整成立于1989年,原始成员有:
主唱:艾立克·马汀(Eric martin)
吉他:宝罗·格里波特(Paul gilbert)
贝司:比利·舍汉(Billy Sheehan)
鼓手:帕特 托佩(Pat torpey)
在比利加入前,当时乐队只有三个人,但仍然是很好的重金属乐队,他们是很会使用失真音乐的乐队,但是没有一个贝斯手肯定是不行的。这个时候比利的到来无疑是一股东风,因为比利音乐圈里的一个贝斯高手,很有知名度,他同“克莱普顿”的贝斯手、以及外号“大胡子”的贝斯手共同成为当时最热门的三大贝斯手。那时候对于比利来讲,Mr.Big只不过是一个次要的“方案”,比利刚刚离开了大卫·李·罗斯(David Lee Roth)的乐队并曾经是达拉斯乐队(TALAS)的原始成员。但可能他自己也没想到,正是因为参加了Mr.Big这支乐队,才真正使他名扬四海。
比利的加入使得 MR.BIG成了一个“超级乐队”,因为原来的三位成员也各怀绝技,主唱:艾立克·马汀(是一位绝对个性十足的歌手,他的嗓音更是特别,难以模仿。吉他手宝罗·格里波特是一位吉他演奏技术大师,他的技术性无法挑剔,滴水不露,炉火纯青。 鼓手:帕特 托佩 潇洒激情,魅力耀眼。
Mr.Big这支乐队是以硬派摇滚而著称于世的,技术精湛是他们的立足点,通过吉他和贝斯出神入化的配合,加以鼓的框架结构,使得歌手演唱如鱼得水。他们也是摇滚三大件中最典型的组合。尤其是BILLY的贝斯演奏让人惊叹!在别人眼里好像是难以驾驭的野马般的贝斯,在他的手里却如温顺的山羊,任他摆布。他的贝斯技巧难度甚至让很多吉他手都自叹不如。
Mr.Big这支乐队的确是以硬派摇滚而著称于世的,但恰恰是他们的慢歌流传最广。其中有两首最为著名,一首是《WILD WORLD》一首是《TO BE WITH YOU 》。尽管他们解散的消息时有时无,但人们一听到这旋律就好像一下子回到了他们的音乐世界里。
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26.SCORPIONS-Send Me A Angel
工业噪音乐队,但颇为怪异的是,却是SCORPIONS[蝎子]这支注重旋律动听的重金属乐队屹立于世界摇滚乐坛之巅。成立于上世纪六十年代末的SCORPIONS,一直以令人叫绝的双吉他演奏和主唱嘹亮干净的高音而闻名乐坛,并且三十年不变的坚守并不断发展流行重金属的音乐风格,即使是在重金属处于最低谷的时候,正是因为他们这种从不屈从唱片市场的压力、不随波逐流去谄媚听者、静下心来铸造自己钟情的音乐风格的硬骨气,蝎子在创作了无数经典音乐的同时,也给乐队本身打上了“不朽经典”的金色烙印。
蝎子乐队最早成立于1969年,由 Rudolf Schenker(rhythm guitar/vocals)是乐队的组织者与灵魂,而他也正是蝎子乐队唯一一位自始至终的成员。经历了30多年的风风雨雨,乐队的人员经历了多次变动,最多时6人,而目前,乐队只剩下 Klaus Meine〔leader vocals〕, Rudolf Schenker, Matthias Jabs〔leader guitar〕 三名成员。三员摇滚老将各个身怀绝技,Klaus Meine那嘹亮干净的高亢嗓音以及炉火纯青的唱功,即使在欧美顶尖摇滚乐队里也是数一数二的,而且还写得一手极棒的歌词,内涵颇深。Rudolf Schenker作为乐队的领导者,乐队每首作品的作曲基本上都是由他包办的,而蝎子作品旋律的优美、流畅、大气也正是乐队风靡世界的金字招牌。而Matthias Jabs凌厉无比的吉他扫弦,更是技艺非凡,主音吉他的大段吉他SOLO技巧性高,又极为耐听,也是蝎子乐队的音乐特色。
1989年,他们在俄罗斯举办了数场演唱会,从而成为第一支到前苏联开演唱会的西方资本主义国家摇滚乐队,这次俄罗斯之行使他们对前苏联这个在西方世界都感到难以想象的国家有了一个新的认识,在莫斯科街头感受阵阵微风,更促使 Klaus Meine 写下了他最著名的歌曲 《Wind Of Change》。成为了乐队最受认可的世界性曲目。始终绕梁的是音乐中悠扬的令人叫绝的口哨SOLO,它使这首歌骤然有了灵魂。
蝎子乐队,把生命溶入摇滚乐的创作之中,即使哪一天你被新的音乐潮流所湮没,其他人再也记不起你和你的音乐,你也仍然是我的最爱!
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27.Sasha-Cloud Cuckoo
DJ Sasha,一个响亮的名字,一个全世界的Party Animal和电音爱好者每每听到必将为之倾倒,为之疯狂的名字。“英国Progressive House和Trance音乐的创始人及领军人;2000年全球最权威的《DJ》杂志-TOP 100 DJs(世界百大顶尖DJ)票选榜首得主;英国专业舞曲杂志《Muzik》封为全球首席DJ… …”无数的光环和美誉使Sasha近乎一度成为跳舞音乐的代名词。近十年间,Sasha在英国/欧洲,乃至全世界创造了一个又一个奇迹,书写了一个又一个传奇。
原名Alexender Coe的Sasha,1969年9月4日出生于北威尔士的Bangor。小时候是很聪明的他,在16岁那年,曾获取奖学金到某名校升学,但因为对音乐的狂热而中途放弃了学业。走出校园的他便开始在Strokes的“Shelly’s ”俱乐部担任驻场DJ。天才、年轻的Sasha的杰出表现,很快就得到伯乐的赏识,不久就被网罗到Mansfield的“Renaissance”效力。他品味独特的选歌风格,使得Renaissance 大受欢迎,继而把他推上了国际舞台。同时他也认识了另一位杰出优秀的年轻DJ-John Digweed。于是两人开始合作,在英国南部的港口城市Brighton推出“Northern Exposure”派对并发行系列混音集。
借由混音专辑的成功发行,两人声名远播受邀赴全球巡回表演,足迹遍及南美、北欧、中欧、东南亚、中亚等地区。1996年两人甚至跨海到纽约的俱乐部TWILO,担任每月一次的驻场DJ。而他与John Digweed的这组超过十年的双人搭档,更被跳舞音乐界视为传奇组合。由这两位天王级的DJ所联手带动Progressive风潮,就像他们的巡演脚步一样,从英伦出发,蔓延到世界各地,最后渗透深植到每个爱乐人的心中。
DJ Sasha在巡回之余,也有不少精彩混音作品问世,诸如The Chemical Brothers的《Out Of Control》、Madonna的《Ray Of Light》、《Drowned World》和BT的《Embracing The Sunshine》、《Remember》等。
正当他的事业如日中天的时候,一场突如其来的车祸发生了,险些改变他的生活方向。然而DJ Sasha并没有放弃,他的努力和坚毅克服了因车祸带来的耳伤问题,终于在2002夏季推出个人出道十余年来的首张专辑《Airdrawndagger》。凭借他超人的混音功力和对音乐的感悟,《Airdrawndagger》成为当年听众票选的十大电子舞曲专辑之一。
随后DJ Sasha再次展开了一系列马不停蹄的巡回演出,在西班牙的跳舞圣地IBIZA的几大著名俱乐部都留下他的身影。Sasha的音乐和Ibiza的阳光海滩再次把这个美丽的度假小岛打造成了全世界的Party Animal和电音爱好者梦寐以求、心驰神往的天堂。而巡演的经历也为他创作新的音乐打下了良好的基础。于是在今年夏天,他推出了全新的个人专辑《Involver》。与《Airdrawndagger》相比,这张新专辑更适合于聆听状态而非起舞,辑录了10首风格各样的歌曲,赋予听众一种全新的听觉感受。
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28.Morbid Angel-Angel of Disease
这是我十分钟爱的一支乐队,希望有人会喜欢!
从1989年Morbid Angel出第一张专辑至今,这支伟大的乐队一直都在为Death Metal这种极端的音乐类型书写最有力的见证。 Morbid Angel于1984年由吉他手Trey Azagthoth和Richard Brunelle创建。Morbid Angel最早一批在耳痛起家,并将Death Metal这种音乐形式带到地上。在将近20年的乐队生涯中,Morbid Angel的每一张专辑都保持了很高的水准,而且知道今天他们仍然具有很大影响力和号召力。Morbid Angel的价值不仅仅在于其音乐本身,他们倡导的革命性的思想正是他们真正的闪光点。在 Morbid Angel的音乐中你看不到腐烂的尸体的照片,也没有刻意营造的恐怖气氛,但实际上在你每次接触他们的音乐时你实际上已经置身与一个极其黑暗扭曲的世界当中了。其实人类就是生活在这样的一个病态的世界当中,只不过早已麻木了的思想已无力反思自己的行为,反而在光明闪烁时却缩了起来,而 Morbid Angel则一直试图唤醒人们去真正的理解自己以及这个病态的世界。
世界随着1989年几个来自佛罗里达坦帕的家伙发行的一张名为Altars Of Madness(疯狂祭坛)的专辑而狂暴不安起来。当时,这张专辑对极端金属进行了革命性的和空前的陈述,它强大的歌曲创作,细微的旋律,悦耳的firewinds,及失控的热情的愤怒,满足了许多饥渴的耳朵,它很快就登上了英国独立排行榜的第一名。他们的这张处女作成了公认的绝对的最具影响力的死亡金属专辑,它是由炙热的怒火和永不停歇的能量组成的旋风的中心。1992年的Blessed Are The Sick更进一步巩固了MORBID ANGEL(特别是歌曲作者Azagthoth)的作为真正的革新者和梦想者的地位,他们在自己极度有力的素材中加入了古典音乐元素。Blessed保留了他们标志性的破坏性的暴风,将它发展到了另一个空间。在两张经典专辑后,他们开始了无情的全球巡演,乐队也成为新生代死亡金属的一支公认的中坚力量。
1992年,他们达到了一个新的里程碑,他们成了第一支也是唯一一支与主流公司签约的死亡金属乐队。Covenant(盟约)证明了象MORBID ANGEL这样的毫不妥协的brutal乐队不光可以在主流公司发行唱片,还可以在那片土地上茁壮成长。1995年的Domination(统治)更证明了这个观点,其中充斥的slime-ridden吉它阐明了乐队的现状:一个不断发展壮大的有机的机器,以对发展难以抑制的渴望作燃料,以不可停止的意志来驱动。1997年Steve Tucker作为贝司手兼主唱的加入,是乐队的又一个重要的转折点。他的热情、专业级的乐感和真正的死亡金属vibe,使得1998年的Formulas Fatal to The Flesh成为MORBID ANGEL的一次盛大的回归,他们为死亡金属运动开辟了一个新的繁荣的纪元。几乎到了每块大陆的全方位的巡演,看出Tucker已成为乐队整体不可缺少的一份子,也证明在现在这个时代,极度的音乐仍能引起极度的响应。Formulas,加上最先的两张经典和在主流公司出的两张专辑、一张名为Entangled In Chaos的现场,在全世界共卖出了50万张。这些masters重新为自己树立了形象。2000年,又一张杰作公诸于世。动力四射、激情的黑暗曲调和复杂的节奏,Gateways To Annihilation(灭绝之门)为我们展示了过去、现在和将来死亡金属里及超越死亡金属以外的所有东西。这是一面真实自我的镜子,这是生存的节奏。这支乐队又重新定义了他们所开创的这一音乐类型。
有需要该专辑的朋友请与我联系,我会发给你。
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29.Deepest Purple-Burn
“深紫”乐队的美学思想是建立在英国对布鲁斯音乐进行改良的观念之上,通过大功率的扩音设备表达出来。
乐队1968年成立于伦敦,初时名为“迂回”在进行北欧巡演后,乐队更名为“深紫”。与Led Zeppeline、Black Sabbath并称为英国摇滚乐奠基人的Deep Purple深紫乐队,尽管历经7代成员的变革,(不同时期曾经参与过乐队的成员竟多达13位),却一直如同一棵常青树,保持着旺盛的生命力,活跃在国际乐坛,可谓摇滚乐历史上的一支不朽的传奇。
“Deep Purple深紫”乐队自1968年乐队成立以来,三十年的时间里,共发表了17张专辑,单曲,精选,及各种不同版本的再版唱片更是多达140余张之多。全球唱片总销量超过1亿张,仅次于“Beatles甲克虫”乐队,并且遥遥领先于另一支曾经有望来华演出的乐队——“Rolling Stone滚石(人物,图库,视听,唱片)”。
1972年,乐队的里程碑专辑《Machine Head》中产生了那首可以被永载摇滚乐史册的名曲《Smoke on the water》。这首Deep Purple乐队的标志歌曲不但被广大新音乐爱好者评为圣歌级的佳作,更是在广大流行音乐爱好者中深入人心,成为在欧美各大小Disco和Club中最早、播放率最高的混音版摇滚歌曲之一。1973年David Coverdale和Glenn hughes加入后,在1974年乐队出版专辑《Burn》,BLUES音色和FUNK元素的大量引入,显示了他们深厚的创作功底。1974年,吉他手Ritchie Blackmore离开乐队,转而组建了另一支在摇滚乐历史上拥有显赫地位的“彩虹”乐队。随后,Tommy Bolin加入,便在1975年出版专辑《Come Taste the Band》。
1976年6月,在举行英国告别巡演后,Deep Purple宣布了临时解散。主唱David Coverdale退出后,组建了又一支具有重量级地位的重金属乐队-Whitesnake“白蛇”。6个月之后,吉他手Tommy Bolin死于事故。1980年初,Lord paice加入”白蛇”乐队,而贝司手Roger Glover追随Blackmore加入了“彩虹”。1984年Blackmore、Gillan、Glover、Lord和Paice再次聚首,重组了“Deep Purple”。1990年,在出版了专辑《Slaves & Masters》之后,Gillan第三次加入“Deep Purple”。1993年,Blackmore这个被无数吉他手推崇为“吉他英雄”的著名吉他手再次离队,重组了他的“彩虹”。而没有了Blackmore的“Deep Purple”又加入了Steve More这个新鲜血液。
1996年,再次变革的Deep Purple发表了专辑《Purpendicular》,并且在那一年进行了大规模的世界巡演。三十年来Deep Purple深紫乐队的巡演的脚步遍布了世界上110多个国家和地区。因其具有高超的技术和强烈的现场感染力,所到之处无不成为摇滚乐迷,特别是新音乐爱好者的节日。2003年发表最新专辑《Banana》之后,年过六旬的Deep Purple再次开始了他们的巡演之旅。
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30.Louis Armstrong- Moon River
如果要找出一位在爵士乐早期发展中最具影响力的人物,大多数人会选择路易斯.阿姆斯特朗。有人认為,在我们今天可以听到的各种流派的爵士乐中,都有Armstrong留下的宝贵的遗產。
Armstrong出生於1901年8月4日,他出生於一个新奥尔良的贫穷的黑人家庭。他的父亲是一名工厂的工人,母亲是一名女佣。
值得一提的是在他13岁时,由於在圣诞之夜,他拿了一把不知道从哪搞到的左轮手枪向天空开枪,因此被送进了当地的一家感化院。在那裡,一名小号演奏家Peter Davis成了Armstrong的小号啟蒙老师。Armstrong在感化院呆到18岁,在那裡度过了其演奏生涯的最初岁月。
离开感化院后,Armstrong开始加入了一支乐队,该乐队中拥有当时著名的小号演奏家Joe Oliver。Oliver从一开始就对Armstrong的才华十分看中,并带Armstrong加入了他在芝加哥的乐队。最让Armstrong兴奋的事情是进录音棚,而录音师不得不将他的位置放在其他乐手的后面20米处,因為他的音色实在太有力量了,即便Oliver也无法盖住他的声音。
在1925年,Armstrong在芝加哥已被认為是世界上最伟大的小号演奏家之一。同年,他开始进行以他自己名字命名的专辑的录製。在后来的四年裡,最著名的是Armstrong在Hot five乐队及Hot Seven乐队时
录製的唱片。这些唱片标誌著爵士乐从以合奏為主导型向以独奏為主导型的转变,具有跨时代的意义。在1926年,年仅25岁的Armstrong已经被认為是爵士乐的标誌。他演奏的音色、力度、音域及技巧被无数的演奏者嫉妒和模仿。他的即兴演奏,更是為爵士乐从传统的黑人民歌和户外行进音乐中分离出来,形成特定的风格,奠定了基础。
1926年以后,Armstrong开始拥有自己的乐队。他来到纽约,录製他的新唱片,同时晚上参加当地电台的广播节目,这些都提高了他的知名度。1931年,他带领他的乐团远赴英国和欧洲,在那裡他们的演出取得了巨大的成功。Armstrong成為世界公认的爵士乐演奏家。
到了摇摆乐Swing盛行的年代,Armstrong的事业仍然处於高峰,他甚至还参加了几部电影的拍摄。他组织了一个很大的摇摆乐乐团,但在大乐队中,Armstrong的创造力似乎受到了限制,他的表现远不如在这之前在那些小型乐队中的表现。
1947年,Armstrong重新组织了一隻小型爵士乐团,该乐团曾经一度拥有Jack Teagarden、Earl Hines等大师级的人物。同这些优秀的爵士乐手在一起,Armstrong在50到60年代进行了他的世界巡迴演出。1964年底,他的唱片”Hello Dolly”取得了巨大的成功,该唱片已被誉為爵士乐的经典唱片之一。
毋庸质疑,Armstrong是爵士乐史上伟大的小号手之一。在本世纪20年代,没有多少人可以在小号上吹奏高音区的C。而Armstrong经常在演出中轻易的演奏出高音C,并且有时他的演奏中会出现高音F,这在当时是足以使他笑傲乐坛的。
Armstrong的演奏融合了高超的技艺,良好的节奏感,精湛的即兴演奏,迷人的音色和大跨度的音域,使得他的演奏能够很好的与观眾交流。作為一名出色的既兴演奏家,他最大的特点是将节奏的感觉与旋律的感觉相融合,不论这些旋律是即兴的还是事先创作好的。
Armstrong同时也是爵士史上伟大的歌唱家之一。他十分重视与观眾的交流,并且力图要能够使听眾愉快,这使他成為了一名具有喜剧色彩的表演大师。人们经常对他有两种看法,一种认為他是艺术家,另一种认為他是一般的娱乐大眾的表演者,持后一种看法的人认為真正的艺术家是不以娱乐大眾為目的的。但Armstrong认為,即使一个人将音乐视作生命,这也并不意味著他不应该為大眾表演和不被大眾所欣赏。
有人会问為什麼说Armstrong是爵士乐之父,难道没有Armstrong就不会產生爵士乐吗?当然,爵士乐还是会產生的,但没有Armstrong的爵士乐将不会有像今天这样的发展。
Armstrong是爵士中第一位被公认的音乐家,虽然那时的爵士乐还并没有被认為是一门有水準的音乐。儘管有时Armstrong的表演略微夸张,但他对音乐的把握还是证明了他的天才。他将爵士乐与布鲁斯音乐完美的结合。在Armstrong之后的爵士乐手的演奏中,你都可以听到他们所受的来自於Armstrong的影响。所以大多数的爵士乐手都认同Armstrong是爵士乐的先驱,是爵士乐的开创者之一。
Armstrong死於1971年7月6日。他為人们留下了丰富的爵士乐遗產,市面上Armstrong的合辑很多,同时人们更可以从以下的经典单曲中去欣赏大师当年的风采: “West End Blues”、”Savoy Blues”、”Potato Head Blues”、”Weather Bird”、”I’m Not Rough”以及”Heebie Jeebies”。
提起爵士音乐,人们最先联想到的人,很有可能是一位具有小丑般形象的,活泼可爱的小人物。他是一位声音沙哑的歌手,手中常常拿著一支小号。他以新奥尔良爵士乐风格,在迪克西兰爵士乐配曲下,演奏结构简单、富有戏剧性的作品。这个人就是路易斯·阿姆斯特朗。他是爵士乐坛无人不知、无人不晓的大人物。每一本关於爵士乐的书,都会提及他的名字。他对於爵士乐的重要意义,就好像古典音乐的巴赫,摇滚乐的普雷斯利。当然,阿姆斯特朗的成就远非上面简单的类型化的描述可以概括的。他是爵士乐歷史上最伟大和最重要的音乐家。他对於爵士乐的创新和普及的革新超过了其它任何人。甚至可以毫不夸张地说,在某种意义上,路易斯·阿姆斯特朗开创爵士乐的歷史。
从时间上来看,另外一位新奥尔良的爵士音乐家西德尼·贝彻的出现比阿姆斯特朗更早,但第一位灌制唱片的爵士乐独奏音乐家的荣耀无疑是属於路易斯·阿姆斯特朗的。他对爵十乐发展的贡献是功勋显著的。正是由於他的努力,爵士乐才从一种以合奏為主的民歌音乐形式,转变成為强调创造性的即兴独奏的音乐形式。路易斯·阿姆斯特朗在这个转变的过程中起到了至关重要的作用。
在早期的爵士乐演奏中,大多数音乐家还没有即兴演奏的概念。即便有了即兴的发挥,也都是大家一起完成的。合奏是最主要的演奏方式,这一点与今日的爵士乐演奏有很大的区别。这主要是当时的音乐家自身素质方面的原因造成的。那时的演奏者大多数是生活在社会底层的黑人音乐家。他们的音乐素养普遍较低,缺乏乐理知识,缺乏演奏方面的正规训练,因此,他们的音乐发展受到了限制。他们的音乐思想往往超越了他们的技巧所能达到的水平。有时,他们对於宗教的热诚在某种程度上,超过了对於音乐本身的追求。他们对於音乐的探索,更多的是為了表达他们对於神的威严和力量的敬畏。音乐更像是他们信仰的工具,就像印第安人在他们的造物主面前的舞蹈一样。
爵士乐超出了音乐本身,成為了黑人表达宗教虔诚的最佳方式。早期的爵士音乐家很难有正规的演出场所,他们经常出没的多是一些低级的酒吧或舞厅,乃至下等的妓院。难登大雅之堂是评论界对於爵士乐的一致性的看法。更準确地说,爵士乐当时还不是一种独立的音乐形式。它不但缺乏自身的特点,而且缺乏有代表性的杰出的音乐家。
爵士乐需要一位天才,在这个时刻出现,开创爵士乐的歷史,为爵士乐在音乐的殿堂中赢得一席之地。这份重担落在一位来自新奥尔良的黑人音乐家肩上。他的名字是路易斯·阿姆斯特朗。
路易斯 阿姆斯特朗是一位非常幸运的天才。如果他早出生二十年,他也许会成為一位精彩的民歌小号手,一位街头乐队的指挥,缺乏音乐素养以及个性的声音,整天為葬礼或是宗教仪式吹奏。如果他晚生十五年,或者出生在新奥尔良之外的其它地方,他将缺乏造就他音乐成就的深厚的音乐土壤,把自己的超凡的天赋埋没在南方某个炎热潮湿的小镇。
在早期的爵士乐音乐家中,阿姆斯特朗的音乐才华最為突出,他轻鬆的吹奏风格与二十年代初期的爵士乐的断奏风格有重大的变化。这变化虽然在今天看来是再简单不过的,但正是这种变化為三十年代摇摆乐时代的来临埋下了伏笔。
正是这看似平常的创新,将爵士乐领出了黑暗的探索的年代。在三十年前,当几乎所有的舞厅、酒吧和俱乐部中都充斥著这种极具美国特色的音乐时,人们也许意识不到这是阿姆斯特朗的贡献。在十年之前,爵士乐还只是下层黑人的专利。十年之后,爵士乐却已经成為了美国大眾最喜爱的音乐形式。虽然最终是白人音乐家使爵士乐赢得了美国大眾的心,但正是阿姆斯特朗的努力彻底改变了爵士乐的形象,他在音乐上的创新使爵士乐成為一种独立的音乐种类。阿姆斯特朗凭借实力证明了自己是一位天才的演奏家。他向人们显示出:同时拥有超凡的技巧,和对於布鲁斯的强烈感受并非是一件不可能的事情。
从1927年到1940年近二十年的时间裡,几乎每一位小号演奏家的演奏都多多少少受到阿姆斯特朗的影响。这一点足见阿姆斯特朗对於同时代的音乐家的影响力。
阿姆斯特朗不仅仅是一位小号演奏家,作為歌手,他也是极為成功的。多少年来,爵士乐的爱好者如醉如痴地模仿的正是他独特的声音,那种充满了无意义,但是有节奏的音节的即兴狂歌式的拟声唱法是他的专利。这不由得使人联想起九十年代的一些前卫的流行歌手的演唱。虽然他们採用了同样形式的演出方法,虽然他们努力标榜自己的前怀和新潮,他们只不过是重复了阿姆斯特朗在本世纪之初的演唱方式,而且在表演风格上他们更是逊色得多。
人们不得不讚叹阿姆斯特朗的创新意识。早在二十年代,阿姆斯特朗就首先成功地使用了拟声唱法,并最终使之成為爵士乐演唱的一大特色。他的演唱方法,影响到三十年代以后爵士乐坛上的每一位歌手。这包括了四十年代的歌王平·克劳斯比,爵士乐最具魅力的女歌手比莉·荷莉戴和驰骋歌坛六十年的常青树弗兰克·西纳特拉。
另外,阿姆斯特朗幽默、热情的舞台表演风格是使爵士乐受到大眾欢迎的主要原因。许多年轻人正是由於听了或看过他的演出之后,开始喜欢上爵士乐的。他是出现在各种媒介上频率最高的爵士乐音乐家,即使是在九十年代的今天,阿姆斯特朗的音乐还经常在广播和音乐会的节目单上出现。数以百万计的人通过阿姆斯特朗接触到爵士乐,许多人通过阿姆斯特朗而认识并最终喜欢上爵士乐。因此,当阿姆斯特朗的全球巡迴演使他赢得了「美国亲善大使」的美称之时,没有人会感到奇怪。
阿姆斯特朗对於将美国文化推向世界的贡献是无法估量的。(请注意!他和拳王阿里一样都是在美国社会中不佔主流的黑人的代表。〕奇怪的是,几乎没有人在阿姆斯特朗的早年预料到他后来的伟大成就。
1901年8月4日,路易斯 阿姆斯特朗出生在美国南部路易斯安那州新奥尔良市最贫穷落后的黑人居住区。他的出生证直到八十年代才被发现,以致於长期以来他的出生日期一直被误认為是1900年7月4日。
生活在贫民窟中的阿姆斯特朗从小就喜欢唱歌,但是贫穷使他没有学习正规的声乐,人们也不会认為一位黑人会成為伟大的歌唱家。他有时参加少年合唱队在街头的演唱,挣些零花钱,有时会在教堂唱诗班中一展歌喉。对於出身贫寒的阿姆斯特朗来说,唱歌是他童年最快乐的一件事情。唱歌可以使他忘生活中的烦恼,為艰难的生活增添几分情趣。
1912年除夕之夜,阿姆斯特朗从小伙伴那裡搞到一把手枪,那不是玩具而是一件真正的武器。好奇的阿姆斯特朗感到前所未有的兴奋,他朝天鸣枪,希望以此送走过去一年的不幸,迎接新的一年的到来。然而,在寂静的夜空中,枪声显得格外的响亮,不但吓坏了周围的小伙伴,而且惊动了警察。警察不认為这很有趣,不认為这只是少年的玩笑而已。他们注意到了阿姆斯特朗的肤色,於是认定这是对於社会治安的威胁和破坏。他们不由分说逮捕了阿姆斯特朗,并以「非法持有枪支」的罪名,将他送进了「流浪儿之家」。这裡可不是什麼慈善机关的公益组织,而是少年犯管教所的一种更為「文明」的称呼。
这一年,路易斯·阿姆斯特朗只有十岁。这次经歷是他人生的转折点。虽然这裡不是正规的音乐学院,但从这裡走出了爵士乐最伟大的音乐家。正是在「流浪儿之家」的日子裡,寂寞孤独的阿姆斯特朗学会了演奏短号。两年之后,离开「流浪儿之家」阿姆斯特朗开始了新的生活。他在新奥尔朗各式的爵士乐队和铜管乐队中演奏,他的技艺进步飞快,表现出非凡的才华。当时爵士乐最著名的演奏家金 奥利佛发现了这位少年身上潜在的能力,他认定了这位少年前途无量。在生活上,奥利佛对阿姆斯特朗关心倍至;在音乐上,对他悉心指导。在他的帮助下,阿姆斯特朗逐渐成长為一位优秀的短号演奏家。
1918年,当奥利佛离开新奥尔良时,他推荐阿姆斯特朗接替他在长号演奏家基德 奥赖领导的流行乐队中的位置。四年之后,又是奥利佛邀请阿姆斯特朗前往芝加哥加入由他领导的「克裡奥尔人」爵士乐队,担任第二短号手。
1922年到1924年期间,金 奥利佛领导了当时美国最好的爵士乐队。这支「克裡奥尔人」爵士队拥有十位成员。儘管强调团体的即兴演奏,但同时也為个人独奏留出了一定空间。金 奥利佛是一位出色的短号演奏家,他虽然没有直接影响阿姆斯特朗的演奏风格,却激发了阿姆斯特朗的潜力。正是这个技艺出眾的乐队良好的音乐环境造就了阿姆斯特朗没多久,天资聪颖且勤奋好学的阿姆斯特朗就在演奏水平上超越了奥利佛。幸运的是,这个二十年代初最具影响力和代表性的乐队在1923年曾為四家唱片录製了41首乐曲,使我们在今天能够有机会欣赏到两位大师精彩的合作。
后来在钢琴家莉 哈登(她是阿姆斯特朗四个妻子中的第二个〕的建议下,阿姆斯特朗离开了「克裡奥尔人」爵士乐队。他的新选择是纽约的弗莱切·汉德林乐队。汉德林是早期爵士乐发展史上一位重要的乐队指挥,当时,他领导的大乐队被一致公认為是爵士乐坛最出色的乐队。虽然如此,他们还是不知道如何演奏强烈节奏的爵士乐,如何演奏即兴的独奏,如何演奏布鲁斯音乐。当时,纽约的音乐家的普遍水平远远不及芝加哥的音乐家,阿姆斯特朗的到来无疑给纽约的爵士乐注入了一针兴奋剂。他高超的演奏技巧振奋了这些一向自我感觉良好的纽约音乐家,他们惊异地发现世界上居然还有如此出色的演奏家。
在阿姆斯特朗的鼓舞下,他们的潜力被开发出来,灵感的火花在阿姆斯特朗的撞下击下迸发,汉德森乐队成员的技艺突飞猛进,迅速地将纽约其它的乐队远远甩在后面。就是在这个时候,人们第一次感受到路易斯 阿姆斯特朗给爵士乐带来的衝击。他好像是催化剂,推动了爵士乐的演变,他的出现使爵士乐的面貌焕然一新。
在参加汉德森大乐队演奏的同时,阿姆斯特朗常常参与布鲁斯歌手的演出,他為当时的布鲁斯歌手担任伴奏。当时最著名的布鲁斯女歌手贝茜 史密斯和玛·雷尼都曾和他同台演出。布鲁斯强烈的、富於情感的演出极大地影响了阿姆斯特朗,他的演奏风格中由此增添了重要的成分--布鲁斯的情绪。这种情绪使爵士乐地单纯的技巧之外,增添了更多的思想。音乐的感染力上了一个新的台阶。
阿姆斯特朗善於博采眾家之长,在克拉伦斯 威廉姆斯的「蓝色五重奏」和西德尼 贝彻的乐队中的演奏经歷都為他积累了宝贵的经验。
1925年,羽翼丰满的路易斯 阿姆斯特朗决定离开纽约,重返芝加哥开创自己的事业。他将不再是其他大师身边的配角,而成為永远的主角。
1925年至1927年期间,阿姆斯特朗的经典作品一首接一首。著名的「热门五」和「热门十」 系列录音就是这个时期的佳作。他的演奏伙伴包括短呈演奏家约翰尼 道兹,长号演奏家基德 奥赖,钢琴家莉 阿姆斯特朗(他的妻子〕和班卓琴演奏家翰尼 圣塞尔。这个时期正是新奥尔良爵士乐的顶峰时期,有一个非常有趣的现象:新奥尔良爵士乐衰落的重要的原因,也正是由於乐队的演出中过分强调了阿姆斯特朗作為独奏家的地位。
1927年,阿姆斯特朗从短号演奏转向音色相近的小号演奏,他在《CORNER CHOP SUE》一曲中的演奏使演奏小号的同行们大吃一惊。他们惊叹又多了一位强有力的对手,而且其风格和技法远远走在所处时代的前列。《马铃薯脑袋》和《搂著水灵妞趾高气扬》中结构严密、令人震撼的独奏确立了阿姆斯特朗作為二十最优秀的小号独奏家的地位。
作為歌手的阿姆斯特朗也非常成功。他在《HEEBIES JEEBIES》一曲中,第一次展示出自己的独特的歌喉和超群的演唱技巧,他的拟声唱法由此开始风行一时。
1928年,阿姆斯特朗在录音棚中组建起一支全新的乐队,这就是著名的「萨伏伊舞厅五重奏」。这支乐队的特点是:长号和短号不再作為乐队最主要的音源,而只是用於增加音乐的色彩,乐队更强调小号和钢琴的交互演奏。这种变革是爵士乐的又一创新。爵士乐由此脱离了早期单纯的铜管乐器演奏為主的相对单调的形式,钢琴地位的突出大大丰富了爵士乐的表现力。著名钢琴家厄尔 海恩斯的加盟使这种变革成為了可能。一曲《西区布鲁斯》以其开场的小号华彩乐段而引人注目,许多人,甚至包括阿姆斯特朗本人都认為这是爵士乐歷史上最伟大的单曲之一。《气象鸟》是阿姆斯特朗和海恩斯的经典二重奏,听眾可以从中发现两人成功地利用了每一次表现的机会。
路易斯在同一时期的作品《圣詹姆斯的虚弱》以及《港湾街布鲁斯》都是经典版本,比起以后任何的著名的版本都毫不逊色。阿姆斯特朗的乐队有一个非常显著的特点:「热门五重奏」乐队和「热门七重奏」乐队只有在成员一人不缺,全部在位的情况下,才在公眾场合演出,乐队每一位成员都是不可缺少的,他们完美和谐的组合是乐队成功的秘密。 雄心勃勃的阿姆斯特朗不会把自己局限在录音棚或乐池之中,热情洋溢、机智幽默的他更愿在舞台上展示自己的才华。在芝加哥,他曾参加厄斯金 泰特和卡罗尔 迪金森领导的大乐队的演出。他无疑是大乐队中的重要人物,更多的演出為他的舞台表演增加了实践的机会,他迅速成為吸引观眾的表演天才。人们喜欢他的精彩表演,喜欢他独特的演唱方式,更喜欢舞台上他幽默詼谐的表演。
从1929年起,阿姆斯特朗成為了他参加的各种大乐队中当之无愧的领袖人物。他这种独一无二的角色,唤起了人们对於那个时代超级流行的标準曲的注意,例如单曲《除爱以外我能给你一切》就是由於阿姆斯特朗的演唱而成為了流行的经典。阿姆斯特朗充分利用了自己的才华和远见,以及乐迷的信任和支持,将一大批作品推到了经典的高度。凭借这些作品的成功,阿姆斯特朗奠定了自己在爵士乐坛上大师的地位,在其后十年时间裡,路易斯 阿姆斯特朗成了一位家喻户晓的人物。
1932年到1934年期间,阿姆斯特朗先后两次访问欧洲。在旧大陆,他同样受到了热烈欢迎。虽然大萧条沉重打击了美国爵士乐,但在大洋彼岸的欧洲,人们对於爵士乐的热情却有增无减,阿姆斯特朗為爵士乐走向世界作出了突出的贡献。
与此同时,日益繁盛的电影事业吸引了阿姆斯特朗的注意力,他开始走上银幕展示他的表演才华。由於他的肤色,在当时的社会环境下,阿姆斯特朗只能在影片中出任小角色,然而,这丝毫没有影响阿姆斯特朗才能的发挥。他凭借自己的魅力引人注目,让他所饰演的每一个小角色都栩椐如生。
从这时起,阿姆斯特朗开始将摇摆乐风格引入大乐队的演奏,儘管这只是作為他的演唱和小号独奏的背景音乐,但这一变化迅速之间成為爵士乐的潮流。后来的评论家一致认為,他最高级的演奏是1928年和海恩斯的二重奏,而从1935年到1944年大乐队时代,他為德猕唱片公司录製的曲子充满了浓厚了商业气息,新颖的曲调极為流行。阿姆斯特朗像一位魔术家一样,為自己每一张唱片,每一首单曲都加入了神奇的魔力。在四十年代初,他达到了自己事业的顶峰。
然而,到四十年代中期,人们感觉到路易斯·阿姆斯特朗正逐渐脱离自己的风格,他似乎失去了鼎盛时期的感觉,他的乐队地位开始下降。他的独奏和小丑般詼谐的声音同他年轻的、更趋向於波普风格的伴奏者相比显得不那麼和谐。有人甚至说阿姆斯特朗老了。阿姆斯特朗用实力捍卫了自己的地位,他和一些经验丰富的音乐家一起参加了好莱坞影片《新奥尔良》演出,影片大获成功。人们在电影院裡重新见到了幽默、可爱的阿姆斯特朗的形象。
1947年在城市音乐厅阿姆斯特朗同一支小型乐队合作演出,受到观眾的热烈欢迎。阿姆斯特朗顺应时代的潮流解散了大乐队,组建起著名的「全明星」乐队。乐队最初的六位成员包括长号演奏家杰克· 蒂加登和单簧管演奏家巴尼·毕加德,不久,钢琴家厄尔·海恩斯加盟,迅速之间,乐队走红。乐队中明星薈萃,光彩四射,完全不亚於时髦的波普爵士乐乐队。
在表演迪克西兰爵士乐和摇摆乐经典的同时,「全明星」乐队演奏喜剧曲目,收到了良好的舞台效果。阿姆斯特朗开始编製巡演时间表,不间断的演出便他应接不暇。在常年的巡迴演出之后,正如人们预料的那样,评论界厌倦了年迈的阿姆斯特朗,他们认為阿姆斯特朗已经老了,失去了昔日的活力和风采。他不能像年轻的一代那样创出什麼新的音乐理论,新的音乐风格,他只是在重复昔日的成功,年轻一代的爵士乐听眾不再对他感兴趣。
如果说这是保的种族偏见的白人评论家的一面之词,那麼黑人民权组织的批评未免有些失之公允,他们把阿姆斯特朗看作是一位汤姆大叔式的人物(註:美国女作家斯托夫人1852年发表的小说《汤姆叔叔的小屋》的主人公,是逆来顺受的黑人代表),这些都是客观事实,然而,一个确凿的事实不容忽视:阿姆斯特朗常常站出来為他的种族说话。最著名的一次发生在六十年代南方分校运动当中,当时阿姆斯特朗不顾白人种族主义者的威胁,勇敢地在公眾面前宣称自己支持南方黑人的斗争。这种勇气绝不是一个胆怯的「汤姆大叔」能具备的。在阿姆斯特朗活泼欢快、无忧无虑的外表下蕴藏的是坚强和胆识。他不同於激进的黑人音乐家,他在自己的音乐实践中传播的不是对立和仇视,而是友善与和解。在这方面,他所做的工作超过任何人,他用自己的音乐使白人和黑人坐到同一座看臺上。也许他们还不会伸出和解的手,阿姆斯特朗的音乐已经在他们的心灵之间架起了一座沟通的桥樑。
阿姆斯特朗以其精湛的演奏技巧彻底打破了陈规的束缚,世界各地的听眾都喜爱他欢快的歌声以及他令人振奋的小号演奏。在演出中,他考虑最多的不是自己报酬多少和名分多高,最关心的却是对得起花钱来看演出的人。阿姆斯特朗这种高度的敬业精神无可挑剔,堪為每一位当代音乐家的楷模。
四十年代之后,阿姆斯特朗的音乐确实没有太大的改进,但同时期的约翰尼·霍奇斯和特洛尼斯·蒙克也是如此,我们没有任何理由去怀疑阿姆斯特朗的才能。
五十年代,厄尔·海恩斯离开了「全明星」乐队。蒂加登和毕加德也分别被特鲁米·扬和爱德蒙·霍尔取代。阿姆斯特朗偶尔也会参与一次大乐队录音,或是同埃拉·菲茨杰拉德合作演出。他发现自己的声望还在上升,他的乐迷队伍并未随著时间的流逝而减少,相反随著新一代人的成长,他的音乐赢得了越来越多的听眾。《越桔小山丘》、《MACK KNIFE》和《你好,多丽》等等热门曲都是这个时期的代表作。
1971年7月6日阿姆斯特朗逝世,没有一位爵士乐音乐家能能够像他一样家喻户晓,深入人心;没有人像他一样赢得世界各国人们的喜爱。他的作品在过去的三十年内几经再版。这使得路易斯·阿姆斯特朗这个爵士乐坛最伟大的名字永远留在人们心中。
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31.Madonna-Don’t_Cry For Me,Argentina
1958年出生于底特律的麦当娜,六岁就失去了母亲。1977年,她移居纽约,跟随名编舞大师艾文艾利(Alvin Ailey)学习舞蹈,希望能够成为一个芭蕾舞者,平常在时报广场打工,卖甜甜圈,偶而也充当模特儿。1979年,在才艺比赛中赢得舞蹈奖学金之后,她前往巴黎,为人当合音歌手,努力的尝试进入歌坛。回到美国后,她跟在巴黎结识的男友共组‘早餐俱乐部’乐队,起先她担任鼓手,后来成为主唱,1982年,在纽约一位DJ的协助之下,她以重新混音的Demo带得到华纳机构旗下Sire唱片公司的合约。同年年底,她的首支单曲‘Everybody’风靡于舞曲界,开始受到注意。
1983年夏天,她以第三支单曲‘Holiday’首度打进排行榜,首张同名专辑随即推出,其中的‘Lucky Star’在1984年秋天获得全美第四名。接着,第二张专辑‘Like a Virgin’推出,同名单曲在1984年十二月二十二日夺得连续六周冠军,使她就此轰动全球,大家都注意到这位以玛丽莲梦露造型特立独行的歌坛新秀,而她的大胆作风也一再地成为话题的焦点。透过精心拍摄的音乐录影带,以及获得全美亚军的‘Material Girl’,更让这位高唱‘唯物’主义的女郎红透了半边天。很快的,她击垮所有对手,成了歌坛最新的天后。在1985年,麦当娜的专辑唱片不但在世界各地狂卖好几百万张,她也开始巡回演唱。除了登上大银幕,主演第一部卖座与风评都非常凄惨的电影外,她还获得机会,为电影【夺标二十七秒】(Vision Quest)演唱其中的插曲‘Crazy for You’,再度夺得冠军。
‘Crazy for You’歌曲的作词者,是曾经以卡本特兄妹的‘Top of the World’大受推崇的约翰贝提斯(John Bettis)。当时,他和作曲家乔林德(Joe Lind)搭档,应华纳电影公司音乐部门的要求,为【夺标二十七秒】谱写插曲。他们看过剧本之后,决定在男女主角坠入情网、在俱乐部共舞的时候,加上‘Crazy for You’这首歌。交件之后,贝提斯和乔林德接到电影公司的通知,说是负责制作该片音乐的大师菲尔瑞蒙(Phil Ramone)非常喜欢这首歌曲,决定让麦当娜来主唱,他们的反应是大为震惊。当时,麦当娜已经因为首张专辑里的‘Borderline’而引起广大的注意,在他们的印象里,玛小姐的歌艺实在有问题,她怎么会有能力把这首歌曲唱好呢?但是,歌曲都已经交出去了,他们也不方便多表示意见。
不久,制作单位邀请他们去旁听麦当娜录制这首歌曲。那次的录音非常不顺利,他们两人只觉得非常沮丧,因为好好的歌曲被糟蹋了,他们甚至还怀疑,最后歌曲很可能会被删除不用。事后,贝提斯前往英国,参与汤姆克鲁斯新片【黑魔王】的拍摄。当他回到美国的时候,乔林德打电话给他,说是麦当娜的录音已经完成了,要他过去听听看。正式完成的‘Crazy for You’,跟当初他们在录音室里听到的感觉已经完全不同,原来,制作人找了一个新人来负责重新编曲,坚持不用任何电子合成乐器和电子鼓,并且加上了和声的部分,让麦当娜的歌声显得有如脱胎换骨。歌曲上市的时候,麦当娜已经因为‘Material Girl’和‘Like a Virgin’引起了极大的议论,青少年固然为她着迷,以成年人为主要对象、专门播放抒情歌曲的电台却对她没有什么好感,‘Crazy for You’改变了她的命运,让她也被成年人接受了。‘Crazy for You’推出的时候,正逢‘We Are the World’的热潮,在亚军的位置上停留了三周,贝提斯本来以为这首歌的成绩就只有这样了,没有想到它幸运的取代了‘We Are the World’,也让麦当娜拿到了第二个冠军。
二十世纪演艺界备受瞩目的名女人很多,论才华、论美貌,麦当娜都不能算是顶尖的,但是她向传统礼教挑战的前卫作风,却使她不论在台上还是台下,永远都是媒体注意的焦点,这点的确是很少有人可以跟她相比拟的。尽管许多专门报导小道八卦新闻的媒体追逐着她,而且重点从来不放在她的音乐上,她仍然拥有了无数的歌迷和崇拜者,其中甚至包括了许多做着明星梦的青少女,她们都模仿着她的妆扮和惊世骇俗的价值观。从1985到1987年间,麦当娜又陆续推出一连串畅销单曲,除了终于被成年人接受的抒情曲‘Crazy For You’之外,还有她亲自参与谱写的‘Into The Groove’,以及充满叛逆精神的‘Papa Don’t Preach’。1989年,她的‘Like A Prayer’引起了更大的争议,在配合歌曲推出的MTV里面,不但十字架遭到焚烧,她还把宗教和色情结合在一起,引来了梵帝冈的批判,连百事可乐也招架不住而取消了原本说好要提供的赞助。只是,这一切负面的报导却反而更提升了她的知名度,唱片销路也扶摇直上。进入90年代之后,她更加的变本加厉,不论舞台或推出的写真集,都几乎与春宫没有多少差别,但依然大受欢迎。
麦当娜的歌喉或许实在有点贫乏,可是歌声从来不是她最主要的卖点,因为她是以视觉取胜的。如果你不是太过于古板的卫道人士,她的MTV都保证‘大有看头’。1990年,华纳机构为她发行了首张精选集‘The Immaculate Collection’,相同标题、同样曲目的MTV精选集也顺势推出。这张可以视为麦当娜演艺生涯第一部份(1984~1990)成绩单的精选集,总共收录了十七首对于麦当娜迷们来说,简直是‘无瑕’的‘完美’畅销曲,一步步的展现出这位‘百变女王’的蜕变。选自她首张专辑的‘Lucky Star’和‘Borderline’,是她首度打进排行前十名的单曲,假如我们透过Video来观察,我们可以看到,当时的她似乎只是个喜爱新潮打扮的女郎,并没有太多‘作怪’的地方。到了‘Like a Virgin’和1985年的‘Material Girl’,她已经开始展现向传统礼教挑战的性感特质,烟视媚行、让人惊艳、也留下了深刻的印象。如果你留意一下,你会发觉‘Material Girl’里面的‘男主角’是曾经以‘纳许维尔’(Nashville)电影和其中的插曲‘I’m Easy’走红一时的男歌手凯斯卡拉定(Keith Carradine)。
选自‘True Blue’专辑的单曲,包括了具有拉丁海洋风情的‘La Isla Bonita’,以及‘Papa Don’t Preach’和‘Open Your Heart’。当时她在歌坛正与推出‘True Colors’专辑的辛蒂露波(Cyndi Lauper)短兵相接,两人各有不同的作怪方式,相较之下,麦当娜果然是‘略胜一筹’。在‘Papa Don’t Preach’里面,她扮演一个叛逆的未婚妈妈,要求观念保守的父亲不要说教。‘Open Your Heart’更大胆,她成了一个‘偷窥秀’的脱衣舞女郎,挑逗着那些偷偷花钱去‘洗眼睛’的老老少少,让他们‘看得到、吃不到’。
1989年引起轩然大波的‘Like a Prayer’,当年由于宗教界的抗议和抵制,电视上很少能够欣赏到完整的版本,你不妨仔细的看看,究竟是哪些镜头惹来舆论的物议。同一张专辑的‘Express Yourself’,是‘火线追缉令’导演大卫芬奇首度帮麦当娜拍摄的MTV,花费了一百万美元。而在‘Oh Father’里面,她又让人意外的表现出她真情的一面,唱出了对父亲的思念。最后的‘Vogue’也是麦当娜非常重要的代表作,因为她把自己独特的舞蹈风格作了精彩的呈现,也开创了‘浩室’舞曲的新潮流。
不论你是否欣赏麦当娜,都无法改变她在二十世纪末期演艺界的地位,话题女王麦当娜的下一步棋究竟会怎么走,永远是没有人可以预测的。而尽管她的歌喉在先天上受了许多限制,但她始终非常努力的追求自我的表现,这倒是没有人能够否认的。
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32.Dixie Chicks-Landslide
在过去的乡村歌坛,一般的歌手或者合唱团,多半都是‘纯唱歌’的,即使偶而有些具有乐器演奏的能力,也不过是弹弹吉他。但是,自从阿拉巴马(Alabama)合唱团崛起后,情况有了很大的改变,特别是合唱团,不但要能唱歌,更往往需要个个精通好几样乐器。‘狄西女子三人组’(以下简称DC)就是个很好的例证。三位女团员,除了担任主唱的娜塔莉缅恩丝(Natalie Maines)比较少负责演奏外,另外的两位艾弥丽尔文(Emily Erwin)和玛莉赛黛尔(Mary Seidel)分别都能够演奏好几种不同的乐器。
该团体与1989年成立,当时,擅长小提琴的玛莉赛黛尔和她精于班究琴的妹妹艾弥丽尔文在达拉斯结合了贝司手萝拉林区(Laura Lynch)与吉他手萝冰琳梅西(Robin Lynn Macy),根据资深摇滚乐队Little Feat的名曲‘Dixie Chickens’得来的灵感,把团体命名为‘Dixie Chicks’,开始在街头卖艺。没有多久,就因为赛黛尔在全美小提琴大赛中获得第三名,而得到进入各大俱乐部表演的机会。早期的她们以经典的女牛仔形象,演出融合了传统乡村、民谣与青草地民歌,甚至在1990年为一家独立品牌的小公司灌录了首张专辑‘Thank Heavens for Dale Evans’。
1992年,DC推出第二张专辑‘Little Ol’ Cowgirl’后,开始逐渐转为一种比较流行的声音,主要是因为梅西在这个时候决定退出。她们继续由林区担任主唱,以三重唱的姿态复出,并且在1993年推出了‘Shouldn’t a Told You That’,更获得机会,为葛司布鲁克斯(Garth Brooks)、乔治史崔特(George Strait)等超级巨星的演唱会暖场。她们的精彩表现,终于引起了主流唱片公司的注意。1995年,Sony唱片决定重新开发休业已久的Monument厂牌,把DC签到旗下,但是就在这个时候,林区也决定退出。后来,林区接受达拉斯观察家杂志的访问,透露了‘内幕’,原来她和梅西都不是自愿离开的,而是因为赛黛尔和尔文两姊妹坚持要营造一种比较‘年轻’的形象。该杂志用‘乡村版的Menudo’来形容DC,因为来自波多黎各、曾经拥有瑞奇马丁(Ricky Martin)的这支着名拉丁偶像团体,多年来就始终坚持团员年龄不得超过十六岁,凡是‘到达年龄’的团员,就必须被迫退出。为了替补林区主唱的空缺,两姊妹找来了出身音乐世家、当时二十一岁的娜塔莉缅恩丝。为了参加合唱团,缅恩丝还不惜决定放弃进入大学深造的机会。
缅恩丝的加入,让DC的阵容终于底定。她们开始改变造型,不再以女牛仔的形象出现,取而代之的,是崭新、而又充满青春气息的流行服饰,同时在音乐方面,也以更加‘现代化’、可是却仍然与传统结合的风格出击。1997年秋天,Monument以她们的单曲‘I Can Love You Better’打头阵,很快的就夺得‘告示牌’乡村排行的第七名。1998年一月,‘Wide Open Spaces’专辑正式推出,起先专家们并不特别看好,但是‘There’s Your Trouble’和‘Wide Open Spaces’两首单曲都相继的夺得了乡村排行的冠军,到了六月份,这张专辑已经成为金唱片了。不到一年,它更卖出了超过四百万张。那年的十月,DC抱走了乡村音乐协会的‘最佳合唱团体’与代表最突出新人的‘水平线’奖,接着又在‘全美音乐奖’中获选为年度最受欢迎乡村新人。1999年二月,这张专辑更替她们夺下了‘最佳乡村合唱团体’与‘最佳乡村专辑’两项葛莱美奖。
三个如花似玉的摩登女郎,有着传统风味、却又无比新潮,健康而又可爱,DC的成功,不是没有道理的。她们确实充满了魅力与实力,难怪可以跨越乡村与流行的界线,成为有史以来最红的女子组合之一。
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33.Bob Marley-No Woman No Cry
在开始介绍巴布马利之前,我们得先来简单的认识一下‘雷鬼’这种音乐。所谓的‘雷鬼’,是一种牙买加特有的流行音乐,不过它的根源却是来自纽澳良的R&B。它的‘前身’,是一种叫做‘ska’的音乐,那是牙买加的艺人们在听到美国电台播放的纽澳良R&B歌曲后,以他们自己的方式来诠释的R&B,快节奏、充满变化,相当适合跳舞,在60年代初期大为盛行。后来,有一天,由于天气实在太热了,没有人可以忍受‘ska’的快节奏,于是他们把节奏放慢,而‘雷鬼’就这样诞生了。从70年代开始,它逐渐跃上国际舞台,更由于巴布马利的发扬光大,开始对西方热门音乐产生重大的影响。
巴布马利,原名‘劳勃奈斯塔马利’(Robert Nesta Marley),1945年二月六日出生于牙买加的农村,父亲是个中年白人,母亲则是个当时尚未成年的黑人少女。十四岁那年,他独自离家,前往牙买加首府京斯顿,跟随当地一位着名歌手拉斯塔费里安(Rastafarian)习艺,决心进入音乐界,并且在1962年灌录了他的首张单曲。1963年,他跟几位同门师兄弟共组‘Teenagers’合唱团,几度改名之后,成了‘The Wailers’,由巴布马利担任主唱。1964年,他们的‘Simmer Down’登上了牙买加排行的榜首,前后录制了大约七十首歌曲后,在1966年解散,为了生活,刚刚结婚的巴布马利只好到美国的工厂去打工。
1966年十月,巴布马利返回牙买加,跟昔日同伴彼得托许(Peter Tosh)与班尼李文斯顿(Bunny Livingston)重新组合‘The Wailers’,除了自组唱片公司,并且一起教授恩师拉斯塔费里安传授给他们的技巧与理念。1968年起,这支三重唱灌录了不少经典,更在1971年再度另组‘TuffGong’唱片公司。由于表现出色,‘Island’唱片在一年后签下了他们的发行业务。1973年,他们加盟‘Island’的首张专辑‘Catch a Fire’,让他们的作品首度跨出国门,立即在国际上获得了广大的注意与好评。接着,他们又推出‘Burnin’’专辑,其中的单曲‘I Shot the Sheriff’,后来因为艾瑞克莱普顿的翻唱,获得全美排行冠军。除了担任主唱,巴布马利还负责几乎所有歌曲的谱写,据说‘I Shot the Sheriff’歌中射杀警长的情节就是他自己的‘自白’。
‘I Shot the Sheriff’所带来的知名度,本来已经可以让他们更上层楼,但是托许与李文斯顿两人却突然决定退出、展开个人生涯,巴布马利只好把妻子丽塔与其合唱团的另外两位女歌手一并吸收,以这个新的阵容推出了‘Natty Dread’专辑,同时展开世界各国的巡回演唱,专辑中的‘No Woman, No Cry’在英国打进排行前四十名,而他们在伦敦的演唱会门票也销售一空。他们在包含各种不同种族的观众前表演的实况,被录制成专辑‘Live!’,加上1976年获得全美专辑排行第八名的‘Rastaman Vibration’,巴布马利已经在国际主流市场上扎下了厚实的根基。
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34.Dire Straits-Brothers In As
身为‘险峻海峡’团长与灵魂人物的马克诺弗勒,1949年八月十二日出生于苏格兰的格拉斯高。他从小热爱音乐,十五岁那年拥有了他的第一把电吉他。后来,他进入大学,主修新闻,毕业之后成为约克夏晚邮报的记者。在为报社撰写有关摇滚歌手吉米罕醉斯(Jimi Hendrix)暴毙事件的专题报导之后,开始对演艺事业有了浓厚的兴趣,特别进入一支蓝调团体,花了两个月的时间观察与学习,然后组成一支自己的乐队‘Cafe Racers’。没有多久,他又把乐队改组,这回成员包括了他的弟弟大卫诺弗勒(David Knopfler),还有另外一个活跃于录音室的鼓手皮克威瑟斯(Pick Withers)等人。
1977年,他们在一项庞克音乐节的活动中得到第一次亮相的机会,威瑟斯的一个朋友看他们的财务状况相当危险,开玩笑的建议他们改用‘险峻海峡’为名,他们欣然同意,到了第二次再获得表演机会的时候,就正式的改名为‘险峻海峡’了。在这个同时,他们也努力的寻求唱片公司的支持。1977年底,他们所录制的一卷DEMO带,被BBC伦敦电台的一位主持人听到了,对于其中马克诺弗勒所谱写的一首‘Sultans of Swing’大为激赏,于是在自己的节目中予以播出,很多家唱片公司听到广播,展开了争夺‘险峻海峡’的行动,最后由Phonogram唱片争取到了他们的加盟,随即进入录音室,把‘Sultans of Swing’重新录制后推出。起先,英国的市场对这首歌反应并不是很热烈,但是美国方面却完全不同,很快的在排行榜上爬升,使得英国的同胞们认真的重新聆听,结果这首歌在美国获得第四名,在英国也拿到第八名,为‘险峻海峡’带来了一个很好的开始。
‘险峻海峡’的首张同名专辑,在美国得到非常热烈的反应,也使得他们成了许多以播放专辑曲目为主的电台之喜爱。1979年,他们的第二张专辑‘Communique’反应更好,全球卖出了三百多万张。不过,就在他们开始录制第三张专辑‘Making Movies’的时候,大卫却突然决定退出,展开个人生涯。在另觅人选顶替之后,专辑顺利推出,虽然有乐评家指称他们在音乐上原地踏步,专辑仍然因为其中的单曲‘Romeo and Juliet’与‘Skateaway’大受广播界的欢迎,而成了金唱片。两年之后,充满冗长而富有实验性歌曲的‘Love Over Gold’专辑在英国获得四个星期冠军,其中的单曲‘Private Investigations’也夺得英国排行亚军。就在这时,威瑟斯也决定退出。
接下来的两年间,‘险峻海峡’很明显的走了下坡,专辑的销路大不如前。几度更改阵容后,另外一位吉他手盖伊佛莱彻(Guy Fletcher)在1984年加入,不但成了生力军,也成了往后马克诺弗勒的最佳拍档。为了扭转颓势,他们积极的策划下一张专辑。当时,他们的阵容,除了担任吉他手和主唱的马克诺弗乐之外,还包括了同样负责吉他的佛莱彻,以及键盘乐器手亚兰克拉克(Alan Clark)、贝司手约翰依尔斯利(John Illsley)和两位鼓手欧玛哈金(Omar Hakim)与泰瑞威廉斯(Terry Williams)。在正式录制之前,他们很认真的把所有考虑可能采用的作品,都录制成Demo带,其中包括了一首‘Money for Nothing’。
说起这首歌曲的诞生,跟当时已经轰动全球的MTV频道有关。有一天,马克诺弗勒与妻子前往电器行选购厨房用品。电器行的橱窗里,装设了一面电视墙,正如当时所有的商家,不断的播放来自MTV的节目。大家都知道,MTV‘发明’了‘VJ’,请一些打扮很‘入时’的年轻主持人串场介绍当红的‘流行趋势’。在已经不算很年轻的马克诺弗勒看来,包括那些‘主持人’和当时正热门的一些‘偶像’,不但‘不男不女’,甚至还不知所云,可是却能大红大紫、赚进滚滚的钞票,简直是没有天理,于是他想到了‘Money for Nothing’(什么事也没做就大大赚钱)这样一个主题,同时拿笔记下那主持人所说的一些台词,准备好好挖苦一番。经过了反覆构思后,他写出了这首歌曲。该团的经纪人厅了Demo带,就有一种预感,觉得这首歌可能会大为轰动。
后来,他们开拔到加勒比海西印度群岛的蒙赛拉特,在当地一家非常着名的录音室进行正式的录音。当时,‘警察’(Police)合唱团的史汀(Sting)刚好在那里度假,由于录音室附设的餐厅,是岛上餐饮最好的地方,所以过去用餐,顺便前往探班。‘险峻海峡’与‘警察’合唱团曾经多次同台表演,彼此间颇有交情,于是马克诺弗勒就跟史汀提起,自己写了‘Money for Nothing’这样一首关于MTV、很好玩的歌,问他有没有兴趣客串唱上几句。史汀欣然同意,在歌曲的开头,用自己的畅销歌‘Don’t Stand So Close to Me’的曲调,唱着‘I want my MTV’(我要我的MTV)。录制完成之后的效果,可说是突出极了,因此马克诺弗勒特别把史汀列为歌曲的共同作者。
这首歌完成后,被收录到‘Brothers in As’专辑中发行。配合推出的音乐录影带,结合了电脑动画和现场演唱的画面,果然造成了轰动,但是也引起了某些抵制,因为许多同性恋者指称歌词中提到的‘little faggot’这个词句,是对他们的歧视与侮辱。为了摆平抗议的声浪,美国的发行公司还特别重新剪辑,删除了这个字眼。1985年九月二十一日,这首歌为‘险峻海峡’夺得了成军以来第一个、也是到目前为止,唯一的美国排行冠军,更使得该团正式的跻身超级队伍的阵营。
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35.Carole King-It’s Too Late
在‘织锦画’专辑使她成为超级巨星之前,卡洛金早已因为她的创作才华而受到了举世的肯定。从披头到‘灵魂夫人’艾瑞莎富兰克琳(Aretha Franklin),几乎所有60年代最重要的艺人或团体,都曾经灌录过她的作品。本名叫做卡洛克莱恩(Carole Klein)的她,1942年的二月九日出生于纽约的布鲁克林,四岁开始学钢琴,并且在高中时代组成了自己的第一支乐队,名叫‘Co-Sines’的四重唱团体,进而成为摇滚DJ鼻祖亚兰佛瑞德(Alan Freed)电台节目的固定成员。就读于皇后大学的时候,她和当时还没有成名的保罗赛门(Paul Simon)、尼尔西达卡(Neil Sedaka)与杰瑞勾芬(Gerry Goffin)等人成为志同道合的好友,更与擅长文字的杰瑞勾芬开始共同创作、进而结为夫妻。
1959年,高中时代就已经跟卡洛金是同窗好友的尼尔西达卡,以她当作题材,谱写、并且主唱了一首‘Oh! Carol’,一炮而红。卡洛金不甘寂寞的回敬了一首‘Oh! Neil’,可惜并没有成功。不久之后,她与杰瑞勾芬开始以夫妻档的姿态,成为出版家唐克许纳(Don Kirshner)旗下的专属歌曲作家,共同在以作曲家群集而着名的‘布瑞尔大楼’(Brill Building),跟许多其他的创作高手一起工作。1961年,黑人女子合唱团‘雪瑞尔’(Shirelles)把他们夫妻的‘Will You Love Me Tomorrow’唱上了冠军宝座,让他们受到了广大的注意。
紧接着,鲍比维(Bobby Vee)的‘Take Good Care of My Baby’,以及帮他们担任孩子临时褓姆的女歌手‘小伊娃’(Little Eva)所主唱的‘The Locomotion’,又先后轰动了歌坛,更加的确立了这对夫妻在歌坛的地位。卡洛金与杰瑞勾芬夫妻,陆续谱写了超过一百首以上的畅销名曲,包含了各种不同的风格,其中又以‘薄纱’合唱团(The Chiffons)的‘One Fine Day’、史提夫罗伦斯(Steve Lawrence)的‘Go Away, Little Girl’、‘蒙奇斯’(The Monkees)合唱团的‘Pleasant Valley Sunday’、‘流浪者’合唱团(The Drifters)的‘Up on the Roof’,以及艾瑞莎富兰克琳的‘(You Make Me Feel Like) a Natural Woman’等等,最具有代表性。总之,他们成了流行音乐市场上最多产、也最重要的创作搭档。
在‘为他人作嫁衣裳’的同时,卡洛金仍然没有放弃自己成为歌手的梦想,可惜只有在1962年以‘It Might as Well Rain Until September’拿到过第二十二名,其他的作品成绩都非常的不理想。60年代中期,他们夫妻与一位专栏作家共同投资,开设了自己的唱片公司,但是很短命,没有多久就结束营业了。或许是因为‘经商’失败而引起的不愉快吧,这对夫妻在1968年宣告仳离,结束了十年的婚姻与合作关系,而卡洛金旋即与公司旗下一支乐队的贝司手查尔斯拉尔基(Charles Larkey)结婚,并且移居西海岸,打算重新开始奋斗。在洛杉矶,卡洛金、拉尔基与另外一位来自纽约的好手丹尼寇屈玛(Danny Kortchmar)共同组成了一支三人团体‘The City’,推出了一张专辑‘Now That Everything’s Been Said’,但是由于卡洛金生性羞涩,畏惧登台亮相,因此并没有展开宣传的巡回演唱,也影响到了这张专辑的销路。不过,专辑中倒是包含了几首好歌,例如后来由‘伯兹’(Byrds)合唱团唱红的‘Wasn’t Born to Follow’、‘血汗泪’合唱团(Blood, Sweat and Tears)唱红的‘Hi-De-Ho’、以及詹姆斯泰勒(James Taylor)唱红的‘You’ve Got a Friend’等等。
詹姆斯泰勒是丹尼寇屈玛多年的患难之交。经由寇屈玛从中穿针引线,他和卡洛金也成了惺惺相惜的好友,非常了解卡洛金内心对于歌唱的热爱,因此鼓励她重拾独唱歌手的身份。起先,卡洛金十分犹豫,因为过去她的歌词都是由杰瑞勾芬撰写的,如今与勾芬离异,她必须自己来填词,而她很担心如此一来会泄漏了自己私密的世界。经过泰勒不断的游说,她才鼓起勇气开始着手,但她仍然只想要录制专辑,唱些好歌,并不想成为舞台上耀眼的巨星。1970年,她推出了第一张个人专辑‘Writer’,不过并不成功。泰勒继续给她鼓励,她也终于完成了改变她一生命运的‘织锦画’专辑。
‘织锦画’专辑不但细腻的表现了感情的世界,更展现出卡洛金在歌唱方面的魅力。或许她并没有非常唯美的歌喉,但是充满感情与生命力的诠释,配合了内容丰富的词曲,以及她亲自担任的钢琴演奏和变化多端的编曲,呈现了令人激赏的面貌。专辑推出的第一首单曲,就是获得连续五周冠军的‘It’s Too Late’。有人指出,这是她有感而发的作品,因为她与詹姆斯泰勒‘相见恨晚’,自己已经不是自由之身,只能够把心中的情愫升华为友情。不论事实如何,至少这首歌曲确实引起了广大的共鸣。
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36.Fleetwood Mac-Go Your Own Way
成立于1967年的‘佛利坞麦克’,原本是一支纯英国籍的团体,原始团员中,主要包括团长彼得格林(Peter Green)和鼓手米克佛利坞(Mick Fleetwood)。经过数度人事改组后,加入了贝司手约翰麦克维(John McVie),声望扶摇直上。1970年,克莉丝汀柏菲(Christine Perfect)取代了宣告退出的彼得格林,成绩更好。而克莉丝汀不久就嫁给了约翰麦克维,成了克莉丝汀麦克维(Christine McVie)。但是该团风雨不断,阵容继续的变动。1974年,米克佛利坞邀请来自美国加州的吉他手林赛白金汉(Lindsey Buckingham)加盟,白金汉提出的条件是连同他的女友史蒂薇妮可丝(Stevie Nicks)也一起参加,共同完成了备受推崇的‘佛利坞麦克’同名专辑。就这样,这五个人的英美混血组合,成了‘佛利坞麦克’最为经典的阵容,也正式的使得该团晋身摇滚乐坛的超级名团。
只是,尽管他们成名了,团员们的生活并不愉快。麦克维夫妻宣告分居、米克佛利坞与妻子离婚、连同居八年的林赛白金汉与史蒂薇妮可丝也决定分手。不过,这也正是这几位艺人与众不同的地方。他们努力的投入工作,把私人的情感挫折化为创作,共同完成了1977年的‘流言’(Rumors)这张专辑,将他们的演艺才华发挥到了极致,上市之后造成了空前的热烈反应,连续获得三十一周冠军而成为经典,畅销的纪录直到麦可杰克森的‘Thriller’专辑出现才被改写。
在‘流言’专辑中所推出的第一首单曲,是由林赛白金汉所谱写、并且担任主唱的‘Go Your Own Way’。我们可以听到,在几乎有如喷着火的激昂乐声中,他把自己和史蒂薇妮可丝所遭逢的挫折化成了歌声,直陈两人的爱情已经触礁,即使他还愿意奉献自己的世界,但是当对方已经没有接受的意愿时,勉强继续下去,又有什么意义呢?倒不如各走各的路。这首歌让成军多年的‘佛利坞麦克’头一次打进排行的前十名。
在‘Go Your Own Way’之后,他们紧接着推出了‘Dreams’。这是由史蒂薇妮可丝谱写跟主唱的。正如林赛白金汉,她也把自己对于那段已经成为过去的恋情深刻的感触化作歌曲。两人的分手,难道全都是她的错吗?她对林赛表示,你老是说你希望自由,我有什么资格让你感到消沈呢?要走,你就走好了,但是当你寂寞的时候,不妨仔细的听听来自你内心深处的声音,想想你过去曾经拥有过什么?如今又失去了什么?或许你可以找到很多女人,可是她们有几个能够经常陪伴在你身边?我已经非常清楚事实,但我将独自咀嚼这一切,我只不过是想要让自己融入你的梦想中,你有没有什么梦想可以出售?寂寞的梦,孤独的梦,我们曾经共同享有过的梦?这首歌曲,被公认是史蒂薇妮可丝音乐生涯中最优秀的作品,在1977年六月十八日登上榜首,成为这支超级队伍成军三十多年中唯一的一首冠军曲,同时根据美国广播音乐公司(BMI)的统计,也是二十世纪一百首最受欢迎歌曲中的第八十名。
这张专辑平均三个月推出一首单曲。在‘Dreams’之后,他们于1977年的七月推出了第三首单曲,由克莉丝汀麦克维谱写跟主唱的‘Don’t Stop’。这首听起来相当畅快的歌曲,显然也是有感而发的作品,只不过采取另外一种不同的角度。前面我们已经提到,当时克莉丝汀已经跟丈夫分居,其他队友们也同样都正经历着感情与婚姻的挫败。她在歌曲中说,如果你早晨醒来的时候,发现自己笑不出来,不妨睁亮眼睛,好好看看这个世界,想想明天可能会有多么美好,也许情形就会不一样了,所以,不要绝望,明天很快就会到来,想想自己过去所有的成就,想想未来你想做的一切,忘掉昨天的伤痛,因为那早已成为过去,如果你能够不断的往前看,你的生活将永远愉快。对于她的这种看法,歌迷们用实际的行动来表现他们的支持:这首歌曲在排行榜上获得了第三名,成为‘佛利坞麦克’三十多年的唱片生涯中,排行成绩仅次于‘Dreams’的经典。
这张专辑推出的第四首单曲,是同样由史蒂薇妮可丝谱写跟主唱的‘You Make Loving Fun’。她用一种宁静、却又充满激情的方式,唱出了一种非常成熟的爱情观感。在歌曲中,她歌颂着‘那个人’使得两情相悦的事情充满了欢乐,让她永远难忘。至于让她觉得是世间唯一的那个人究竟是谁?是不是她对过去跟林赛白金汉两人之间旧爱的回忆呢?这可就不得而知了。不过,可以肯定的是,这首歌也大受欢迎,得到了第九名。
‘流言’这张专辑使‘佛利坞麦克’摆脱了情感生活的阴影,也让他们继续的合作下去。虽然他们后来的作品都没有能够超越‘流言’的成就,但他们的实力仍然是大家都一致肯定的。至于他们未来还会不会继续推出共同合作的新作品呢?且让我们拭目以待。
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37.Simon & Garfunkel-Bridge Over Troubled Water
西洋流行音乐史上,曾经有过许多令人难忘的二重唱团体,如果以创作的能力与作品的素质来说,相信大家都会公认,由保罗赛门(Paul Simon)和亚特葛芬科(Art Garfunkel)共同组成、曾经在60年代红极一时的‘赛门与葛芬科’,无疑是其中最杰出的一对。尽管他们在成名之后合作的时间只持续了短短的五年,也只留下了六张专辑(不包括精选集在内),但是却获得了极高的评价,至今依然让人难以忘怀。
赛门与葛芬科是一起在纽约长大的好友。由于他们都住在皇后区,所以很早就因为音乐上的共同爱好而结为好友。两人高中时代就共组了‘汤姆与杰利’二重唱,甚至还在1957年有过一首畅销曲‘Hey School Girl’,可惜后劲不足,搭档不久即宣告解散。分手之后,赛门曾经以独唱的姿态推出过几首单曲,但是仍然不成功。1964年,由于来自英国的披头合唱团和民歌界的鲍布狄伦(Bob Dylan)都以自己的创作大获成功,他们决定再度合作,并且以两人本姓取名为‘赛门与葛芬科’二重唱,于1964年十月推出他们的首张专辑‘Wednesday Morning 3 a.m.’,其中的歌曲不但有狄伦的作品,也有赛门自己谱写的。
只是,可能由于他们的时机尚未成熟,这张专辑在刚发行的时候并未受到注意,因此赛门在完成大学学业后便独自远赴英国。或许是命中注定要有贵人相助吧,纽约的一名DJ在偶然中听到了他们的那张专辑,对其中由赛门谱写的‘沈默之声’(The Sounds of Silence)大为激赏,在节目中强力放送,引起了极大的回响,不但‘沈默之声’直冲排行榜首,唱片的销路直线上升,赛门也因此回到美国,重新出发。他和葛芬科花了十八个月的时间,以‘沈默之声’作为标题,推出第二张专辑,并且大为畅销,使他们成为备受推崇的巨星。在精选集中的‘Kathy’s Song’和‘I Am a Rock’,就是选自这张专辑。
提起赛门与葛芬科的歌曲,许多人都认为,除了他们分手前最后的那首‘Bridge Over Troubled Water’之外,最唯美、也最动人的,莫过于‘Scarbourough Fair/Canticle’了。由于这首歌曾经出现在电影【毕业生】里面,很多人都以为这是他们特地【毕业生】所作的。事实上,这首歌最早出现于他们的第三张专辑‘Parsley, Sage, Rosemary and Thyme’里,而且并不完全是他们的原创。它其实是由两首歌曲巧妙的结合在一起的。一般的歌迷可能多半都只听到扮演‘主歌’的‘Scarbourough Fair’,这是根据英国的一首传统民谣改编的,描述一个前往远方出征的年轻士兵,担心自己无法生还,于是托付友人转告家乡的女友,万一他无法活着回来,请她替自己料理后事,永远记得他的爱,就像那香味芬芳的花草一样。而在这首歌进行的同时,赛门另外谱写了一首‘Canticle’当作副歌,描述着战场上军人的无奈心声,和前者合为一体,搭配得天衣无缝。甚至我们可以说,‘躲在背后’的这首‘Canticle’,才是赛门编写这首歌曲的真正精神所在。
选自赛门与葛芬科第四张专辑‘Bookends’的歌曲,包括了同名的标题歌‘Bookends’、‘America’和他们为【毕业生】谱写的‘Mrs. Robinson’,再度展现了他们对于社会与人文细致而又深入的关怀,他们用整张专辑传递着大都会冷漠的气息,以及都市生活的寂寞。他们刻画出一对坐在公园长椅上的老年夫妻,两人各坐一头,就好像是书架的两端一样,共同生活了一辈子,所有能说的、该说的话,彷彿都已经说完,如今他们只能看着公园里随风飘飞的旧报纸,默默的承受年华老去的悲哀。
我们知道,赛门与葛芬科的成名曲‘The Sounds of Silence’往往被冠上电影【毕业生】主题歌的称号,其实‘Mrs. Robinson’才是真正应该被称为该片主题曲的作品。【毕业生】是由当时刚刚因为伊丽莎白泰勒和李察波顿共同主演的【灵欲春宵】成名的迈克尼可斯执导的,并且邀请保罗赛门出马负责谱写全片配乐。赛门正在忙着作曲的时候,尼可斯却因为不耐久候,先行利用他和葛芬科过去录制的一些歌曲来配合影片的某些场景,而且发现非常适合,于是改变主意,只让赛门特别为这部电影谱写一首新歌,也就是用来描述片中女主角母亲‘罗宾森夫人’的这首‘Mrs. Robinson’。赛门与葛芬科总共为这首歌曲录制了三种不同的版本,其中有两种出现在电影的原声带专辑,而另外一种则在稍早先行在两人的‘Bookends’专辑中发表,很快的就直冲榜首,成为两人继‘The Sounds of Silence’之后所拿到的第二个冠军。
如果要从赛门与葛芬科所灌录过的歌曲中,挑选最杰出的一首,相信大家都会同意,那就是‘Bridge Over Troubled Water’。但是,这首歌也成了两人终于分手的导火线。当时,负责几乎所有创作工作的赛门,已经因为葛芬科跑去拍电影、整整一年没有归队而非常光火,两人间的不愉快,更由于这首阐述友情的歌曲而白热化。在赛门原先的构想中,这首歌是只有两节的。那原本是一首福音式的歌曲,而他的直觉告诉他,应该用钢琴来伴奏,所以他特别从纽约飞往洛杉矶,和一位擅长把吉他和弦改编为钢琴伴奏的乐师一起工作,但是,葛芬科和他们的制作人却一致认为这首歌太短了,假如能够改成三个章节,必定能够更受欢迎,而且也会让听众加强对这首歌的印象。为了说服赛门,他们还举出过去Righteous Brothers一首同样只有两个章节、不太成功的福音歌曲来做为例子,证明三个章节的歌曲比较好。
熬不过两人的坚持,赛门只有勉为其难的同意加上第三节(但是他心里很不高兴,所以后来他自己演唱这首歌曲的时候,就经常只唱前面两段)。一切就绪之后,他们准备开始录音。他们把洛杉矶那位负责改编钢琴和弦的乐师请到纽约来,因为钢琴是这首歌曲的重点,其他的乐器只是扮演润饰的工作。为了强调钢琴的份量,他们加上了电器共鸣的装置,让钢琴在第二和第三节的部分,能够产生显着的共鸣。在第三节,他们用一把贝司阴沈而具有爆炸性的音调,逐渐导入高潮,另外还用铙钹激越昂扬的声音,强调出各节之间的变化。赛门与葛芬科卖命的工作,努力的构筑一种独特的风格,就如同一幅油画一般,不断的在画布上修改、补正,直到架构完成,最后,终于到了加入歌声的部分了。
‘Bridge Over Troubled Water’是一首独唱曲,他们两人都想唱。在葛芬科心里想,这首歌曲毫无疑问的,一定仍然会由他来主唱,因为他的嗓子清纯,适合表达歌中的意境。尽管这是赛门的杰作,但是为了市场,他相信赛门必定会按照惯例,让他来唱。但是,出乎意料之外的,赛门竟然拒绝了。葛芬科的歌喉比赛门要好一些,这是大家都公认的事实,所以虽然赛门想要自己来唱,但是葛芬科却仍然必须来担任主唱,而赛门也抵挡不住众人的一致劝说,不得不黯然的让步。尽管最后事实证明葛芬科的演唱效果是绝对的完美,这对老友之间却已经出现了无法弥补的隔阂,专辑完成之后,两人的合作终于划上了休止符。
两人分手之后,每当赛门独自演唱这首歌曲的时候,几乎多半都只唱前面两段,以表示他仍然认为自己的看法才是对的。分手十年之后,两人曾于1981年在纽约中央公园复合,一起开演唱会。当葛芬科演唱这首歌曲的时候,赛门悄悄的退到舞台后方,脸上表情复杂中带着几许落寞,而台下数十万热情的观众又有几人会记得,这样一首动人的友情之歌,竟然造成了两人的分手呢?
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38.Julio Iglesias-Let It Be Me
大学时代主修法律的胡立欧,本来立志成为足球明星,却因为一场车祸而改变了他的一生。在努力复健的两年期间内,他开始写诗,其中有不少作品都伤感而浪漫的对于人们生命中的任务提出了质疑。后来,由于父亲的一位助理送给他一把吉他、帮助他打发时间,竟然激发了他对音乐的潜能,不但开始唱歌,还尝试作曲。没有多久,他就发现自己对音乐产生了一份狂热。毕业于剑桥大学后,他决定投身歌坛,在1968年赢得西班牙音乐节歌唱比赛的首奖,随即被唱片公司网罗,展开了辉煌的演艺生涯,并于1970年代表西班牙参加欧洲歌唱大赛。到了1971年,他的唱片销售数字头一次冲破了百万大关。其后几年,他的演唱足迹遍及欧洲和拉丁美洲,各种音乐大奖一一手到擒来,同时在1973年就刷新了纪录,成为有史以来在西班牙和拉丁美洲得奖最多的艺人。不过他第一次打进英语市场,则是1981年以西班牙语夹杂着几句英语翻唱的经典‘Begin the Beguine’。为了替他打开知名度,唱片公司发行了一张选集‘Julio’,收录了他分别用英语、西班牙语、法语、德语、葡萄牙语和义大利语等多种语言演唱的歌曲,轰动了美国。
1983年,胡立欧夺下了金氏世界纪录到目前为止颁发过的唯一一座‘钻石唱片’大奖,因为他开创了有史以来以最多国语文演唱、同时比任何其他艺人都卖出更多唱片的纪录。但是胡利欧并不因此就满足,他决定要真正的征服美国,而他知道,想要获得美国大众的喜爱,必须以英语来演唱,而且最好能够请到美国最具有人气的巨星来帮衬。1983年,他先在当时最受欢迎的乡村巨星威利尼尔森(Willie Nelson)的专辑中客串合唱了一首‘As Time Goes By’。1984年,他正式进军英语歌坛,威利尼尔森投桃报李合唱的‘To All the Girls I’ve Loved Before’夺下全美第五名、以及乡村单曲排行两周冠军而轰动了全球。在他的首张英语专辑中,不但制作团队与伴奏乐手全都是一时之选,包括‘海滨少年’合唱团(Beach Boys)和黑人流行天后黛安娜萝丝(Diana Ross)等也分别担任和声或合唱,果然一鸣惊人,顺利的在美国闯下一片天。1985年,好莱坞星光大道上出现了有着他名字的纪念牌,从此他更是举世皆知的超级天王巨星了。
在擅长演唱浪漫情调的同时,英俊潇洒、风流倜傥的胡立欧,男女关系也错综复杂,先后跟几位妻子生下的儿女中,有好几个都步入歌坛,其中包括了目前也已经成为巨星的安立奎(Enrique Iglesias)。不过,尽管四处‘留情’,胡立欧在演艺事业上却是一丝不苟的,他对乐队的要求极为严格,自己在演唱的时候更是全神贯注,几乎大部分的时间都紧闭着双眼,完全无视于台下女性崇拜者爱慕的饥渴眼神。他对于‘我爱你’这几个字的唱法更是讲究,总是反覆的练习,直到完美无暇为止。而不论他使用的是哪一种语言、无论你是否听得懂,他的声音就已经足够让人陶醉了。三十多年来,胡立欧缔造了许多惊人的空前纪录,不但是有史以来最畅销的拉丁歌手,也是全世界有史以来唱片销售数字最高的一人,全球销售总数突破了两亿五千万张。至于金唱片和白金唱片,更已经累积到超过了两千六百张。而虽然拉丁语系的歌曲才是胡立欧真正的‘本行’,对于不懂那些语言、但是希望听得懂他在唱些什么的歌迷而言,他的英语歌曲仍然是最讨好的,因此尽管他曾经陆续推出过好些精选,却始终还没有发表过英语歌曲的选集,所以这回他特别发表了这张完全是英语情歌的‘自选辑’。
生平发表过将近八十张专辑的胡立欧,真正以英语灌录的专辑只有三张,因此这些英语歌曲多半都是出自那三张专辑,加上部分演唱会的实况录音,以及某些在他过去的选集里面出现过的作品。假如我们仔细留意,就会发现,由创作歌手转到幕后的制作人亚伯特汉蒙(Albert Hammond)在胡立欧的这些英语作品中扮演着非常重要的角色,不但大部分的歌曲都是由他负责制作,其中更有不少是他所参与谱写、甚至曾经由他亲自率先唱红的。例如,‘To All the Girls I’ve Loved Before’和‘99 Miles from L.A.’就是他与柏特拜克拉(Burt Bacharach)昔日搭档海尔大卫(Hal David)联手谱写的,而‘When I Need You’和‘Moonlight Lady’则是由拜克拉的作词名家妻子卡洛贝耶莎格(Carol Bayer Sager)携手合作,至于‘Love Has Been a Friend to Me’和胡立欧与桃莉芭顿(Dolly Parton)合唱的‘When You Tell Me That You Love Me’,则是他与70年代跟李察卡本特(Richard Carpenter)密不可分的约翰贝提斯(John Bettis)共同谱成的佳作。汉蒙虽然是个英国人,但是后来在西班牙长大,因此特别擅长掌握拉丁艺人与音乐的特色,在他与胡立欧的这些合作之中,就可以很明显的感受到。
在胡立欧的这些英语情歌里面,还有几首是特别值得一提的,例如他在1994年翻唱的派西克兰(Patsy Cline)经典‘Crazy’,是威利尼尔森早年谱写的代表作,透过胡立欧的重新诠释,把那种为爱痴狂的感觉发挥得淋漓尽致,无比的动人。披头的经典‘And I Love Her’,同样呈现出一种特殊的风格。假如我们仔细分析,除了他迷人的歌喉,还有他对词句的表现手法。英语叫做‘Phrasing’的这个术语,从字面上看,可以翻译为‘断句’,用比较浅显一点的说法,则是用‘抑扬顿挫’来展现歌者‘叙述’词句的功力,这一点,并不是人人都做得到的,海峡两岸的华人歌手们更是普遍缺乏这方面的能力。而当我们聆听胡立欧翻唱美国诗人歌手洛德麦裘恩(Rod McKuen)根据法国创作歌手贾克布瑞尔(Jacques Brel)作品改编的‘If You Go Away’时,这种魅力更是令人动容。
聆赏好歌,永远是人生最大的享受,特别是由一个像胡立欧这般擅长表现情感的歌手唱出的情歌,更是令人无法抗拒。或许这些歌曲多半不曾在排行榜上有过多少表现,但是我们仍然无法不深深的为之着迷。不管你说他是‘拉丁歌王’也好、‘情歌圣手’也罢,当胡立欧的醉人情歌在你我耳边倾泄的时候,那种种的形容词都已经没有意义,真正重要的,是那份全然的痴迷。屹立歌坛三十六年,哪怕是有多少后起之秀的青春偶像,始终没有人能够取代他的地位,他的成功,绝对不是没有道理的。
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39.Tammy Wynette-Stand by Your Man
来自密西西比与阿拉巴马边境小镇的泰咪温妮特(Tammy Wynette,以下简称TW),正如过去的许多乡村歌手,出身赤贫如洗的家庭,从七岁起就在棉花田里打工,唯一的寄托,只有父亲留给她的美梦。父亲在世的时候,擅长钢琴与吉他,并且梦想着自己的宝贝女儿有朝一日也能够以音乐美化生命、甚至成名。在那些整天弯着腰工作的日子里,她经常幻想着自己在好几千人面前表演歌唱。这些,并不完全是毫无来由的白日梦,因为她承袭了父亲的音乐天赋,学龄前就已经开始在家乡的教堂里面司琴、演唱福音歌曲了。进入青春期之后,她更组成了一支三重唱,偶而也会获得机会,在当地的广播节目里面表演。尽管心中有着当歌星的梦想,但她仍然是个非常单纯的小女生,向往着找到爱情,成为一个幸福的家庭主妇与母亲。所以,当她两个最要好的女伴在高中还没有毕业的时候就先后结婚,她也急忙的跟进,嫁给一个建筑工人,以为这样就可以逃开棉花田的苦日子。结婚之后,还没有成年的这个小新娘很快的就发觉现实跟梦想的差距,丈夫经常找不到工作,生活比婚前更苦。更糟的是,不到三年,她就连续生了两个孩子。为了贴补家用,她不得不外出打工,但仍然不够开销,他们全家被迫搬到人家废弃不要的破旧木屋里栖身。
为了习得能够谋生的一技之长,她在母亲的资助之下,进入一家美容学校,终于取得了美容师的执照,搬到阿拉巴马州的伯名罕工作。只是,她的恶梦并没有就此结束。她在那里生下了第三个孩子,不但早产,而且不到四个月大,就因为脊椎髓膜炎而几乎夭折。另外,她跟丈夫之间的相处也越来越不愉快,两人终于劳燕分飞。为了生活,她每天在美容院工作十个小时,但即使如此,她仍然没有忘记歌唱的美梦,因此努力争取到机会,每天凌晨四点钟就起床,在上班之前,到当地的电视台去参加‘Country Boy Eddie’节目的表演。另外,她还多次设法抽空前往纳许维尔,拜访各大唱片制作人,希望能够得到灌录唱片的机会。虽然不断遭到挫折,她还是下定了破釜沈舟的决心,在1966年移居纳许维尔。她没有钱、没有工作、没有地方住,还有三个孩子要她抚养。但是,她咬紧牙关,熬了将近整整一年,母子四个几乎饿死。就在她打算死心,重新回去当美容师的时候,她的歌喉却引起了长期驻唱于‘老大歌剧院’(Grand Ole Opry)的老牌巨星波特华格纳(Porter Wagoner)的注意,邀请她参与巡回演唱。天生的丽质和优异的技巧,使得着名的制作大师比利薛瑞尔(Billy Sherrill)对她大为赏识。当时,哥伦比亚唱片刚刚成立副牌的‘EPIC’唱片公司,指派薛瑞尔为总裁,薛瑞尔听TW唱了三首歌,立刻决定把她签到旗下,还亲自为她制作、帮她写歌。
1966年年底,TW以‘Apartment #9’打进乡村排行,虽然只获得第四十四名,但是已经开始吸引了广大的注意。在薛瑞尔的策划之下,TW以温婉贤淑的家庭主妇姿态出击,在几乎所有的歌曲里面,她总是扮演楚楚可怜的妻子,阐述着对爱情与婚姻的忠贞。1967年十月,薛瑞尔与创作歌手葛伦苏顿(Glenn Sutton)共同谱写的‘I Don’t Wanna Play House’,让TW拿到了个人的第一个乡村冠军,蝉联三周,也轰动了歌坛,更让她夺得最佳乡村女歌手的葛莱美奖,就此跻身巨星之林。她每个音节都彷彿隐含着泪水的独特歌唱方式,很快的引起了广泛的讨论。一位着名的专栏女作家指出,她的这种风格,几乎是天下所有曾经受到感情创伤的女性都会认同的声音。事实上,感情的创伤也的确是TW生命中无所不在的,不但她还没有成名之前的奋斗过程如此,即使在她成名之后,也依然与她形影不离。
1968年的六月,TW以‘D-I-V-O-R-C-E’再度拿下连续三周的乡村排行冠军。不久,她的创作才华也得到了表现的机会。薛瑞尔曾经想到一个歌曲的标题,叫做‘Stand by Your Man’,不过始终没有完成。这个构想,被搁置了将近一年。1968年八月,他和TW在录音室进行新歌的录制。完成两首歌曲后,他宣布休息二十分钟,陪同TW转往办公室,准备再谱写一首歌曲。他提起‘Stand by Your Man’这样一个标题,TW立刻就有了灵感,于是两人坐下来开始动工,没有多久就完成了这首歌曲。唱片推出后,引来了全美各地女性主义者的强烈抨击,认为这是在开时代的倒车。薛瑞尔毫不在意,他甚至公开表示,这首歌曲本来就是为了那些不打算参加‘女性运动’的广大妇女而写的。歌曲中说到,不管你的男人如何的错待了你,别忘记,他毕竟只是个普通的男人。如果你爱他,就要原谅他,等他迷途知返,站在他身边,给他支持、给他爱。换句话说,这只是表达‘我爱你’的另外一种方式,只不过更加的毫无保留而已。女性主义者的攻击,反而让这首歌曲受到更多的注意,也获得了广大保守女性的热烈回响,不但在1968年十一月二十三日登上乡村冠军宝座、蝉联三周,成了她的招牌歌曲,更是乡村歌坛有史以来由女性歌手灌录的唱片中,第一张成为百万金唱片的作品,并且再度为TW夺下另外一座葛莱美奖。1971年,这首歌曲并且成为杰克尼柯逊(Jack Nicholson)所主演的电影‘浪荡子’(Five Easy Pieces)主题曲。
今天练习坡道起步,
一踩油门,车子冲到了顶上.
RADIO里是这首曲子
印象比较模糊,记得这句
“when everything’s made to be broken
i just want you to know who i am”
刚才浏览帖子, 凑巧看到了.
不错,呵呵,
很适合闷闷的时候听.
忘记说名字了,
是 GOO GOO DULLS的 IRIS.
学车的时候别一心二用